blog berlin sur scenes

"Le temps du hurlement est venu" - épitaphe

2010-06-18T14:53:00.000-07:00

José Saramago est mort. Je le citais encore il y a un mois en parlant de Trust de Falk Richter. Parce que son discours, son écriture, son parcours étaient pour moi une survivance d'un monde et d'une pensée en voie de disparition, d'une classe et d'une intelligence qu'on ne vante plus, voire qu'on ringardise - être communiste en 20010 c'est pas un peu démodé?- un esprit qui allait de plus en plus à contre-courant, comme d'une autre époque mais incroyablement lucide et visionnaire. Lisez l'Evangile selon Jésus Christ, lisez la Lucidité, pour se souvenir pourquoi nous en sommes là aujourd'hui. José Saramago est mort. Reste de lui cette interview que je ressors souvent, que je relis souvent aussi parce qu'à l'époque je me disais que si un prix Nobel, un bourgeois en quelque sorte, que si un homme de 85 ans était encore capable de penser ça, alors moi je me devais de ne pas céder, de résister aux discours ambiants, ne pas accepter. José Saramago est mort. En épitaphe cette interview accordée au Monde en 2006 qui se terminait ainsi : "La vieillesse n'est pas une condition à la liberté, tout au contraire. Néanmoins, dans mon cas, après réflexion, j'en suis arrivé à la conclusion qu'elle m'a accordé effectivement plus de libertés. Ce qui m'a conduit à devenir plus radical comme l'illustre ce livre où j'ai mis d'ailleurs en épigraphe : "Hurlons, dit le chien." Ce chien, c'est vous, c'est moi, c'est nous tous. Jusqu'alors nous avons parlé, nous nous sommes exprimés sur de multiples sujets sans nous faire véritablement entendre. C'est pourquoi, il faut à présent hausser le ton. Oui, je crois que le temps du hurlement est venu."

Trust - Le temps d'aboyer est venu

2010-05-20T07:30:00.000-07:00

Les silhouettes se liquéfient sur les chaises. Impossible de tenir, ils glissent, corps mous sans prise sur le réel. "Et si je partais, cela ne changerait rien, Et si je restais, cela ne changerait rien..." égrène un acteur au micro. Finalement tombés de leurs chaises, les corps ne trouvent toujours pas l'équilibre, marchent, tombent, se retiennent les uns aux autres, puis s'effondrent, tendent une main pour être aidé, puis la bonne âme qui s'avançait fait volte face au dernier moment. "Oublie finalement tout ce que je viens de te dire (....) trop compliqué, ne changeons rien, laissons les choses comme elles sont". Les mots de Falk Richter, les mouvements chorégraphiés par Anouk Van Dijk disent l'impuissance. Rien ne sert à rien, la société nous dépasse, nous avale, aspire nos velléités, paralyse nos élans. Alors finalement “fais tes valises... et reste” crie t-il là bas. Non, rien ne sert de se séparer, rien n’est à remettre en cause continuons comme avant, malgré la crise et les dollars qui flambent aux quatre coins de la planète, malgré les frustrations et les incompréhensions. La pièce Trust a été créé au moment du crash boursier des Lehman & brothers. Un an après, en ces temps de débandade de l’euro et de tragédie grecque, Trust résonne encore plus fort.De lui j’avais déjà beaucoup aimé "Im Ausnahmezustand" où une famille se recroquevillait dans son délire sécuritaire, jusqu’au dessèchement. Falk Richter sera cet été invité à Avignon avec cette pièce et aussi celle montée par Nordey, Secret Garden. Allez découvrir cet auteur qui a la bonne idée de mettre ses textes en ligne, de communiquer sur ces projets, de donner toutes les portes d’entrée de son travail sur son site, dans une démarche non pas narcissique, mais ouverte. Falk Richter décrypte le monde tel qu’il va et l’issue est sans espoir. Et pourtant nous aimerions croire au tangible, à un ordre juste, à l'amour. Nous aimerions CROIRE. Mais non, nous voici en état d'inconfiance. Le texte scandé met en parallèle le capitalisme qui marche sur la tête et la relation de couple engluée dans son ordre bourgeois. Point commun : l’argent qui tient tout, ronge jusqu’à notre âme, gâche notre être ensemble, nous isole et nous met en compétition. Chronique désespérée et cynique d’un monde prêt à bousiller l’humain pour sauvegarder le marché, prêt à faire confiance aux valeurs virtuelles plutôt qu’au concret. Le plateau est immense, salement éclairé, des néons blancs, pas de coquetterie donc. C’est froid, inesthétique, interchangeable. Chaises et canapés noirs impersonnels structurent l’espace. Seule fenêtre colorée dans ce décor glacé, une pièce vitrée, tapissée chaudement qui s’illumine parfois au loin. Le texte sonne comme une litanie, les mots s’enchaînent se reprennent, phrases identiques et pourtant légèrement modifiées. Falk Richter joue dans l’incantation avec micro - jusqu'à nous perdre. D'où vient cette voix qui parle, où se cache le diseur. A jouer ainsi avec nos perceptions Richter brouille les genres, notre regard s'attache aux danseurs là-devant alors que la voix nous vient de derrière, cachée. L'important c'est le sens, et ce mouvement devant nous qui dit autant que le texte avec une musique techno, rock, qui déchire et accompagne. Rien de dansant, une sorte de mélodie triste qui dit la rage rentrée, l'acceptation. Alors oui hurlons dans le micro, puisque nous ne savons plus communiquer. Encore faut-il encore savoir comment crier. Ils sont tous là, les quatre danseurs, les cinq acteurs, serrés sur les canapés dans une thérapie de groupe pour enfin exprimer toute cette colère. “Allez aboie”, incite le coach. Un pauvre miaulement sort du gosier de la malheureuse. Impossible de sortir un cri, notre société nous a appris à encaisser sans rugir. Une jeune femme dit la vacuité d'une l’existence superficielle qu’elle promène sur Ku'damm, trompant l’ennui en s’achetant une robe Prada. Clin d'oeil à l'environnement de la Schaubühne, implantée en plein quartier bourgeois et clinquant. Ce ne sera pas le seul, Richter convoque les actualités berlinoises, les chaines de supermarché qui ferment, la mairie, les projets immobiliers, et même la RAF. La musique se dirige derrière un ebook, le DJ est enveloppé dans un blouson étriqué argenté, un personnage s'arrête au centre Pompidou siroter un latte machiato devant des vidéos. La pièce tournerait-elle en cercle fermé sur le milieu bobo artistique berlinois? Non, Richter dépasse ça, dépasse Berlin, dépasse son environnement et ses préoccupations d’artiste subventionné mal dans sa classe sociale. Avec Anouk Van Dijk, chorégraphe flamande avec qui il collabore pour la deuxième fois, il nous parle d'autre chose, d'un élan brisé dans la course effrénée de nos sociétés occidentales. Du sens qui se part. De l'urgence de créer. Ils sont beaux ces danseurs, ces acteurs, ce qui est beau c’est que tout se mêle, les danseurs éructent au micro, les acteurs s’écroulent à terre comme des serpents pris de frénésie. L’interprénétation des disciplines n’est pas feinte, ni revendiquée, elle EST sur scène, là devant nous. C’est d’une vitalité désespérée(-ante). Anouk Van Dijk déséquilibre les corps, ils tombent mais se relèvent, ils ne trouvent plus la bonne marche pour aller droit (et vers où?), mais ils s’agitent avec tant de rage, que ça en est touchant. Le spectacle est un peu trop long peut-être, comme un défaut de formatage, ou alors est-ce du à ce "work in progress", si cher à Ostermeier, ce temps de création qui prend son temps, qui laisse place à l'évolution, qui n'a jamais dit son dernier mot. Trust porte le sceau de la Schaubühne et de son directeur Thomas Ostermeier. C’est aussi ça que j’aime ici, cette signature d'un théâtre traversé par des préoccupations obsessionnelles que les artistes prennent le temps de mûrir, et puis ce jeu physique, cette manière d'être sur scène, qui n’appartient qu’à ce lieu, cette obsession de la bourgeoisie, du couple, de l'être ensemble. Un théâtre politique dans son propos et dans sa manière de se faire. A la fin de Trust, la salle s'emballe. Je suis moi aussi touchée par cette performance généreuse. Il ne nous reste plus qu’à méditer sur cet immobilisme, sur cette paralysie d’une époque incapable d’inventer de nouvelles idéologies. Le système nous broie, nous avançons sans confiance aucune, mais déployons encore une agitation vaine pour continuer à vivre. Puisque le sens se perd, essayons d’en mettre sur nos spectacles. On sort de cette pièce sans espoir, mais convaincus malgré tout qu'il nous faut continuer à aboyer, malgré tout. Cela me rappelle une interview magnifique de José Saramago lors de la sortie de son livre "La lucidité. En épigraphe de l’ouvrage on pouvait lire “Hurlons, dit le chien”. Pour Saramago c’était l’injonction, l’unique possibilité de s’en sortir tête haute”. “Ce chien, c'est vous, c'est moi, c'est nous tous. Jusqu'alors nous avons parlé, nous nous sommes exprimés sur de multiples sujets sans nous faire véritablement entendre. C'est pourquoi, il faut à présent hausser le ton. Oui, je crois que le temps du hurlement est venu."

Theatertreffen - La Dauerkolonie de Marthaler sent le renfermé

2010-05-17T00:54:00.000-07:00

Samedi soir, en sortant des hangars de Tempelhof, je me dis que j'ai du mal à comprendre le succès de Christoph Marthaler. Artiste associé d'Avignon 2010, il y a déjà triomphé l'an dernier avec son RiesenBuztabach - eine Dauerkolonie. Sélectionnée pour ces Theatertreffen, cette pièce s'est installée le week-end dernier dans les hangars désertés du plus grand aéroport du monde, Tempelhof. J'ai souvenir que la poésie m'avait tenue éveillée pour Die Fruchtfliege, vue il y a deux ans à la Volksbühne. Cette fois-ci je trouve juste son univers sans surprise, et je m'y ennuie. En Allemagne ces tapisseries vieillottes, ces vêtements étriqués, ces meubles années 50 sont devenus à la mode. Cette esthétique n'a plus rien d'une douce ironie populaire qu'on trouve chez les Deschiens. Pour la première fois j'ai vraiment l'impression d'un décalage générationnel avec un metteur en scène, pourtant pas si vieux (la cinquantaine). Son monde m'est étranger, son petit ballet d'anti-héros du quotidien qui ne ressemble plus au mien me touche mollement.Peut-être étais-je trop loin perdue au 30e rang d'un gradin vertigineux. Je vois bien que tout le monde applaudit à la fin, que le charme a opéré, je regarde les visages, ils sont âgés.Le gigantisme de Tempelhof se mariait pourtant bien au décor signé Anna Viebrock, une maison/usine/pavillon/cité, à vous de choisir. Le lieu de tous nos quotidiens, sous l'inscription "Institut des entreprises de fermentation". Balcons, garages aux portes coulissantes, escaliers, salles vitrées, les acteurs évolent dans ce décor aux multiples facettes mais finalement très clos, étouffant. La pièce s'ouvre sur un tableau tout féminin. Des silhouettes de tous âges sont disposées ça et là au milieu de meubles épars, et attendent. Salle des ventes, magasin, bureau, appartement, en tout cas un lieu transitoire, en devenir - ou en pleine décrépitude. Ca sent le début et la fin d'un monde, on ne sait pas bien lequel. Un homme entre en scène, claque des bises à chacune et multiplie les mêmes explications vaseuses de son retard à sa maman/épouse/maîtresse. Il leur parle en français, elle n'y comprennent rien. Mais finalement peu importe ce qui se dit, et en quelle langue, ces échanges n'ont pas de sens, pas plus que les comptes des banques qui se vident et se remplissent au rythme éffréné de la (les) crise économique. Ces quelques conventions sociales du quotidien, sont tout ce qui nous reste d'un monde en déliquescence et on s'y raccroche pour croire encore en l'ordre du monde : un patron derrière son bureau vitré qui surveille, un employé de banque peu aimable derrière son comptoir, des hommes qui crient à leur femme de leur chercher des bières, des fêtes à cotillons qu'on organise dans le garage. Mais autour tout s'effrite, les meubles disparaissent les uns après les autres, les comptes se liquident, les héritages s'envolent, les patrons se déshabillent pour pousser la chanson. Durant les deux heures et demi de la pièce Marthaler semble regarder ses personnages s'affoler dans une cage ou un aquarium leur injectant une dose de "crise économique" et regardant ce qui se passe. Le ballet qu'il leur fait exécuter est dirigé avec méticulosité à tous les étages. Pas ou peu d'histoire, des situations qui éclatent, s'étirent souvent, des répétitions, des ballets qui tournent à la posture et tournent à vide - comme ce défilé de mode final en habits recyclés (il faudrait que Marthaler aille voir ce qui se fait en danse avec ce type d'idées, je pense notamment à Parades and Changes d'Anna Halprin, c'est tout de même autre chose). Impossible cependant de résister à cette bande d'acteurs fidèles, différents, non formatés, et surtout "pas jeunes". Ils vivent sous nos yeux tour à tour guignolesques, mesquins, petits, rêveurs. Mais leurs déplacements à quatre pattes, leurs va et vient entre les trois garages, leurs chorégraphies sur "Staying alive" transpirent le second degré bon marché. Les chorégraphies ne me font pas vraiment rire, le comique est facile, vu et revu.Le théâtre de Marthaler sent un peu le rance, comme le capitalisme qu'il attaque. Son théâtre de marionnettes chantantes ne m'amuse pas, voire m'ennuie. Quoi Bach et Schubert pour nous sauver des eaux entâchées de nappe de pétrôle du libéralisme triomphant? Je ne trouve aucune originalité dans cette proposition, aucune échappée, ni poétique, ni esthétique. Où se situe la modernité de ce spectacle? J'ai l'impression d'être loin de tout ça, et me souviens de l'émotion lundi dernier à la Schaubühne en découvrant Trust de Falk Richter - qui sera d'ailleurs à Avignon cette année. Dans sa critique de la crise économique, Richter développe bien d'autres énergies, même si ce sont celles du désespoir.

Félix Ruckert - "L'idée de la douleur bienfaisante"

2010-05-12T14:08:00.000-07:00

Wedding, le long des rives du canal. Au Nord de Berlin, un quartier populaire se transforme. Galeries, bars à la mode, espaces d’expositions dans des entrepôts industriels se succèdent. Au fond d’une cour, le Schwelle 7 se cache dans les étages : un loft à la berlinoise qui fait dans le sobre. Une grande salle lumineuse aux murs blancs, un beau lieu spacieux et zen. Et en même temps “excitant, un peu effrayant, attirant et très différent” rapporte la danseuse finlandaise Linda Priha dans un article pour un magazine finlandais. Sa réputation sulfureuse tient à son mélange unique de danse contemporaine et d’influence sado-masochiste. Ses deux fondateurs, le chorégraphe allemand Félix Ruckert et la danseuse Dasniya Sommer précisent “Nous ne sommes pas un lieu SM dans le sens habituel du terme. Malgré la radicalité de nos propositions nous essayons de préserver une ouverture et une flexibilité dans nos actes et nos pensées.” Moi j’y ai trainé à l’automne 2009, par hasard, suivant les pas d’une amie en stage là-bas. Rien qu’à la liste des stages et cours, on se doute qu'ici se jouent des choses différentes. BDSM & Performance, Yoga and japanese Bondage, Pain Processing, Konzeptuelle Orgie, Touch and Play festival... Depuis 2007 se retrouvent ici danseurs contemporains et performers de la scène SM, public néophyte et chorégraphes internationalement reconnus, adeptes du yoga et amoureux du travestissement, célébrations orgiaques et ateliers d’apprentissage de la douleur. En allemand Schwelle ne signifie t-il pas le “seuil”, la “traverse” ? A sa tête Félix Ruckert, chorégraphe allemand reconnu sur la scène internationale, qui a forgé ses armes à l’école de Pina Bausch, a dansé pour les plus grands. Puis il a voulu créer ses propres pièces et très vite le sexe est entré en jeu. Sa première pièce Cut, créée à Paris en 1992, fait scandale. Depuis, le chorégraphe est allé toujours plus loin dans son approche de la danse et de la douleur. Ces jours-ci (jusqu'au 15 mai) il présente dans son lieu sa toute nouvelle création "Lust und Lügen" - Plaisir et mensonges. Cet hiver j’ai eu l’occasion de m’entretenir avec lui. “La douleur est une expression très rapide, directe, perçue directement par le cerveau. On est dans un moment direct de réflexion qui passe par la peau, le toucher. La pratique du SM c’est cette relation à la présence, qui induit une connexion avec le moment”. Mélanger pratiques BDSM et danse s’est petit à petit imposé à lui. “Le danseur est habitué à faire des choses avec son corps qui ne sont pas confortables, extrêmes. Parfois cela peut faire mal, le danseur est alors capable d’intégrer la chorégraphie en évitant d’endommager son corps. C’est un peu la même correspondance avec le SM qui joue avec la douleur de façon similaire. Les gens qui font du SM ne le font pas pour se faire du mal, c’est une question de dosage entre la simulation intense et l’agréable. On travaille autour de cette idée de douleur bienfaisante.” Dans l’une de ses dernières pièces Die Farm présentée au Schwelle 7 il met en scène trois corps de femmes suspendus à des cordes, soumis à des pincements, des frottements de peau, on constate les impacts, les traces de la douleur. Dasniya Sommer, est l’une d’entre elles. Venue du ballet classique (elle a dansé au Staatsballett de Berlin) et professeur yoga, l’ancienne ballerine a fait du Bondage japonais sa spécialité. Cofondatrice du Scwhelle 7 avec Felix Ruckert, elle explique à quel point la confiance et la maîtrise de soi joue un rôle important. “La confiance des deux côtés est indispensable. Être attaché signifie s’abandonner librement, accepter volontairement de devenir sans défense. Cela peut conduire la personne qui attache à des états divers, entre instincts de protection ou impulsions sadiques. Le but n’est pas d’éviter ces sentiments, mais plutôt de les intégrer dans le jeu.” Evidemment les créations de Félix Ruckert ne sont pas du goût de tous les programmateurs. C’est donc en partie parce que ses pièces ne trouvaient plus preneur dans le circuit traditionnel de la danse qu’il a ouvert le Schwelle 7 en 2007, sans le soutien des institutions, sans subvention.“Politiquement je commençais à m’ennuyer à essayer de vendre un “produit” spectacle sur le marché, et parfois à l’adapter à ce marché. Certains de mes spectacles n’entraient plus dans les salles normales. J’avais besoin d’un lieu propre. J’ai fait le choix de changer ma perspective, de moins voyager et d’inviter des gens chez moi, au Schwelle 7. Cela m’a permis une ouverture sur les autres techniques et pratiques. Dans ce lieu je peux à la fois montrer mon travail, et développer des nouvelles voies, des nouvelles idées”.
Son premier événement le festival X-Plore, était au départ financé par le Sénat de Berlin. Après une première édition en 2004 qui fait les gros titres de la presse à scandale allemande, les subventions sont retirées. Depuis le Schwelle 7 avance seul, sur ses fonds propres. X- plore existe toujours, la prochaine édition aura lieu en juillet. Il réunit chaque année près de 300 participants-spectateurs. A l’image du Schwelle 7, ici le spectateur ne l’est jamais vraiment, ceux qui viennent “voir” savent qu’ils auront aussi à “prendre part” ou du moins entrer dans le jeu. Même règle pour les soirées BDSM, les Play Party, organisées une fois par mois, les soirs de pleine lune. “Je vois ça plus comme des happenings, on fait attention à qui vient. Il y a beaucoup de mises en scènes, tout est un peu préparé. Les gens se créent des personnages, pour que les relations ne s’en tiennent pas aux conventions sociales habituelles. Quand il y a des gens nouveaux, je les avertis à l’entrée, s’ils ont l’air de comprendre l’état d’esprit, je demande à des gens habitués de les adopter pour la soirée. C’est un peu le principe d’une célébration, tout le monde partage pour créer quelque chose, comme une improvisation”. Il est d’ailleurs obligatoire de se déguiser si l’on souhaite participer aux soirées, et des panoplies sont à louer à l’entrée. Aujourd’hui la salle rencontre son public, la programmation est intense, des artistes venus du monde entier viennent y faire des stages, comme le chorégraphe et danseur anglais Julyen Hamilton, un ami de Félix Ruckert qui est revenu pour la troisième année en décembre. A presque 50 ans le chorégraphe a conservé beaucoup d’amis dans la scène de la danse contemporaine, en janvier dernier avant une participation au festival Faits d'Hiver il était à Paris pour un stage avec la chorégraphe octogénaire américaine Anna Halprin. “Le Schwelle 7 touche du monde, des gens différents. Mais la plupart sont des danseurs, même si beaucoup dans le milieu contestent ce lieu. Ceux qui viennent ont une grande ouverture d’esprit, ils ont envie d’expérimenter des émotions et la physicalité des gens du SM.” Pour ces derniers, venir au Schwelle 7 c’est aussi sortir de l’intimité habituelle du jeu SM. “Lors des ateliers, ils sont souvent effrayés par la promiscuité avec d’autres personnes. Ils ne sont pas forcément préparés à se confronter à des partenaires qu’ils ne connaissent pas. Les danseurs ont une distance vis à vis de l’émotion que les personnes venus du SM n’ont pas. Pour eux n’y a pas de distance entre l’action et l’émotion et c’est une force je trouve”. Félix Ruckert se définit “absolument” comme un pionnier de la rencontre entre scène artistique et scène BDSM. Même s’il constate qu’en Allemagne il y a de plus en plus de gens qui partagent leurs pratiques, leurs propres univers. “Ca fait dix ans que le BDSM commence à aller vers un public, il y a de plus en plus de lieux, de bars, de cours”. D’autant plus à Berlin, ville tolérante, déviante par excellence, très ouverte aux sexualités alternatives.En avril l’une de ses pièces les plus connues, Secret Service, était rejouée à Berlin au Schwelle 7 et au Havre. Une pièce où, yeux bandés, les spectateurs s’en remettent au savoir-faire des danseurs dans une communication des corps tactile. Avant la représentation, quelques règles sont énoncées "au niveau 1, vos yeux seront bandés. Mouvement, plaisir des sens et communication" sont les moteurs de ce premier niveau. (...) Vous ne pourrez participer au niveau 2 que si vous avez réussi le précédent. En plus des yeux bandés, vos mains seront attachées. Nous vous demanderons d’enlever le plus de vêtements possible pour permettre un accès optimal à votre peau.(...) Le niveau 2 se concentre sur l’expérimentation de la douleur corporelle et de la soumission.(...) La participation à "Secret Service" est à vos propres risques et périls”. La fréquentation du Schwelle 7 aussi.

Volksbühne - Fuck off America, ce blog lui doit bien ça

2010-05-12T06:46:00.000-07:00

Quatre bonne raisons de parler aujourd'hui de Fuck Off America :
1. ça se joue ce soir à la Volksühne.
2. Ce blog lui doit bien ça, s'abritant depuis ses débuts derrière son nom et la façade provocatrice d'un OST theater, comme une trace nostalgique d'un esprit alternatif berlinois en perdition.
3. Il y a deux ans avec cette pièce je découvrais la Volksbühne, Frank Castorf, ravie de voir qu'on pouvait aller au théâtre sans comprendre un mot de la langue.
4. Au moment où la pièce sortait à Berlin, le magazine XXI se lançait. Dans son premier numéro l'écrivain Emmanuel Carrère traçait un portrait ciselé et littéraire d'Edouard Limonov, l'auteur de Fuck Off America. L'article est à lire ici.
Donc, pour la Volksbühne, même si récemment rénovée et toujours aussi désespérément désertée, et pour fêter un peu la renaissance printanière de Berlin sur Scène, j'ai fouillé dans mes notes de l'époque, griffonnées sur un cahier comme on faisait avant. Je vous les livre ici.
6 mars 2008. Totalement par hasard j'ai lu il y a deux jours le long et très bel article d'Emmanuel Carrère sur Edouard Limonov paru dans le 1er numéro de XXI. Hier encore j'ai ignorais totalement l'existence. Et voilà que ce soir je suis allée voir une pièce tirée de son roman et de son expérience de l'exil new yorkais (pour cause d'expulsion d'URSS au début des années 80). Limonov c'est un parcours de poète maudit, d'écrivain d'avant-garde lors de son exil parisien qui durera dix ans, de révolutionnaire rouge-brun. A son retour en Russie les choses se politisent, il fonde le parti national-bolchéviste, c'est gros bras, argent douteux, pas peur de la bagarre ni de la confrontation à Poutine. Ca finit quand même dans les geôles. Frank Castorf, patron de la Volksbühne, n'aime rien tant que de se frotter aux personnages à la marge, aux politiquement incorrects, aux personnages douteux et poisseux, aux rebuts de la société. Est-ce pour ça qu'il a préféré jeter Goethe aux oubliettes (il devait monter Faust et deux semaines avant les premières représentations fait parvenir à la presse un dossier de presse Fuck off Goethe et annonce son adaptation de Limonov) et s'attaquer à du méchant, braillard, nauséeux? ébauche, exil, frustration, sexe, premiesr écrits, poésie, vie sombre, du pain bénit pour le metteur en scène. C'est ma première fois avec Castorf, je m'attendais aux ris et au trash. Et je n'ai pas été déçue. Théâtre physique, on éructe, on se délecte des mots crus qu'on crache à la figure, pourquoi pas avec nourriture, on mime la fornication, on bouffe, on bafffre, on crache, on crie, on chante. Avec mes trois mots d'allemand je ne comprends rien mais la rage de Limonov passe, le désespoir de l'exil aussi. Le décor tourne encore. La première a eu lieu hier, et aujourd'hui la salle est à moitié vide. Mais les présents, des jeunes surtout, sont très présents. Applaudissements, rires, cris, manifestations d'enthousiasme, j'ai rarement vu un public aussi impliqué. Je suis contente d'être là au milieu d'eux, j'ai l'impression d'être invitée à une fête où je ne connais personne mais où les gens me sont a priori sympathiques. je me dis qu'il est réjouissant de voir ce genre de spectacles volontairement vulgaire, violent, de mauvais goût, sur l'une des scènes culte de Berlin. La bourgeoisie, on lui crache dessus, on se fout des salles pleines, même quand on s'appelle Castorf et qu'on a plus de soixante ans, on s'en fout des p'tits fours et des soirées de première m'as tu vu. On préfère faire hurler un public jeune dans une salle moitié vide.
Depuis mars 2008, je suis souvent revenue à la Volksbühne et n'ai jamais retrouvé cette folie de la première fois. Mais je ne suis jamais allée revoir Castorf. Pollnesh, Meg Stuart, Marthaler, Gotscheff surtout. La salle est souvent dépeuplée à part pour Dimiter Gotscheff. Dimanche soir j'y étais encore pour une création maison avec la chorégraphe Wanda Golonka. On devait être soixante, pas plus, la première avait eu lieu quelques jours auparavant. La Volksbühne a beau avoir ravalé sa façade on sent que les années Castorf - à sa tête depuis 1991 et pas décidé à partir malgré les vague de haine qu'il soulève dans la presse - l'ont marqué. Sur cette belle et large scène arrondie, dans les couloirs marbrés, derrière les vitres, l'heure est au désamour. Et pourtant il n'y a pas si longtemps on criait au génie.
"Dans les trois ans, réputé ou mort" voici la formule légendaire que trouvèrent quelques hommes de théâtre responsables de l'Est de l'Ouest en confiant la direction de la Volksbühne à Frank Castorf en 1991. Depuis 12 ans maintenant, le dernier révolutionnaire de théâtre que la RDA ait produit règne dans cette forteresse à la lisière du quartier artistique au centre de Berlin"... Il est passé de l'excentrique outsider dont le travail était jugé scandaleux, à la position de maitre absolu de toutes les classes. Il a fissuré le mur du jeu traditionnel psycho-réaliste qui était de règle sur les scènes allemandes jusqu'aux années 90. Tous ceux qui arrivèrent après lui ne pouvaient pas faire autrement que de s'orienter à partir de lui... le fait qu'un fils de gérant de quincaillerie devienne directeur de la Volksbühne fut le début d'une réorganisation du paysage théâtral berlinois". Nikolaus Merck dans Alternatives théâtrales.
Aujourd'hui je garde toujours une espèce d'affection pour ce grand bateau à la dérive.

Theatertreffen - Jack Lang, Sekt und Kasimir

2010-05-12T05:16:00.000-07:00

Peut-on vraiment faire confiance à un festival qui s'ouvrirait sur un discours de Jack Lang en allemand dans le texte devant un parterre d'huiles ébahies? Les theatertreffen, ou tt pour les initiés, ont débuté vendredi soir. Le rendez-vous allemand de l'année, l'institution, un peu leur Avignon à eux, à la différence que les tt privilégient les productions germanophones. On s'y repait pendant presque quinze jours d'un pot pourri des dix meilleures pièces de l'année choisies par un jury de critiques et de personnalités du théâtre parmi les 400 productions annuelles. Seul ovni cette année dans ce nec plus ultra du deutsches Theater, le Nature Theater of Oklaoma et ses new yorkais frappés avec leur dernière création Life and Times, en ricain dans le texte, MAIS créée à Vienne donc parmie le top ten de l'année allemande. Voilà pour le vent frais. Et puis quand même Marthaler vient jouer "Riesenbutzbach" dans les hangars de Tempelhof. Et puis aussi le stückemarkt dédié à la jeune création européene. Pour le reste on verra donc des classiques venus d'Hambourg, Vienne, Köln, d'Andreas Kriegenburg à Luk Perceval. Le cœur du festival c'est toujours la un peu snob Haus der Berliner Festspiele qui pour l'occasion a quand même revu la déco du bar et disposé quelques gravillons et caillebotis pour faire plus "cool". Dans ce magnifique bloc de verre posé sous les arbres, mieux vaut être accompagné, de préférence bien habillé, ou du moins avec un style qui se fasse remarquer. Commander un verre de sekt au bar, aller le siroter en fumant une clope devant le brasero so chic du jardin, dire bonjour à ses connaissances, avoir l'air à l'aise, chez soi. Mais la sonnerie retentit. Ah oui, c'est vrai, ce soir c'est théâtre. Le si bourgeois festival a choisi une pièce populaire (volksstück), et qui parle de crise économique et de chaos en plus, pour son ouverture. Les tt convoquent la crise des années 30, Munich et son Oktoberfest avec la pièce de l'auteur hongrois de langue allemande Ödön von Horvath, "Kasimir und Karoline". Pas tout à fait dans la même version que celle montrée - et pas mal huée- l'été dernier à Avignon mais presque. Décor, musique et mise en scène identiques. Mais le texte a changé, revenu à l'allemand d'origine, les acteurs aussi. Après leur petit flop de la cour d'honneur Johan Simons et Paul Koek ont re-monté la pièce avec la troupe du Schauspiel Köln. Samedi soir le public berlinois n'a rien sifflé - ce n'est pas vraiment dans ses habitudes - mais les applaudissements mous suintaient l'ennui au mieux. Pourtant comme une injonction impérieuse ENJOY brillait en lettres scintillantes géantes sur le décor-échafaudage. Structure massive qui porte notre regard aussi haut que la grand roue de la fête où vont et viennent Kasimir et Caroline, amants malheureux, séparés par la vie et les flots de la foule, emportés par la crise économique, incapables d’échapper aux destinées de leur condition, acteurs passifs, dépassés par le cours du monde et de leur propre vie. Et ce décor sur quatre étages nous rappelle aussi que le drame se joue verticalement, par strates sociales hiérarchisées. Kasimir (Markus John) était chauffeur, il vient de se faire licencier. Karoline (Angela Richter) se contente d’être employée, mais a d'autres rêves, d'un monde d'argent et de sécurité auquel elle ne peut renoncer. A moins que quelques bières ne l’emmènent sur d’autres chemins plus légers. Cette Karoline là a une pointe de naïveté, certes elle calcule, plaque son chômeur pour un petit tailleur, et ne résiste pas au grand bourgeois qui a flashé sur son cul mais elle voudrait rêver un peu plus loin, ne pas se laisser engluer par la poisse économique ambiante. Cette fable cruelle, balade amoureuse triste et nostalgique, ne parvient pas à sortir d’une mise à distance qui nous plaque loin d’eux ces personnages, loin de Kasimir - pourtant interprété avec force par Markus John - loin de Frank, et de ses femmes qui vendent leur corps pour quelques marks. Tous semblent perdussur cette scène démesurée, trop grande trop haute, petites vies minuscules affolées et sans direction automatique. Rien ne nous parvient de l’effervescence de la fête. Ces flonflons remplacés par une pop synthétisée de mauvais goût ne rendent pas l’ambiance plus populaire. Le drame de Kasimir et Karoline semble à mille lieux de nous, seule Erna - d’ailleurs largement la plus applaudie des comédiens - nous insuffle un brin d’humanité avec sa démarche empruntée sa vraie-fausse révolte étouffée, et nous assure un final plus intense. Ultimes soubresauts d'humanité dans une production à l'encéphalogramme désespérément plat.

1er mai jusqu'à la nausée

2010-05-05T10:05:00.000-07:00

Fin de manif, 20h, Kreuzberg avant la charge.
Folklore peut-être, moi-même j'étais bien au spectacle un peu, mais pas que, j'ai défilé aussi trop contente de pouvoir arpenter Kotbusser Damm sans voiture, et puis cette vieille manie indécrottable de me dire que le 1er mai, c'est sacré. Pourtant cette année j'ai eu la nausée. Non pas des Kravalle tant annoncées par Bild et consort, mais de la police allemande. Ce jour là j'ai vu des flics protéger des centaines nazis pendant des heures à l'autre bout de la ville, des flics pleins de bonne volonté pour que ces gens là puissent manifester, cracher leur haine, jouer les gros bras, faire peur à coups de drapeaux noirs et de "Nazi alarm" patché sur leurs blousons. Des milliers de flics ont bouclé un quartier, embarqué violemment des contre-manifestants, "déblayé" la route pour que le folklore nazi berlinois puisse se mettre en marche. En fin de journée à Kreuzberg, les mêmes flics en plus musclés, en plus méchants, chargent à la moindre occasion la manif des "gauchistes", des alternatifs, des désobéissants, des pas dans le rang. Des hélicos au-dessus de nos têtes, des camions à perte de vue, des rangées casquées prêtes à l'attaque. A Neukölln où défilent 10 000 alterno-autonomes, mais aussi et surtout des familles, des sympathisants, des militants, des Turcs, des Français, des punks, des ados, des gamins,... ils sont partout sur les balcons, sur les toits, sur les trottoirs, la Polizei fait tourner ses caméras pour nous prendre en flagrant délit de démonstrationnisme aïgu. Comme si déjà ce droit de défilé n'était déjà plus qu'un vieux souvenir nostalgique, une vieille habitude ringarde et mal vue. "Vous manifestez mais nous savons qui vous êtes, vous voilà fichés". Je joue les étonnées mais j'ai toujours vu faire ça sur toutes les manifs allemandes. Sauf... sauf l'après-midi même à Prenzlauer Berg. Là aucun homme en vert pour recenser les 600 nazis déployés sous leur protection, pas une caméra, pas un appareil photo. A croire qu'ils se connaissent déjà trop bien, ou qu'ils leur font moins peur que les encapuchés mal rasés. Nausée vous dis-je.
De dos, militant nazi protégé par les flics venu narguer les contre-manifestants bloqués par les mêmes flics.
Contre-manifestant emmené manu militari par la police. Son délit : bloquer la voie au passage de la manifestation nazie.
Distribution de tracts sous escorte policière. Je tente d'en attraper un mais le p'tit nazillon en chef me rétorque en ricanant que "ce n'est pas pour toi". Les flics me demandent de partir. On se croirait à une private party réservée à des membres triés sur le volet. D'ailleurs au Sbahn tout proche les flics font le tri entre les manifestants nazis qui ont le droit de passer, et les autres qui sont refoulés. Comment? Au faciès, au look, au regard, à la coiffure. Les rasés passent, les chevelus refluent.

Berlinalement vôtre

2010-02-18T14:37:00.000-08:00

C'est un peu morne tout ça! Mais pendant le marathon berlinale c'est sur Berlinale Off que ça se passe.

Meilleurs vœux glacés

2010-01-30T16:05:00.000-08:00

Berlin fait de la résistance enneigée... c'est pas une raison pour s'immobiliser sous les couches de glace. Réapparition spontanée. Berlin sous givre, mais Berlin sur Scènes immer noch...

Beak - le son de Bristol

2009-12-08T05:46:00.000-08:00

Lundi soir, 21h30, premier rang du Magnet, club de l'est berlinois. - Et c'est qui alors le mec de Portishead??? - Celui là au milieu avec sa barbe? - Nannn m'assure Julien qui est mon wikipédia portatif du rock. Nan nan c'est le blond là à gauche à la batterie. - Ah ouais? là ce post-adolescent avec sa gueule boudeuse .... Geoff Barrow himself, tiers de Portishead qui s'est incrusté dans mon salon depuis Third et ses accents à vous filer le bourdon un soir d'hiver à Berlin (comme si y'avait besoin de ça).Basse et guitare rythment des bruits lancinants. Beak est lancé. Un an d'existence à peine, un album trituré en 11 jours en studio, à l'ancienne. Une première tournée entre potes, un concert qui a le goût du spontané et du maitrisé. Une sorte de confédération bristolienne du rock post-pubère entre gens qui ont de la bouteille. A la batterie, Geoff ne lâche rien, tient le rythme sans un break, sans une respiration, avec un acharnement entêtant. De l'autre côté de la scène un mec poupin, genre autiste à bloquer des heures devant une Playstation, fait homme orchestre, triture du synthé comme un dieu, gratouille la guitare, ronronne à la batterie, s'essoufle sur l'anche d'une clarinette avant de bidouiller trois effets. Voilà Matt Williams. Au milieu, pour calmer les montées délirantes, le bassiste Billy Fuller calme le jeu, mène la partie finement. Dans un Magnet plutôt bien rempli pour un lundi, ça écoute attentivement ce truc spontané, sans prétention, tripant. A peine plane t-on un peu trop haut qu'un coup de batterie puissante, un bidouillage sonore nous tire du travers psyché. Ici c'est du trip hop noisy, cadencé, que je n'irai pas jusqu'à qualifier de trip post kraut- d'autres s'en chargent à ma place - Beak est simplement l'un des meilleurs trip post kraut qu'il m'ait été donné d'entendre ces dernières années sic- . Ils ont l'air fatigués les Beak, le week-end a peut-être été trop rude. Pas de rappel, mais les stars rangent tous seuls leur matos, on les trouve plutôt syhmpathiques, pas bégueules. On regrette pas le trajet jusqu'aux confins de l'Est berlinois un lundi soir sous la pluie. Pour ceux qui en savoir plus Beak, George Barrow parle de son projet sur le gonzo site Gonzaï, avant leur concert au nouveau Casino, à Paris. A Berlin, comme d'hab tout ça s'est fait dans le calme, sans grand plan promo, sans surchauffe aux entrées, entre gens civilisés plus tout jeunes. Même pas un sifflet, quand Beak zappe le rappel.

Daniel Kahn - Painted Bird ou la "klezmer alienation"

2009-12-01T02:23:00.000-08:00

Photos (c) Stéphanie Pichon

La musique klezmer berlinoise se porte bien. Schmaltz, Painted Bird, Alan Bern et d'autres se produisent régulièrement ici et là. Des Allemands, des Américains beaucoup. Conversation avec un des rares Américains berlinois germanophile/phone, qui parle même le yiddish. L'accordéoniste Daniel Kahn a créé le groupe Painted Bird à Berlin, un sorte de cabaret klezmer anarchiste. Des punks sans guitare électrique, quoi. Ils jouent ce soir sur la mini-scène du Kaffee Burger, un des endroits incontournables pour les groupes de klezmer berlinois. Et c'est seulement 5 euros.

Pourquoi avoir choisi Berlin? A cause de la musique?
je ne suis pas sûr d'avoir choisi Berlin, d'une certaine manière Berlin m'a choisi. J'ai été invité ici par Alan Berlin en 2004, puis j'ai emménagé en 2005. J'avais déjà un intérêt pour le théâtre allemand, celui de Brecht, que j'étudiais à la fac. en arrivant ici j'étais très excité à l'idée d'être dans sa ville, de pouvoir aller au Berliner Ensemble et étudier l'allemand. J'avais déjà joué dans des groupes, mais jamais aussi klezmer. Je commençais juste à m'intéresser à la musique klezmer.
Est-ce que Berlin est "the place to be" en matière de musique klezmer?
Je pense que c'est un des endroits où il faut être. Il y a dix ans, c'était certainement le centre de ce genre là, et peut-être y revient-on un peu aujourd'hui. Mais il y a toujours New York, Moscou ou Tel Aviv.
Le yiddish, tu l'as appris ici?
oui, je ne m'y suis mis sérieusement qu'en arrivant à berlin, et en apprenant l'allemand. Très vite je me suis mis à apprendre des chansons en yiddish et à ales traduire. J'ai même pris des cours à un moment. C'est une langue difficile à parler vraiment couramment parce qu'on n'a personne avec qui la parler.
Qu'as tu trouvé à Berlin qu'il n'y avait pas aux States?
Ca me déprimait de vivre aux Etats Unis et j'étais très intéressé par cette ville. Je pense en général qu'il y a un plus grand respect de la culture ici qu'ailleurs, dans tous les cas plus qu'en Amérique.
Tu veux dire ici, en Europe?
Oui, en Europe. Mais Berlin spécialement parce qu'elle ne s'est pas encore embourgeoisée ou commercialisée, la vie n'y est pas aussi chère qu'à Paris. Bien sûr, ça commence. Mais il y a encore quelque chose de particulier, c'est une ville qui n'est pas encore sûre d'elle même. Et c'est ça que j'aime. Il y a vraiment une attitude critique vis à vis de l'histoire.
La musique de Painted Birds est très impliquée politiquement, et développe un humour très noir..
The Painted birds a vraiment été créé pour décelopper ce genre d'idées. Je suppose que la politique joue un grand rôle dans ce qu'on fait. mais je pense à retourner à des chansons d'amour. Les chansons d'amour peuvent aussi être politiques.
Il y a un certain goût de la provoc aussi...
Je ne veux pas simplement appuyer sur des boutons pour le plaisir d'appuyer sur des boutons. Je pense qu'il peut y avoir une sorte de provocation constructive. Avec l'option destructif vous blessez les gens et ils se ferment. Heureusement vous pouvez aussi provoquer quelqu'un en lui faisant se poser des questions et en ouvrant le dialogue. Mais des fois vous devez faire les deux. Je ne veux pas que les gens soient ennuyés par ce qu'on fait. Généralement ça passe très bien, une chanson peut emmner très loin.
Le public réagit-il de la même manière en Allemagne ou aux Etats-Unis? Parce que tu traduis beaucoup sur scène, en expliquant le contexte de chaque morceau.
Bien sûr il y a une différence puisqu'il y a ce problème de langue. C'ets pourquoi on chante souvent en 2 ou 3 langues. Et le public comprendra toujours au moins une de trois, et n'en comprendra pas du tout une. En fait c'est vraiment ça qui m'intéresse, comment les gens écoutent une langue qu'ils ne comprennent pas. Aux Etats Unis les gens ne sont pas bons pour ça. Mais quand je joue en Russie ou en Pologne, les gens excellent à comprendre une gestuelle de la chanson, même s'ils ne comprennent pas les mots. En Allemagne, c'est intéressant parce que les gens comprennent à peu près le yiddish, tellement c'est proche de l'allemand. Les liens entre allemand et yiddish sont très étranges. C'est une relation un peu provocante. Le yiddish a beaucoup à voir aussi avec le russe ou le polonais. Et c'est intéressant de voir à quel point ce langage condense toutes les relations compliquées entre les juifs et les autres cultures européennes. C'est une sorte de passe-passe. Mais néanmoins c'est un beau langage, pour les chansons et la littérature. Pour en revenir avec les réactions, je trouve que les publics sont différents mais de la même manière. Les jeunes et vieux qui sont ouverts d'esprit, sont les même à Jérusalem, St Petersbourg, Boston, la Nouvelle Orléans ou Hildeberg. Et les publics plus conservateurs qui ont des attentes et ne veulent pas déroger de ce qu'ils attendent, sont les mêmes partout. Ce n'est pas tellement une question de classe, plutôt d'opinion politique.
Pourquoi ce titre d'album "Partisan and parasites"?
Je ne sais pas. Je pense que c'est un titre qui sonne mais cela a aussi à voir avec, vous savez, les questions de combat contre le pouvoir, que signifie "être un partisan aujourd'hui".
Et cela signifie quoi?
Ca dépend dans quelle langue. En anglais "être partisan", ça veut dire que vous appartenez à un parti politique. C'est différent d'être "un partisan". Nous avons quelques chansons qui parlent des partisans pendant la guerre. En fait, une. C'est vrai qu'en concert on joue le morceau sur les partisans français de Leonard Cohen que j'adore, mais j'essaie de la mêler à des chasons des partisan en yiddish. Et parasites.... J'ai commencé à écrire cette chanson sur les parasites en pensant à ces vieilles chansons politiques sur les parasites capitalistes et aussi en pensant à toute la propagande antisémite. C'est une sorte de pied de nez, un conte jouant sur l'idée d'un mec parasite. Derrière la question : ne sommes nous pas tous un peu parasites? Cette question de la dépendance.
Ecris-tu tous les textes?
Pas tous. Les chansons yiddish en général c'est du vieux yiddish, à part Duma. Les chansons allemandes sont généralement des vieilles chansons. Toutes celles en anglais sont les miennes, même les vieilles parce que je fais tout le travail de traduction moi même. En concert on fait des reprises, Leonard Cohen, Jeff Berner.
Tu as rencontré tous les musiciens ici?
Michael, le bassiste, on se connaissait avant. On s'est rencontré à la nouvelle Orléans en 2002. Le batteur Anpus, on s'est rencontré ici, il vient de Suède. Bert, notre tromboniste, saxophoniste, clarinettiste, on s'est rencontré ici. Sur le disque il y a aussi beaucoup de gens qui jouent souvent avec nous, Wanja Juk, Kolenko habite en Russie mais on les a rencontrés en festival Klez Canada. Paul Gresse vient d'Erfurt. On . Paul Brody aussi et Frank London je le connais des States.
Et le Rotfront, ton autre groupe, c'est pour le fun?
J'adore jouer avec eux. C'est le groupe de Youri Gourji, un des gars de Russian disko, et nous avons un nouveau disque. Ils sont géniaux et on prend beaucoup de plaisir. Pour moi c'est le meilleur genre de pop, quand elle permet de passer outre l'intellect. Dans la scène folk, ou klezmer, il y a toujours ces questions intellectuelles sur l'authenticité, l'héritage. Dans la pop, et c'est aussi un problème, c'est plutôt une sorte de globalisation, une réduction de toutes les différences dans la facilité. Mais c'est ça qui est bon! Cela efface les frontières et c'est vraiment aussi simple que : est ce que c'est fun, estce que ça marche, est-ce que ça groove, est-ce que ça fait danser, est-ce que les gens aiment. Si tout ça est ok, rien d'autre ne compte. Le meilleur exemple c'est les Rolling Stones. En terme de folk, ils ont tout volé et ce dont ils parlent peut poser problème, mais en terme de pop, ça marche, c'est du putain de rock'n roll. Je crois en ça. Je continue à croire au rock'n roll.
C'est ce qui rend votre musique intéressante quand vous êtes sur scène, ça a un rapport avec la folk traditionnelle mais pas si sérieuse ou académique, il y a une touche très personnelle.
C'est sérieux et pas sérieux. Nous ne sommes pas un groupe klezmer traditionnel. J'adore jouer avec des groupes traditionnels, je trouve la musique très belle. Certains sont très protecteurs et précieux avec cette musique moi je pense que tu peux la mélanger sans qu'elle soit atteinte. C'est quelque chose que j'ai appris du théâtre. Shakespeare supporte de mauvaises interprétations. Vous pouvez jouer Hamlet mise en scène dans un asile psychiatrique ou sur la planète Mars. Ca ne va pas faire de mal à Shakespeare, ça ne va pas porter atteinte à la pièce, vous vous faites juste du mal à vous. Donc avec la musique Klezmer j'ai pas de réflexe protecteur, et je la mixe avec d'autres influences en essayant de le faire respectueusement et intelligemment. Une grande influence pour moi c'est les Pogues. Et je pense qu'en faisant ce disque j'avais envie de faire un disque Pogues. Ils étaient capables de jouer la musique traditionnelle irlandaise avec une attitude totalement punk. Mais ce qu'ils jouent c'est de la musique irlandaise. Ils jouent de vieux morceaux, ils font des reprises, et puis ces morceaux incroyables de Shane Mc Gowan écrites dans la tradition irlandaise mais avec une interpétation contemporaine. Ils ont été une grande influence pour moi. C'est un alcoolique sérieux, qui n'en a rien à foutre de sa personne. J'ai entendu des tas d'histoire sur lui qui ne venait pas sur scène parce qu'il avait trouvé un bar juste à côté, ils l'ont finalement apporté sur scène et il s'est évanoui après deux morceaux et il a fini à l'hôpital. Je n'ai pas envie de finir comme lui, mais putain ce mec écrit encore de sacrés bonnes chansons.
Comment travaillez-vous avec le label Oriente?
C'est un petit label qui s'occupe pas mal de musique klezmer et de tango. C'est dur de trouver un label pour ce genre de musique, très dur. On cherche un distributeur pour l'amérique du nord, on a encore besoin d'une meilleure distribution en France. Mais Oriente ce sont des gens bien qui ont de super goûts et qui nous soutiennent vraiment. C'est pas facile à vendre comme musique parce qu'elle n'est pas facile à décrire. On a essayé en trois mots, on le décrit comme du yiddish punk cabaret, ou klezmer aliénation ou... Mais il n'y a pas de catégorie dans les bacs des magasins de disque pour ça, et la section klezmer n'est sûrement pas la bonne. On est assez stigmatisé quand on joue du klezmer. Je viens de lire un article dans un journal juif anglais. Ca s'appelait : "Eteint le klezmer, allume les Ramones". Et il disait que la vraie musique juive est contemporaine, urbaine, cosmopolite, cynique, sarcastique, avec un accent américain, comme Steely Dan, Leonard Cohen , Bob Dylan et les Ramones, dont j'imagine que la moitié son juifs. Mais vraiment il n'a rien compris, ni au klezmer ni au punk. C'est peut-être vrai que tous les groupes qu'ils citent sont la vraie musique juive, ils ont tous été de grandes sources d'influence pour moi mais ce qu'il ne comprend pas c'est comment tout ça est lié à la musique klezmer. Il n'y a rien de contemporain avec les Ramones, c'était il y a trente ans, et je les aime toujours. Les gens ont des préjugés contre le klezmer, ça les met mal à l'aise, ils pensent que c'est kitsch, faussement enraciné, reconstruit, mais ils ne saisissent pas vraiment son essence. C'est une musique marginale, une scène minuscule et il y a toutes sortes de raisons au fait que les gens ne comprennent pas le yiddish, ne le parlent pas, et ne savent pas comment écouter du klezmer mais je pense juste qu'aucune n'est une bonne. On peut entendre cette musique même sans savoir que c'est du klezmer, et c'est ce qui se passe avec beaucoup de gens. Et c'est du punk aussi. Les Fugs dans les années 60, qui étaient une sorte de groupe punk avaient un morceau qui s'appelait "nothing" : monday nothing, tuesday nothing.... C'est une des meilleurs chansons punk. ET c'est un morceau populaire yiddish. En fait ça s'appelait "bulbes" et c'était une chanson sur les patates. c'était Turi Kopfergerg, c'était des juifs, des anarchistes juifs. Louis Amstrong disait à propos de la musique populaire "tout est musique populaire parce que personne n'a jamais entendu un cheval chanteur". C'est pareil pour la catégorie world music, qu'est ce qui n'est pas world music, je n'aime pas cette catégorie.
Comment vit-on en tant que juif en Allemagne aujourd'hui?
Je suis très conscient d'être juif ici, mais je ne dirai pas que je vis ici en tant que juif. Je ne suis pas religieux, je joue de la musique juive, mais la plupart des gens avec qui je joue ne sont pas juifs et je ne joue pas non en plus en tant que juif. Mais être juif en Allemagne aujourd'hui, c'est mieux qu'être juif en Allemagne.... enfin tu sais, en d'autres temps. Ici t'en viens toujours à penser à ce qui s'est passé peut-être plus que n'importe où ailleurs, mais les Allemands aussi y pensent. Beaucoup de gens en ont marre d'ailleurs. Je comprends ça assez bien. J'ai été élevé avec une éduction de l'héroïsme de l'holocauste, et les Allemands aussi. Nous partageons ça. Et c'est bien de ne pas avoir à y penser en permanence. D'une autre côté c'est important de se souvenir, de se poser des questions sur cette histoire. Mais nous ne nous posons pas toujours les bonnes. Aux Etats-Unis, les juifs me demandent la même chose "Comment peux-tu vivre à Berlin".

Symphonie post-industrielle sous la nef du Berghain

2009-11-30T05:24:00.000-08:00

(c) Photo Dälek
Berlin n'arrête jamais, pas même le dimanche soir à l'heure où on aurait envie de se coucher, pas même dans ses temples de la nuit où zonent encore quelques ombres n'ayant pas fermé l'œil depuis 24h. Le Berghain trône au milieu de sa zone industrielle. Pour une fois pas de queue, même si les taxis sont là, en ligne. Le club le plus couru et le plus underground de Berlin invite à son salon électronique. Ce soir l'ex percusionniste/performer des Einstürzende Neubauten, FM Einheit, vient taper du tuyau avec Hans Joachim Irmler aux machines. Le rock noir et industriel des années 80 a laissé place à la musique électronique expérimentale, improvisée, planante et bruyante. FM Einheit martèle toujours le métal avec outils et perceuses, l'heure est toujours à la noirceur, mais le set a viré vieux virtuose de la machine. Les morceaux durent longtemps, installent une ambiance, la musique n'est pas que bruit défouloir ou énergie dévastatrice, elle est lisible, claire, puissante. Ca vous remue les tripes, ça vous remonte par les pieds. Mais ce n'est qu'un avant-goût, une première partie, une mise en bouche. En haut de l'affiche de cette soirée c'est Dälek les rappeurs new yorkais qui balancent autant de son à deux que trois marteaux-piqueurs réunis. C'est frontal, bruyant, violent le flow n'est pas extraordinaire mais l'important c'est l'expérience opressante, une bande son de sensations qui pousse le hip hop au rang de musique expérimentale, poisseuse et sombre. On n'est plus très loin de la désespérance bruitiste des Neubauten. On comprend l'équilibre de la programmation. On a juste mal aux oreilles de tant d'épuisement sonore. Mais que c'était bon.

Nir de Volff "Je suis un créateur instable"

2009-11-27T01:08:00.000-08:00

On avait quitté Nir de Volff à la nouvelle Synagogue de Berlin avec Action, une histoire de Dieu qui voulait faire du cinéma. Avec Matkot le chorégraphe israélien de la Cie Total Brutal, installé depuis 6 ans à Berlin, nous emmène cette fois à la plage en plein hiver. Première ce soir au Dock 11. Cela pourrait être celle de Tel Aviv, bruyante et bondée, cela pourrait être celle de Wannsee, calme et désertée, cela pourrait aussi bien être en Corée. "La plage renvoie à des situations que nous connaissons tous” explique t-il : l’érotisme de la proximité, l’agacement des bruits, les regards en dessous, les bikinis et les pique niques mayo, le bruit des fonds des balles de beach volley (Matkot signifie beach ball en hébreu). Quand ce petit théâtre du quotidien rencontre l’imaginaire débridé et sarcastique de la bande de Total Brutal, cela ne peut qu'échauffer les esprits. On ne dévoile pas tout mais il y aura des boites de thon parlantes, des profs d’aérobic contorsionnistes, mais pas de naturistes.... J'ai rencontré Nir de Volff en octobre. A Berlin il faisait déjà à peine quelques degrés. Le chorégraphe israélien est arrivé en retard, en petit pull, grelottant. Il revenait d'une résidence à Tel Aviv et n'avait toujours pas digéré le décalage climatique...
Un spectacle sur la plage, c’est pour éloigner l’hiver berlinois?
J’ai grandi à Tel Aviv où les hivers durent huit mois et où il fait au pire entre 18 et 25 degrés, ici, en Europe, particulièrement à Berlin, je dois affronter des hivers longs et froids. Ce n’est pas pour rien que je créé cette pièce en décembre. Au milieu de l’hiver berlinois ce sera comme un morceau de paix et de chaleur pour le public, un peu comme aller au sauna, une sorte de soulagement. Moi-même je ne me fais toujours pas à l’idée de l’hiver berlinois. Je crois que la seule chose qui me fera battre en retraite un jour, c’est la neige, comme les Allemands sur le front russe!!!

Pourquoi ce titre Matkot, qui signifie “beach ball en hébreu?
Au début cela démarre par une plage calme, avec un cocotier, puis on arrive à la réalité : une plage pleine de gens qui font du bruit, écoutent chacun la radio, mangent, chacun vit sa vie. Les jeux de plage créent une sorte de bruit de fond. Depuis quelques années, le Maktot est presque devenu un sport national. Quand on est sur la plage à Tel Aviv, on entend toujours ça en bruit de fond, c’est vraiment dérangeant.

Est-il question des plages allemandes aussi?
Oui, nous sommes aussi allés à Wannsee, où tout était très calme, très différent de Tel Aviv. Moi par exemple, je n’irai jamais me baigner dans cette eau verte et stagnante. Il me faut de l’eau chaude, qui bouge! Il y a plein de cultures de plages différentes, Chuk, qui a travaillé avec moi sur la création, vient de Corée, et elle dit que c’est encore plus fou qu’à Tel Aviv là-bas.

ET des FKK (naturistes, ndlr) il y en aura?
Non je ne crois pas que ce soit nécessaire. Je n’ai pas de problème avec la nudité, mais ça me gêne un peu cette manière de parquer les gens, les tout nus à part, cela me fait penser à des vaches qu’on rassemble. Je ne me sens pas à l’aise au milieu de tous ces gens à poil.

Vos pièces sont toujours à la frontière de plusieurs arts. Les définiriez vous comme de la danse, de la danse-théâtre (Tanztheater) ou de la performance?
Je ne suis pas un créateur stable. Là je reviens d’une création pour l’opéra de Francfort où j’ai travaillé avec David Lehmann, c’était de la pure chorégraphie. Action, que nous avons joué dans la nouvelle synagogue de Berlin c’était du théâtre et de la performance. Matkot se situe plus entre la danse et la performance. C’est une pièce avec beaucoup de danseurs, de gens inexpérimentés, d’invités surprises. Cela ne traitera pas seulement de la plage, mais aussi de la sensualité d’avoir quelqu’un à côté de soi si près et comment ce la réveille la partie érotique de votre cerveau. Il sera beaucoup question de l’interaction entre les gens, cela reflète ce besoin de contact, souvent quand on va à la plage seul on regarde beaucoup les autres. Vous êtes là et vous pensez à plein d ‘autres choses, pas seulement au soleil et à la baignade. Comment vous êtes touchés par exemple, maintenant on vous propose des massages pour 5 euros qui font plus de mal que de bien ou des cours de méditation. C’est vraiment à propos de tout ça. Cette superficialité.
Long silence...
En fait, je suis très influencé par l’image et le cinéma. Ce que j’aime c’est cette capacité de manier cet art visuel que la danse ne permet pas. Au cinéma il est possible de montrer en même temps deux situations, la réalité et la fiction, le fantasme. Il y a aussi cette capacité à basculer d’une émotion à l’autre en moins d’une seconde que la danse ne permet pas. Sur scène c’est beaucoup plus délicat, on tombe très vite dans le pathétique. Action par exemple racontait la création d’un film tourné dans une synagogue avec Dieu pour scénariste. On a commencé en bas, et on a fini au 3e étage, un peu plus près du ciel, et de Dieu. Il y avait une ligne narrative mais l’idée n’était pas de conduire le spectateur du point A au point Z en utilisant toutes les lettres dans l’ordre, c’était au spectateur de reconstruire lui-même l’histoire.

Comment avez-vous réussi à jouer dans la nouvelle synagogue?
J’ai été très chanceux, c’était la première fois que la synagogue de Berlin s’ouvrait à un spectacle. J’ai insisté longtemps avant d’avoir un rendez-vous avec eux, et puis quand ça s’est fait, ils ont trouvé que c’était la bonne compagnie, au bon moment, dans le bon lieu. Ca a été un grand succès, on a été plein tous les soirs. Cela a été reçu différemment par la critique locale allemande notamment, qui n’a pas trouvé que c’était la bonne pièce dans le bon endroit. Ils jugeaient que cette pièce n’avait rien à voir avec l’histoire du lieu, avec ce passé chargé entre Juifs et Allemands. C’est typiquement allemand de penser comme ça. Mais beaucoup de gens au contraire étaient soulagés que ma pièce ne parle pas de ça.

Vous vivez à Berlin depuis 2003, qu’est-ce qui vous fait rester ici?
L’argent (rires), non....

Ah bon? Mais pourtant Berlin a la réputation d’être pauvre...
Oui mais ça amène les gens à travailler beaucoup. C’est très différent de ce que j’ai pu vivre en Belgique ou en Hollande, où il y a un système pour les artistes, pour les danseurs. Là-bas ils n’ont pas besoin de travailler autant, et cela change le rapport à la création. Ici c’est beaucoup plus dur, tu te lèves le matin en te disant que tu dois survivre.

Vous ne travaillez plus en tant que danseur?
Quand je suis arrivé il y a cinq ans, je faisait partie des Dorky Park de Constanza Macras, j’ai vraiment aimé ça, et j’aimerais vraiment faire encore des choses avec eux mais je n’ai plus le temps pour ça, ni pour danser pour d’autres. En tant que danseur j’avais l’impression d’avoir atteint ce que j’avais à faire, j’en suis arrivé au point où ce que j’ai envie de faire c’est être chorégraphe.

Berlin est-elle une sorte de paradis pour la danse contemporaine?
Je la vois plutôt comme une île artistique dans le monde. Je ne dirai pas que cela concerne seulement la danse. Je suis un peu comme ces acteurs qui n’aiment pas le théâtre, ou ces réalisateurs qui ne vont jamais au cinéma, je m’intéresse peu à la scène de la danse berlinoise. Mais je suis porté par tous les autres courants artistiques, que ce soit les expositions à la Neue National Galerie ou au Martin Gropius Bau, ou le travail des illustrateurs que je suis particulièrement ici. Tout cela est source d’inspiration. Je me sens vraiment ici dans la ville où je dois être. Avant j’avais passé trois ans à Amsterdam, j’étais soutenu financièrement mais ce n’était pas l’endroit où je voulais vivre.

Quels sont vos rapports avec le Dock 11 où sont jouées presque toutes vos pièces?
Ils m’ont toujours soutenu, ils croient vraiment en moi, ils m’ont permis de me lancer dans mes projets, de développer mon art, et de le mûrir. Mais je peux aussi passer du Dock 11 à l’opéra de Francfort. En 2010 je suis invité à Bangkok, également à la Raffinerie de Bruxelles.

Et la France?
J’ai joué récemment à Bordeaux, dans le cadre des Grandes Traversées, c’était vraiment bien. J’avais peur que les langues étrangères soient un problème pour le public français mais maintenant avec les surtitres, ça passe partout.

Matkot, de Nir de Volff/TOTAL BRUTAL, Première ce soir, 20h30, Dock 11, jusqu'au 30 novembre, puis du 4 au 6 décembre. 8-13 euros.
3 Some une de ses premières pièces, grand succès berlinois, rejoue également du 4 au 6 février au Dock 11..

Nature Theater of Oklahoma - Cosmique comics

2009-11-26T09:25:00.000-08:00

Beau? Non... Touchant? Non plus... Virtuose? Profond? Magique? Soigné? Non, non, non. "No dice" n'est rien de tout ça. NO DICE est tout simplement BARGEOT. Une éloge de la folie douce, du conte cosmique comics, allons enfants de la Grosse Pomme le jour de foire est arrivé. La moustache du cowboy irlandais se décolle, les bouclettes du pirate juif orthodoxe s'accrochent aux lunettes, la bretelle de la rousse en bas résilles s'affole. J'ai l'impression de plonger dans une BD de Crumb ou dans un épisode des Freak Brothers... Les mimiques à contre-temps les yeux grands ouverts, les costumes outranciers fabriqués dans un grenier de grand-mère. Devant moi, dans le public, une belle américaine de 75 ans s'étouffe de rire. Pleins feux sur la scène et dans le public, du néon cru, pas d'entourloupes, le théâtre de bric et de broc n'a besoin que d'un pauvre bout de velours vert pour faire figure de représentation.
A l'entrée on s'est enfilé du soda ricain et des sandwichs au beurre de cacahuète. Cela excite-t-il les Européens gavés de Culture que nous sommes de se pencher sur la troupe du Nature Theater of Oklahoma et en se demandant si c'est ça, la nouvelle sensation new yorkaise performative? Comment le décrire, comment le raccrocher au wagon de ce que nos artistes nous donnent à voir. IMPOSSIBLE. Certes leur nom vient de Kafka, alors oui, allons-y pour le décryptage absurde de notre quotidien. Mais leur culture est autre, plus underground, vraiment, l'art se pratique aux heures perdues, quand le fric est rentré dans les poches, qu'on a payé le loyer, le shit et la picole.
Pas de fausse branlette esthétique, on oublie les jeux de lumière soignés, les décors qui coulissent ou s'envolent, les scénographes, décorateurs, costumiers, petites mains. Ici le patron de la troupe vous tartine de la moutarde-mayo sur votre pain en guise d'intro et vous incite à aller acheter ses T-Shirts. Donc une fois le sandwich avalé, nous voilà quelques uns, une centaine, à savoir qu'on en a pour quatre heures en anglais non sous-titré, pas sûr de savoir à quelle sauce on sera mangé, à moins que le choix peanut butter/gely OU mayo/moutarde soit un avant-goût. La scène est recouverte d'une moquette neutre, un peu moche, au fond des murs blancs genre temporaires, nous sommes dans un bureau open space tout ce qu'il y a de standardisé, dans un coin une plante maigrichonne se meurt et l'horloge décompte les minutes des pauvres spectateurs que nous sommes - enfermés là pour quatre heures.
C'est parti, les cinq acteurs prennent à bras le corps un texte soufflé dans les oreillettes, des conversations banales, qui à force d'être triturées, remaniées, dites et redites, échangées, forment une matière à histoires, celles de nos vies, de la leur, d'une épopée moderne dans la jungle de villes vampirisantes. La pièce avance par la seule force de la parole et des gestes, les corps des acteurs sont le moteur. La matière théâtrale se façonne sous nos yeux, dans un long processus de fabrication. Les corps sont mis à rude épreuve, pas nus non, ni badigeonnés de beurre de cacahuète susmentionné, ni peinturlurés, non simplement tendus par le jeu, la volonté de créer là, ici ce soir, une histoire, de rester connecter aux autres acteurs, de maintenir le flot, de tenir le regard des spectateurs, de satisfaire leur envie d'être étonnés, surpris, conquis.. "Amuse-moi" crie l'un d'entre eux, "Raconte-moi une histoire" supplie l'autre... Il n'est question que de ça dans ce théâtre là, des histoires qu'on se raconte, pour s'amuser, pour se distraire, pour s'évader pour échapper à la réalité. Ou comment la banalité de leurs conversations prises bout à bout peuvent mener à la poésie, une sorte de transcendance cosmique, un échappatoire joyeux. Le Nature Theater Oklaoma a construit sa réputation sur ce jeu du réel. Cette fois-ci No Dice repose sur le matériau brut de plus de cent heures de conversations téléphoniques enregistrées. Discours anecdotiques et pourtant essentiels sur ce que c'est d'être artiste à New York au début du 21e siècle, l'incontournable course à l'argent, aux petits boulots, les envies de gloire ou pas. Par un effet baguette magique du NTO, cette frénésie du quotidien se traduit dans une transe corporelle. Le grand dur en chapeau de cow boy qui trie des dossiers par milliers avant d'aller donner sa voix à une pub quelconque répète avec puissance des gestes taylorisés. Chacun a son langage corporel, des petites phrases qu'il ponctue d'un zigzag du bras, ou d'une torsion du torse. Et puis il y a ces observateurs, pas seulement dans le public, mais aussi sur scène. Un homme habillé en batman avec oreilles de Mickey dont la seule présence muette offre un contrepoint aux logorrhées de ses camarades qui échangent sur Mel Gibson dans Hamlet ou l'assurance maladie. La pop Culture d'une Amérique méprisée et pourtant jalousée nous arrive dans les oreilles. Ca dure quatre heures avec une pause, ça joue avec nos nerfs et nos rires, on nous promet encore mieux après les deux premières heures, on voudrait y croire, on n'est pas nombreux à rester, à peine un tiers, mais cela renforce ce sentiment de faire partie de ce qui se joue là maintenant ce soir. On a fait l'effort, ils le savent. Pourtant la deuxième partie s'annonce laborieuse, les mêmes conversations nous reviennent par d'autres bouches, l'oreillette souffle le texte qui s'éparpille, trébuche, rebondit. Jusqu'à quand raconter CETTE histoire, "ne plus quitter la scène pour ne pas mourir" lance l'un d'entre eux. Pourtant il faut bien partir, les moustaches tombent, les perruques aussi, on se retrouve face à eux, fatigués, renonçant à maintenir encore l'illusion de théâtre, ils n'ont plus alors qu'à venir s'asseoir contre nous, tous près, et nous susurrer les mêmes histoires en tête à tête, à voix douce. Il y a eux, il y a nous, nous sommes réunis, nous avons vécu une histoire, une aventure ensemble. Ils sont beaux et freaks à la fois, ils nous ont entourloupé. On ne pense plus aux quatre heures, ils ont parcouru ce chemin jusqu'à nous. Nous avons répondu en revenant jusqu'à eux.
No Dice joue encore ce soir et demain à la Hau 3, à 19h. Si l'anglais ne vous rebute pas (pas de sous-titre, impro oblige), courez-y!!!

Reprise de souffle

2009-11-25T15:00:00.000-08:00

Et je n'ai plus suivi le rythme... Parfois d'autres choses arrivent, prennent le dessus

des voyages - Prague, Hambourg -
des amis,
du travail
une envie de dé-connecter
J'ai donc vu, entendu, rencontré beaucoup ces dernières semaines sans avoir le réflexe d'aller le partager ici. Reprise de souffle cybernétique, période de jeûne médiatique, mais qui nécessitera quelques retours, notamment sur ce très beau Tanzkongress de Hambourg qui a offert un temps de parole précieux à la danse contemporaine.
Pour revenir à l'agenda berlinois, lundi soir, j'ai manqué la première du Mariage de Maria Braun, la nouvelle création d'Ostermeier à la Schaubühne mais ça se rattrapera fin décembre.
Pour faire vite, il faut aller faire un tour à la Hau cette semaine, pour plusieurs raisons:
1. le Nature Theater of Oklaoma y fait une visite. Ce soir je vais y voir No Dice (Hau 3), 3h30 de spectacle dont je n'ai pas trop voulu décrypter le contenu. Pour la surprise.
2. jusqu'à samedi et dès ce soir, Jeremy Wade à la Hau 2.
3. Toujours à la Hau la semaine prochaine Photo Romance et Lola Arias.
Je serai aussi demain soir à la Volksbühne pour Meg Stuart et son "Do Animal cry". A noter dans les agendas encore la nouvelle création Matkot de TOTAL BRUTAL et Nir de Volff, dès vendredi au Dock 11, on y reviendra sur ce site avec une longue interview de l'intéressé.

Hambourg - Tanzkongress 09

2009-11-04T13:52:00.000-08:00

Photo (c) Chris Vanderburght - Alain Platel - Out of Context

Demain, très tôt je pars pour Hambourg quatre jours. Dans cette ville portuaire que j'adore se tient le Tanzkongress 09, sorte d'anti-festival de la danse où pendant quatre jours priorité est donnée à la réflexion, les échanges, les questionnements plutôt qu'au spectacle. Une sorte de grand messe fréquentée en grande partie par les professionnels, danseurs, chercheurs, enseignants, chorégraphes, programmateurs, instutionnels. Quelques personnalités seront là pour présenter des pièces ou des ébauches : Jérôme Bel et Lutz Förster, mais aussi Alain Platel, Fabian Barba ou Richard Siegal. J'accompagne Agnès Benoit-Nader et sa librairie de danse ambulante Books on the move et je compte bien aller me saouler d'interventions et de discussions. Comme je ne sais pas vraiment à quoi m'attendre je préfère laisser parler les organisateurs. "Sous le mot d'ordre "Pas un pas sans mouvement" le festival se penchera sur la danse en tant que force publique effective douée de la capacité de façonner la société et de faire l'histoire. Dans ce contexte le programme se concentrera sur les thématiques suivantes : Comment les conditions de production, les modes de subventions et les stratégies de distribution peuvent-ils s'améliorer? Comment la danse peut-elle être mieux prise en compte par les canons de l'éduction et de la recherche? Comment transmet-on aujourd'hui l'histoire de la danse et à quoi ressembleront ses archives dans le futur? Basés sur des exemples concrets, des méthodes de travail novatrices en chorégraphie et dans l'enseignemen seront présentées et il sera discuté de l'influence du mouvement dans l'espace public et les espaces interculturels." C'est du 5 au 8 novembre, au Kampnagel, à Hambourg.

Prix Goncourt - Marie Ndiaye la Berlinoise

2009-11-02T04:33:00.000-08:00

Photos (c) Stéphanie Pichon

Marie Ndiaye a reçu le prix Goncourt 2009 pour "Trois femmes puissantes". Je viens d'entendre sa voix si particulière, si douce, sur France Inter. En soi, je me fous bien de ce prix, mais je suis heureuse qu'il couronne ce livre, magnifique, douloureux, et cette écriture si dénuée de fioritures et de manières. "Je vis ce prix comme la récompense de 25 ans de métier" a t-elle commenté, calmement, posément, sans fausse modestie, sans euphorie non plus. Marie Ndiaye me fait un peu penser à Herta Müller, la prix nobel de littérature 2009, elle aussi berlinoise, qui réagissait de manière très distante vis à vis de la grande excitation médiatique. “Je suis la personne que je suis et avec ce prix je ne vais devenir ni meilleure ni pire. Ce prix, ce sont mes livres, mais ce n’est pas moi. Cela reste quelque chose d’extérieur, ma chose intérieure c’est l’écriture, cela seulement m’équilibre.” Marie Ndiaye travaille à une œuvre depuis qu'elle a 17 ans. Elle possède cette assurance de ceux qui n'ont pas besoin de la reconnaissance, sûre d'elle même mais pas fanfaronne. Il y a quelques semaines je l'ai rencontrée dans son appartement de Berlin Ouest pour un entretien croisé avec son compagnon, Jean-Yves Cendrey dont le roman Honecker 21 venait aussi de sortir. Depuis deux ans le couple d’écrivains et leurs trois enfants ont (re)posé leurs valises dans la capitale allemande. Lui aime les digressions, les images littériaires, les phrases à tiroir, se laisse déborder par ses mots. Un généreux. Elle s'exprime à l'économie, avec précision, sans jamais se laisser emporter par le flot. Pendant presque trois heures, très loin du tumulte éditorial parisien, nous avons parlé d'écriture, d'histoire, de Berlin, d'architecture, de cuisines intégrées, et de la langue allemande.

Vous aviez tous les deux déjà vécu à Berlin en 1992-1993, dans la foulée Jean-Yves Cendrey, vous aviez écrit "Oublier Berlin". Que fallait-il oublier à l'époque, et pourquoi être revenus aujourd'hui?
Jean-Yves Cendrey : Avant la chute du mur on venait régulièrement et on aimait beaucoup cet endroit, son étrangeté. C'était la seule grande île au centre de l'Europe. Et quand on y venait par le train, je me souviens parfaitement comment le train ralentissait puis se plissait entre deux pans de mur. Et puis les Vopos montaient avec des chiens, démontaient les toilettes, les plaques, ils faisaient flairer un peu dans tous les coins. Dans ces trains il y avait cette ambiance Mittleuropa très étrange avec des petits napperons, des dames un peu girondes avec des tabliers blancs. Puis d'un seul coup, dans Berlin Ouest, c'était vraiment autre chose. On ne comprenait pas bien où on était. Après la chute du mur, on est revenus assez gaillards et contents. Il y avait une familiarité avec les choses. Nous sommes arrivés dans des conditions dantesques, avec du verglas, de la flotte, et on s'est échoués dans une ville qui était lugubre, à l'humeur maussade. Récemment dans le Monde 2 Wim Wenders évoque Berlin, et il dit "1993 tout le monde était de mauvaise humeur". Et c'est vraiment ça. A l'époque c'était franchement agressif. Et moi ce qui m'a fâché violemment c'est le sort que Berlin faisait à ma femme métisse, lui interdisant de vastes quartiers de la ville, notamment à l'est, et nos amis qui réagissaient peu. Marie était enceinte, plus vulnérable encore.
Marie Ndiaye : A l'époque c'était très rigide. Quand on ne comprenait pas vite, les gens étaient très impatients, maintenant je trouve que c'est plus calme, bienveillant.
JYC : On pouvait entendre Franzosen Raus. A l'époque en France c'était la montée du Front national, nous on était un peu partis pour ça. Et on arrive là... Dans "Oublier Berlin", j'ai pris Berlin comme une vieille amie qui tourne mal et avec laquelle je me suis véritablement fâchée. Pour essayer d'adoucir les choses, je tenais un journal avec les yeux de ma fille d'un an et demi. Mais le jour où une jeune Africaine enceinte, comme l'était Marie à l'époque, a été massacrée à coups de pied dans le ventre par une bande de skins je crois que c'était à Erfurt, là on a décidé de plier, extrêmement déçus.

Il y avait des choses qui vous attiraient aussi quand même dans cette ville malgré tout ça?
MN : Oui, et c'est ce qui fait que finalement on y revient, l'attitude très tranquille, très détendue vis à vis du travail, des contraintes, tout cet aspect là qui était là déjà, et plus encore même que maintenant.

Qu'est ce qui vous a décidé à revenir?
MN : Ca faisait un moment qu'on avait envie de s'en aller. Et on avait plus du tout envie d'être en France, on s'est souvenu de Berlin, j'y avais fait un saut il y a un peu plus de deux ans et ça m'avait plu, je m'étais dit peut-être que notre histoire avec Berlin n'est pas finie. On a senti qu'il y avait quelque chose à refaire avec Berlin et qu'il y avait des chances pour que ça se passe mieux cette fois ci. Et c'est le cas absolument. On est là depuis deux ans et on n'a pas du tout envie de rentrer.
JY : Si on tire la métaphore, la vieille amie malpropre et grincheuse, au sens moral du terme, s'est refait la façade et pas qu'un peu. Elle est redevenue pour nous l'aimable personne qu'on connaissait. Beaucoup de gens qui vivent là vivent sur un rythme idéal qu'on ne trouve pas dans d'autres villes européennes. On a vécu deux ans à Rome. Là-bas c'est facile, on flotte. Berlin est une ville beaucoup plus physique. Je ne comprends pas du tout les gens qui viennent quatre cinq jours à Berlin et qui disent "je suis tombé amoureux de Berlin". Je trouve que ça n'est pas du tout une ville aimable au sens premier du terme mais elle le devient. Berlin n'a pas un décor. C'est une ville extrêmement plate, avec des perspectives cinématographiquement géniale, avec une puissance de lignes et de tracés. Moi j'adore ça mais par exemple je déteste cette île aux musées, je trouve incroyable de prétention.

Honecker 21 se lit comme une balade moderne dans Berlin ouest, de la Teuffelsberg au Landwehr Kanal. Mais le héros bute en permanence sur l’histoire, comme si la géographie de la ville ne se lisait qu'à travers les siècles.. Est-ce comme ça que vous percevez Berlin?
JYC : Récemment nous sommes tombés sur le Gleis 17 de la station de Grunewald. Nous on ignorait qu'il y avait ça. L'endroit est plutôt sympathique, bourgeois, vaguement ennuyeux, les jolies maisons avec des parcs entretenus à l'extrême. Et puis là, la gentille petite station de Grunewald. Et tout à coup Gleis 17, sans autre indication, on bute sur l'histoire, on est sur le quai le nombre des morts s'aligne. Et il y a des trains qui passent, la ville contemporaine est là. C'est une ville qui oblige à penser mais qui n'est pas nostalgique, elle a été tellement détruite qu'elle est obligée d'aller de l'avant alors qu'il y a des villes qui ne jugent que par le passé et au bout d'un moment ça en devient précieux. A Berlin on fait encore ce que l'on veut.

Pourquoi avoir choisi Honecker, un nom si chargé d'histoire ici, pour le personnage principal de votre roman?
JYC : Je voulais un personnage le plus ordinaire possible. Mon personnage n'avait encore qu'une lettre comme nom, ce n'était pas décidé. Et puis en allant au supermarché j'ai vu sur le revers de la veste d'une caissière le nom "Honecker" et je me suis dit, voilà, ce nom qui avait auparavant une signification forte, peut maintenant être dissous dans la vie ordinaire. Quant au 21, c'est aussi pour ces vingt et un chapitres moins uns, celui qui renferme le mystère du personnage.

Sans vouloir tisser des liens artificiels entre vos deux romans, tous les personnages y sont très seuls, leur combat est intérieur. Honecker en souffre, les personnages de Trois femmes puissantes y puisent plutôt une force. Est-ce que vous vouliez explorer particulièrement la notion de solitude ?
MN : Je ne crois pas qu'on ait fait en sorte de mettre en scène des personnages solitaires. Ca s'est fait comme c'est venu sans que ce soit une intention. Dans la plupart des livres qu'on a écrits, les personnages sont assez solitaires. Mais ça nous a amusés de constater que nos deux personnages, (Rudy dans Trois femmes puissantes et Honecker dans Honecker 21, ndlr), étaient très semblables alors qu’aucun de nous n’avait dit quoi que ce soit à l’autre pendant l’écriture.

Mais là, on retrouve également cette solitude dans l'écriture, dans ces monologues intérieurs, fait des sensations et de pensées pas forcément cohérentes...
MN : Ces histoires de ces deux hommes sont écrites au "il" mais c'est comme le" je" parce qu'on ne quitte jamais l'intériorité du personnage. C'est amusant d'essayer de se mettre dans la peau, l'esprit, le corps d'un personnage inventé, et même de l'autre sexe. Ne faire qu'un avec lui et se glisser dans ses pensées et de ses impasses.

Pourquoi avoir choisi un récit en trois histoires, reliées par un lien très ténu?
MN : Au départ j'avais l'idée de faire qu'une seule histoire dans laquelle j'essaierais d'imbriquer les deux autres mais ça me paraissait trop artificiel. J'ai préféré les trois parties en tissant une sorte de lien, de pont qui relève du détail. Les histoires sont liées moins par ces liens là que par des récurrences d'image comme l'oiseau ou l'exil.

Où se situe la puissance des ces trois femmes aux destins douloureux? Vient-elle de cette capacité à rester droite malgré tout?
MN : Oui, c'est ça. La puissance est intérieure, comme dans cette troisième histoire où Khady est objectivement humiliée, mais à l'intérieur, elle a cette force qui fait qu'elle n'est jamais vraiment être atteinte.

Dans vos deux romans, la famille est très présente, chacun porte son histoire familiale, sa filiation comme un poids. Honecker a du mal à trouver sa place de père, de mari. Est-ce si difficile de faire une famille?
JYC : Honecker, comme le personnage masculin de Marie, c'est vraiment un prototype d'homme contemporain pris dans des questionnements complexes : est-ce qu'ils doivent être des pères complets, ne pas ressembler au leur... Dans une société où le travail les met dans un système concurrentiel, ils ont à tenir des places nouvelles avec les femmes, les enfants tout en étant encore embarrassés de leur héritage viril. C'est l'histoire de ces trentenaires contemporains qui flanchent, qui croient voir dans les objets les preuves de leur réussite, de leur installation, de leur couple alors que quand est amoureux, c'est très simple, on se balade main dans la main, on mange deux pommes et voilà. Pourquoi cet homme (le personnage Rudy de Trois femmes puissantes) vend des cuisines? Parce que la cuisine est le reflet d'une sorte de prétention à une forme de réussite sentimentale.
Dans Trois femmes puissantes, c'est un des seuls passages drôles, ce moment où Rudy constate le désastre de la cuisine intégrée qu'il a installé?
MN : Oui, parce que c'est très symptomatiques de nos sociétés. Ces cuisines, où il y a trop de feux, où on ne sait plus comment allumer ou éteindre, ce sont des cuisines professionnelles pour des gens qui se font des pâtes.
Comment est-on écrivain dans un pays dont on parle mal la langue?
MN : Moi j'aspire vraiment au temps où je maîtriserai assez bien la langue pour régler les problèmes de ce genre (connexion internet, ndlr), pour comprendre un peu mieux les choses. En fait rien n'est grave puisque nous n'en avons pas besoin dans notre métier. Mais on ne peut pas vraiment aller au théâtre, il y a toute un sociabilité qui nous échappe même si plein de gens parlent anglais, voire français. Mais quand même ça n'est pas pareil.
JYC : Sauf que c'est un effort supplémentaire que Marie a fait, on est allé ensemble à la Volkshochschule. Et moi qui déteste le scolaire, j'ai quand même reconnu l'école et au bout de quelques semaines j'oubliais toujours que c'était le moment d'y aller. Il y avait des devoirs à faire, avant de partir je copiais sur Marie et j'ai trouvé que c'était un peu puéril à mon âge de continuer comme ça...

A lire "Trois femmes puissantes" de Marie Ndiaye, chez Gallimard
"Honecker 21" de Jean-Yves Cendrey chez Actes Sud

La Busta - l'Italie toujours plus noire

2009-10-30T06:19:00.001-07:00

Mercredi soir, je sors du Prater sous la pluie avec un p'tit coup de blues, pas forcément dû à la grisaille berlinoise. Je viens de voir la Busta, de Spiro Scimone, une pièce d'à peine une heure qui ne se regarde pas sans un frisson de dépression. L'Italie n'en finit pas d'annoncer son déclin. Pas un spectacle, pas un ami italien, pas un film qui ne parle de l'inexorable descente dans la médiocrité et l'abêtissement d'un peuple cerné par la mafia, le libéralisme, le beaufisme, et surtout le berlusconisme. La culture italienne survit on ne sait comment et le peu de productions qui nous parviennent transpirent la noirceur. La Busta n'est pas directement reliée à la politique italienne. Cela pourrait se passer ici, ailleurs, partout. Une histoire de pouvoir et de soumission. Une fable perverse et kafkaïenne qui déverse sur nous une floppée d'arbitraire. La pièce écrite, produite, mise en scène et jouée par le duo Scimone-Sfarmeli, ouvrait le festival Italienischer Theater Herbst (l'automne du théâtre italien) au Prater de la Volksbühne. La langue est belle. C'est celle d'un auteur sicilien d'aujourd'hui qui pour la première fois écrit en italien. Je goûte le plaisir de sonorités familières, latines, jette un œil distrait aux surtitres allemands. Sur scène le couple Scipone/ Sfarmeli joue le burlesque, un peu à la manière du théâtre de Marthaler. Ici l'acteur est au centre, lui seul insuffle l'énergie, le souffle, le rythme. Le texte construit sous forme de joutes verbales joue des effets comiques, désamorce la violence, en apparence. Tout autour le mur de béton craquelé nous enferme, comme une prison, une cellule. Une échelle nous fait comprendre que nous sommes ici dans la cave, les coulisses du pouvoir, les bas-fonds. Nous, spectateurs, sommes condamnés à regarder d'en bas, ce qui se passe derrière le mur, au-dessus de nos têtes, à l'abri de nos regards et de nos consciences. Cris aigus, frissons, on ne voit rien, mais on entend encore.

La Busta c'est l'enveloppe. Celle que reçoit un matin un homme qui n'a rien à se reprocher. Elle vient du Président. Il veut le rencontrer, il se retrouve face à son secrétaire bouffon, petit chef arrogant, stupide, qui lui demande d'attendre. Evidemment le régime trouvera bien quelque chose à lui mettre sur le dos. Dans ce monde du mensonge, l'absurde théâtrale vient nous arracher des sourires. Le monde de la Busta n'a plus de morale ni d'ordre, on y donne des leçons de démocratie à coups de matraques, les chômeurs n'ont plus d'autre chose à faire qu'errer dans les rues ou passer des heures à la fenêtre. Mais qui sait si demain cela aussi ne sera pas interdit? La fable est noire, très noire. Comme mes amis italiens exilés à Berlin, comme toute oeuvre culturelle qui m'arrive d'un pays où l'espoir ne semble plus permis avant longtemps.

Le festival Italienischer Theaterherbst se poursuit jusqu'au 23 novembre.

Lutz Förster sans Pina

2009-10-29T02:26:00.000-07:00

Photo © Anna von Kooij

Les cheveux blonds teintés sont tirés en arrière, le visage est fardé, son corps si élancé flotte dans un costume sombre à rayure. Rien ne vient distraire du visage et des mains de Lutz Förster, taches claires dans ce décor tendu de noir. "Vous savez, le grand, avec le grand nez". C'est ainsi que Pina Bausch l'avait décrit à son professeur de danse à l'école de Essen. Elle avait besoin de jeunes danseurs pour sa nouvelle production. Il avait 23 ans, elle était déjà établie. Il lui a consacré sa vie d'interprète malgré des escapades américaines aux côtés de José Limon ou Robert Wilson. Il est effectivement très grand Lutz Förster, son nez aussi mais ce sont les bras qui frappent. Démesurément longs, comme ceux de Pina, ils semblent avoir été créés pour s'agiter dans l'espace, prolonger la grace de l'épaule jusqu'à une main papillon. A 56 ans Lutz Förster ne danse plus beaucoup, enseigne surtout. Sa carrière d'interprète est derrière lui. Alors il se retourne, invité par Jérôme Bel à se raconter depuis les premiers cours de danse de salon jusqu'aux tournées internationales du Wuppertal Theater. Il se retourne et raconte, danse parfois. On se demande à quel point il a du chercher, travailler sa mémoire, retrouver le nom des pas. Ou si tout ça est gravé, comme un chanteur qui n'oublierait pas les paroles de ses premières compositions. Lutz Förster danse peu dans ce solo. Mais il n'abandonne pas l'espace, tient la scène avec trois fois rien de mouvement. Une chaise et un micro sont les seuls artifices mais il s'en saisit avec l'aisance d'un acteur de théâtre. Le danseur allemand nous parle en anglais, filtre étrange pour s'exprimer face au public berlinois. L'interprète n'est-il pas éternel apatride, cerné d'autres danseurs du monde entier, ballotté de compagnies en chorégraphes du monde entier, adaptable aux pas comme aux langues. Lutz Förster avoue qu'il aime "parler" sur scène, fulgurance apparue lors d'une des premières productions de Pina Bausch. Jérôme Bel se saisit de ce plaisir de se raconter pour continuer son cycle sur les interprètes commencé en 2004 avec Véronique Doisneau, danseuse de l'Opéra de Paris, puis Pichet Klunchun, danseur et chorégraphe thaïlandais et Cédric Andrieux. Je n'ai vu aucune de ces pièces alors je me contente de trouver magnifique cette idée de laisser parler les interprètes, de remonter le fil de leur histoire, d'avoir devant soi la vie d'un homme qui se raconte après s'être longtemps effacé derrière des figures d'exception. Dans une génération d'artistes où le soi devient inspirant, Jérôme Bel jette un regard touchant sur ces interprètes stars qui se sont mis au service d'un chorégraphe. C'est l'histoire d'un don de soi : de sa technique mais aussi de ses émotions, de ses improvisations. C'est le parcours d'un homme qui se construit au gré des rencontres et des hasards. Une critique allemande acerbe, Wibke Hüster, reproche au danseur de ne pas "expliquer pourquoi il a fait le choix du Tanztheater", ou de ne pas aborder son homosexualité. C'est que justement Jérôme Bel nous évite l'hagiographie, le pompeux discours des artistes qui se réinventent a posteriori. Lutz Förster n'offre pas une auto-grille d'analyse, il se contente de reprendre presque scolairement, les dates, les lieux, les répétitions, les productions. Tout ce qui fait la matière, le quotidien d'un interprète, aussi talentueux et demandé soit-il. Il lève à peine le voile de son intimité, parce que finalement elle est toujours passée après. Il est question de don, de soumission, de rebellion parfois. Lorsqu'il claque la porte en plein milieu d'une production de Pina il se trouve "enfantin", "capricieux" mais c'est bien tout ce qui lui reste de liberté. Au milieu des années 80 il a quitté pour quelques années Wuppertal, direction New York. Il danse entre autres pour la José Limon dance company, et puis c'est le moment de la rencontre avec Bob Wilson, si brillant, si talentueux, si séduisant. "Enfin un homme après toutes ces années à travailler avec des femmes" lance t-il. Mais malgré la distance, celle qui l'habite c'est Pina. Après les années folles new yorkaises, le danseur s'essouffle, le sida frappe ses proches. Il retrouve refuge à Wuppertal où Pina le reprend. Les choses ont changé, mais lui continue à lui dire "je veux danser tes pas bien sûr". Rien sur la mort récente de la chorégraphe. Par pudeur peut-être ou simplement parce que ce solo a été monté "avant". Mais en creux, c'est bien la relation entre un danseur et une chorégraphe qui se dessine, un quart de siècle de relations tumultueuses, lassées, fatiguées, ravivées, comme un vieux couple. On devine à son émotion, qu'à 56 ans, Lutz Förster danse maintenant au milieu des disparus. Ce solo est aussi pour eux.
"Lutz Förster" de Jérôme Bel a été présentée la semaine dernière au Hebbel am Ufer et sera également jouée lors du Tanzkongress 09 à Hambourg, le 6 et 7 novembre, au Kampnagel.

A lire la critique de "Pichet Klunchun and myself" sur le site du Tadorne
Et celle de "Véronique Doisneau" en anglais sur le blog Reflection on dance
"Cédric Andrieux" sera présenté au festival d'Automne de Paris du 14 au 16 décembre au Théâtre de la Ville.

Porn Film festival - Ou ma découverte du porno lesbien...

2009-10-23T16:52:00.000-07:00

Joies du journalisme et du grain de folie berlinois, me voilà, un vendredi après-midi dans une salle vide de mon cinéma de quartier face à une grande rousse lancée dans une scène de masturbation torride dans les chiottes d'un café de San Francisco. Enfin la salle n'est pas tout à fait vide. Nous sommes exactement 5 dans le Kino 2 du Movimiento : moi, donc, mais aussi un étudiant en cinéma polonais spécialisé sur le thème porno et féminisme, une chercheuse américaine, une philosophe berlinoise travaillée par le thème de l'imagination, et une inconnue qui se tirera avant la fin du film. C'est qu'il faut avoir une bonne raison pour être là, à s'ingurgiter du sexe hard lesbien - même alternatif et indépendant - en guise de repas de midi. L'étudiant polonais prend des notes pendant tout le film, moi j'officie pour un magazine suisse.

Art House Slut n'y va pas par quatre chemins. Pas de dialogue inutile. Madison Young, égérie et sex activist de la côte Ouest des USA (réalisatrice ET actrice principale du film), fait la manche, s'enfile un gros sandwich dans une cafet', et termine le repas par une séance de masturbation d'anthologie au dessus de la cuvette des chiottes. Images crues, lumière naturelle, grains de peau en gros plan, et bien plus. Les icônes de la scène lesbienne porno de San Francisco sont toutes là, Madison for sure mais aussi Sandie Lune et Syd Blakovich dont je ne connaissais encore pas l'existence hier et que j'ai vu dans trois films différents pendant le festival. Le film qui bouscule les préjugés du cul lesbien doux, gentil, sensuel. Ici on donne dans le trash, et sans tout raconter y'a même de la soupe de tomate en boite, des glaviots et Andy Wahrol. C'est que dans la prod porno alternative, on a le sens du second degré. Ouf. "J'ai trouvé ça bien, me confie Sandra, la philosophe, en sortant de la projection. Peut-être les scènes de cul sont un peu longues." Tu m'étonnes sur les 75 minutes de film, on a du en passer 65 les yeux rivés sur des chattes mouillées. Sandra mate parfois des pornos, travaille sur l'imagination et ma foi a trouvé que ce film lui avait ouvert des nouvelles portes. Fin de mon premier porno lesbien. Comme j'ai une conscience professionnelle sans limite, j'y retourne le soir même pour laséance de courts-métrages Dyke Porn. La salle est archipleine cette fois. 90% de nanas, en couple souvent.

C'est encore le collectif norvégien qui ouvre la séance avec l'hymne In Your Face (my pussy...). Rien de core, de l'humour décalé nordique par une bande de filles déjantées. Récidive avec les Lesbian gymnasts in USSR et Closet. Du mime de porno tout habillé, du gentil quatrième degré. Allez on se lâche, on rigole un bon coup parce qu'après ça redevient sérieux. Ana Span est venu d'Angleterre présenter "Strut the Slut", un moyen métrage, pas vraiment dans les canons lesbiens "dyke", ça applaudit à peine à la fin de la projections. Moi, ignarde, je ne savais pas que montrer deux nanas "qui ont des ongles longs" et qui "ne s'embrassent pas" (merci Louise pour le décryptage) c'est du lesbien pour hétéros, du porno "mainstream" que le public féminin de la salle dénonce silencieusement. Ana Span se défend "je suis bisexuelle, c'est peut-être pour ça. Je ne fais pas des films pour un public particulier (comprenez les femmes) mais pour mon plaisir uniquement". Moi j'ai trouvé ça plutôt excitant. Ana Span est l'une des plus grandes réalisatrices de pornos en Angleterre, a déjà tourné 250 scènes de cul et a créé son propre label. Pas assez à la marge pour ce festival peut-être? On passera sur le niaiseux "Dandelion Fall" qui malgré une photographie et une image soignée n'a réussi qu'à susciter quelques ricanements. Venons en plutôt aux deux courts les plus convaincants, tous deux tirés du futur long métrage Taxi de Jincey Lumpkin. Allez pas besoin d'aller chercher très loin, c'est des filles qui baisent à tour de rôle dans un taxi new-yorkais. Les stars américaines sont de retour: Madison Young, Syd Blakovich. Mais à mon étonnement, la production est beaucoup plus soignée que cet après-midi, le huis clos est très beau, les matières, les sons, les peaux sont traitées avec délicatesse. On a droit à des flous, du mouvement, une ambiance impressioniste assez réjouissante dans ce grand déballage de sexe un peu cru. A la sortie de la séance Louise de Ville - performeuse parisienne venue spécialement pour le festival - en est encore toute retournée "ça m'a fasciné cette manière de filmer la sensualité sans forcément donner dans la douceur". Retour au brut pour les productions françaises avec Wendy Delorme et Judy Minx dans "Wendy et Judy" de Todd Verow - et oui un homme qui filme des lesbiennes...- et surtout le court-métrage d'Emilie Jouvet "Judy's panties. Court un peu long (30 minutes) et pour le coup tout sauf soigné. La photographe et réalisatrice qui s'est fait un nom dans le queer porno depuis "One Night Stand" a tourné un truc quasi documentaire, et aurait pu du coup nous épargner le mini-scénario niais de départ (une femme en train d'étendre son linge, son mec qui veut la baiser). Judy Minx et Killer, couple à la vie, baisent à la dure. C'est long, trash, pénible. Coups de ceinture, godes, mains enfoncées dans la bouche jusqu'à vomir, fist fucking violent. Je regarde autour de moi, sur les sièges ça gigote, mal à l'aise. Je me demande qui ça excite, à mon avis personne. Et c'est bien là que se situe la frontière entre porno commercial et arty. Peu importe la réaction du public, on regarde là une forme de cul qui existe, qui est porté à son extrême, mais consentant. "C'était vraiment dur à regarder en tant que spectatrice résume Louise, mais dans le film on voit bien qu'elle lui demande en permanence si ça va, si elle veut continuer. C'est elle qui dit encore, elle souffre peut-être mais elle prend du plaisir". Moi je sors lessivée par ces deux heures de projo. Demain, j'arrête.

Porn film festival - X Women

2009-10-23T01:19:00.000-07:00

Berlin, capitale du sexe. Berlin, capitale du underground. Berlin, 4e Porn film festival. Ca s'est ouvert hier soir au Movimiento, deux salles combles pour s'envoyer le joyeux The Band, film classé H L X F dans le Programmheft du festival, en décrypté ça donne: Hétéro Lesbien classé X Féministe. On aurait pu ajouter Comédie. Le film nous vient d'Australie, signé Anna Brownfield qui se définit elle-même comme une réalisatrice féministe. C'est un peu le leitmotiv de l'édition 2009 du festival. Les femmes ont pris en main leur sexualité et se mettent à faire du porno, derrière la caméra. Près de la moitié des films présentés cette année ont été réalisés par des femmes, dont les françaises Emilie Jouvet et Ovidie, Maria Beatty, Petra Joy, Julie SimoneShine Louise Boston... et Anne Brownfield. "The Band" suit un trio rock au sommet des charts australiens. Le rock y sonne gras, ça sniffe sur les comptoirs, et les scènes de cul sont filmées joliment (si, si). On ne retiendra pas vraiment le scénario, mais les acteurs sont plutôt pas mal, loin des canons du genre, les blondes et les mecs n'y tiennent pas le beau rôle, et les brunettes lesbiennes en ont dans la tête. Après la projection dans un Movimiento transformé en porn lounge où même les chiottes ont été déclarées unisexes (pourtant on connait l'attachement des Allemands aux séparations), j'ai rencontré Anna Brownfield, grande rousse pétillante et classe. Son film ne prend pas de détours, première scène, dans les chiotes où un chanteur en mal de frissons 70s (mimé sur Jim Morisson) tringle une blonde pendant que le public l'attend sur scène. Rock'n roll attitude. D'entrée le garçon atterrit dans la case "gros cave" et la groupie dans celle de la "tout à fait blonde". Photo du sperme de la star collée dans son cahier de fan. Eclat de rire général. Anne Brownfield a de l'humour et surtout une belle image, qui caresse les acteurs sans jamais se répéter, enchaine les scènes de cul avec originalité et surtout sans longueurs. Les acteurs jouent plutôt pas mal, mention spéciale au bassiste, joué par Rupert Owen, ses moues boudeuses et sa scène d'anthologie de masturbation dans le camion de tournée. Un ami de la réalisatrice qui reconnait qu'elle a pu "lui demander tout ce que je voulais. Il était toujours partant". Bande son rock et grasse, bien comme il faut, tout juste la scène finale, happy end lesbien, qui vire un peu à la guimauve sur une musique d'ambiance. Mais Anne se défend "toutes les autres scènes de cul du film sont des coups d'une fois, de la baise pour de la baise. Là c'est une histoire d'amour qui commence, j'ai voulu faire quelque chose de plus doux". Dans son film mecs et blondes en prennent pour leur grade, mais jamais méchamment. Scène d'anthologie du batteur queer fétichiste à quatre pattes reniflant les braguettes. Ce sont bien les femmes et les brunes qui s'en sortent le mieux. Féministe alors? "Définitivement. Même si en Australie, quand on dit féministe, on pense lesbienne". Et vous êtes lesbienne? "Non, pas du tout!" En Australie, le film n'a aucune chance de sortir, "trop de lois puritaines" trainent encore. Anna Brownfield vient donc trouver clients en Europe. Son film va être distribué en Allemagne en DVD (dans une version plus soft et doublé...), même les States devraient le mettre en rayon. "On a du mal parce qu'on ne peut pas mettre mon film dans une catégorie, il est à la fois hétéro, homo, lesbien, féministe, fétichiste. Au début on avait appelé ça du Chick Porn". Ouais, pas si chic tout de même au vu des frasques des rockers en chaleur et de leurs fans hystériques. Avant le film, les organisateurs avaient prévu deux courts métrages mêlant cul et musique. Mention spéciale à l'hilarant "Don't you take it?" de Kirby Ferguson. Allez je ne résiste pas...
Le festival continue jusqu'à dimanche, impossible de lister tous les films mais on conseille les courts métrages, notamment la session Fun Porn rediffusée dimanche à 12h, le film de clôture, le cultissime Alice in Wonderland (1976), le destroy "The life and death of a prono gang" qui nous arrive de Serbie ou l'hilarant The Auteur (samedi, 0h30). Le festival organise sa plus grosse party demain soir au Monster Ronson's le karaoké de la Warschauer Str. Performances, concerts, Djs et surtout concours de Air Sex. Y'a encore des places pour les concurrents.

La beauté patinée du Neues Museum

2009-10-22T00:58:00.000-07:00

Photo (c) Staatliche Museen zu Berlin, Achim Kleuker

C'est un labyrinthe antique où se côtoient des squelettes néolithiques, les sarcophages des pharaons, les bustes de Sénèque ou de Sapho, la beauté de Nefertiti et les vestiges de l'empire romain germanique. C'est un lieu ravagé par la seconde guerre mondiale, où subsiste le clinquant d'un 19e siècle fou d'égyptologie. Fermé pendant presque 70 ans, le Neues Museum a rouvert ses portes depuis la semaine dernière. C'est peu dire que je suis tombée sous le charme. Il avait déjà opéré lors du spectacle inaugural de Sasha Waltz au printemps dernier. Le musée était encore vide. Mais il s'en dégageait une incroyable sensualité, une beauté discrète et monumentale à la fois. Les danseurs et musiciens de Sasha Waltz avait tout cet espace à eux. Cette fois-ci les objets y ont retrouvé leur place, les stars sont immobiles et s'appellent Néfertiti, Akhénathon, la reine Tityi, Hérodote, Sapho ou Hélios. L'architecte anglais David Chipperfield a gratté les artifices, ravivé les couleurs des voûtes, retrouvé le charme des mosaïques, évacué les dorures, gardé les impacts des balles et les blessures des murs, et pour le neuf, préféré le clair, le blanc, l'épure. Un certain goût des mélanges qui se poursuit jusque dans le parcours du Neues Museum. Dans une scénographie parfois difficile à suivre chronologiquement, l'œil passe du buste de Néfertiti aux dieux romains, des statues soudanaises aux figurines du monde arabe. Mais c'est pour mieux embrasser toute la richesse d'un monde méditerranéen antique, berceau de nos civilisations. Lors de son inauguration au milieu du 19e siècle, Emmanuel de Rougé, directeur du département des antiquités égyptiennes du Louvre n'avait pas goûté les fresques murales et le kitsch du musée : "Ce sont là des exemples que nous n'imiterons pas". Aujourd'hui le musée semble avoir préféré un goût de la mesure et de l'authentique. Cette coupole où réside Néfertiti est l'un des lieux phares bien sûr. Quand je la vois pour la première fois, une nuée de photographes l'entoure. Cliquetis du déclencheur mais les voix se taisent. Elle est là seule, tranquille, auréolée d'un dôme magnifique, cernée de murs verts et ocres. Au sol le jaune du marbre rend l'endroit moins solennel. Elle a perdu un œil et regarde là-bas à travers les salles et couloirs. Lui faisant face, au bout de l'allée, les statues colossales d'Hélios et d'une déesse romaine inconnue. Trouvées en Egypte, elles ont aussi traversé un pan de l'histoire allemande. La dernière fois que les Berlinois les ont vues c'était en 1949, rescapées des bombardements. Embarquées en Russie, elles n'ont été raménes qu'en 1958. Enfouies dans les stocks, elles viennent tout juste d'être rénovées. Entre Néfertiti et Hélios, l'une des plus belles collections de papyrus du monde fait tampon. On joue des tiroirs roulant pour faire surgir des morceaux de tissus où émergent hiéroglyphes et lettres grecques, dessins colorés et plans architecturaux millénaires. Tiens une vitrine vide "ceux-là ne marchent déjà plus" s'excuse l'un des guides de la salle... Les pas résonnent joliment sur les mosaïques multicolores, récupérés des débris après la chute du mur, patiemment recollées pendant les 10 ans de rénovation.Le premier étage sera sans doute le plus visité, c'est là qu'on trouve Néfertiti et Akhénaton, toute la statuaire égyptienne, dont cette tête de la reine Tiyi femme d'Amenophis III, figure miniature à la finesse incroyable, mais aussi les papyrus, les statues grecques, les colonies romaines en Allemagne, les premiers signes de la christianisation. Au second étage, les matériaux sont chauds, bois à terre, vitrines colorées, on y revisite de manière très didactique les âges préhistoriques, déambulant de silex en squelettes dont celui de cet élan remontant à la fin de l'ère glaciaire. Clou de cet étage ce splendide chapeau astral en or massif qui daterait de 3000 ans et dont on compte seulement trois autres exemplaires similaires dans le monde. Dans cette salle ronde on explore les calendriers et les astres. Au sous-sol les Egyptiens ont retrouvé le calme et la pénombre des chambres funéraires. Seule les cours offrent une lumière naturelle. Mais là encore les commissaires d'exposition ont préféré mêler les continents et les époques. Des statues Dogon répondent au statuettes mayas. Le monde des divinités dans l'Antiquité s'embrasse d'un coup d'oeil, les objets s'organisent thématiquement dans les vitrines : agriculture, vie quotidienne, croyances, rites funéraires. Au rez-de chaussé, la reconstitution des chambres funéraires de Mérib, Metjen et Manofer est un des grands moments. Avec ses murs patinés, ses peintures écorchées et son goût de l'épure, le Neues Museum est un endroit où il fait bon errer. Les espaces sont larges, desservis par cet escalier gigantesque et lumineux. Je ne peux m'empêcher de repenser aux figures égyptiennes vivantes de Sasha Waltz qui dansaient sur les rampes, circulaient sur les marches au printemps dernier. Dans le hall résonne encore le rire d'une belle hystérique en crinoline. Les esprits du temps se sont emparés d'un lieu.

(Article paru sur le site Le petit Journal Berlin)
Le Neues Museum est ouvert du lundi au mercredi de 10h à 18h, du jeudi au samedi de 10h à 20h, le dimanche de 10h à 18h. Rens.www.smb.museum/neuesmuseum

Freischwhimmer festival - Turbo Pascal, même pas peur

2009-10-21T13:46:00.000-07:00

Turbo Pascal c'est ce collectif berlinois qui en 2006 émergeait du joyeux fourre-tout du 100° Berlin. Pendant trois jours, sans sélection aucune si ce n'est celle du "premier arrivé" 100 performeurs, artistes, troupes, amateurs ou pros, ont porte ouverte à la Hau et aux Sophiensaele pour présenter leurs productions. Un grand mic-mac théâtral au rythme marathonien d'où émergent parfois des figures. Turbo Pascal donc, avait tiré son épingle du jeu en 2006 et pouvait dès l'année suivante commencer à tourner sur les scènes "reconnues" allemandes. Leur credo, interpeller le public, gommer les barrières scènes-salles. La semaine dernière ils ont ouvert le festival Freischwimmer 09 - Plateforme pour le jeune théâtre - un rendez-vous co-organisé par les Sophiensaele mais aussi le Kampnagel à Hambourg, le forum du Freies Theater de Dusseldorf,la Theaterhaus Gessnerallee à Zürich et la Künstlerhaus de Vienne. Sous la thématique du "choc" ils ont présenté "Ich bin nicht wirklich die Gefahr", une performance jouant des scénarios du pire où le spectateur est pris à parti. Sans grand frisson mais joyeusement poétique. “Que se passerait-il si toutes les 250 personnes du public devaient sortir en même temps par la même porte?” “Savez-vous que l’installation électrique de cette salle date du temps de la RDA?” “Il y a deux ans des morceaux de ce plafond sont tombés sur la scène...” Ainsi nous reçoit le collectif Turbo Pascal sur la scène des Sophiensaele. Bienvenue en paranoïa aïgue, celle de nos sociétés du tout sécurité où la moindre faille technique devient obsédante. Les quatre acteurs-performeurs ont commencé parmi nous, susurrant des horreurs pour nous faire craindre le pire. Le thème du festival Freischwimmer n’est-il pas le “choc” cette année? Tout peut être cause de peur, tout peut provoquer l’accident, et pourquoi pas la mort, un portable, une échelle, une pomme. Alors méfions-nous! Les quatre acteurs jouent des mots et des scénario, poussent à l’extrême une politique de prévention des risques, et dessinent à même le sol les zones des possibles. Quand la pièce tourne à la panne d’électricité générale, nous voilà plongés dans le noir total, nous qui avions été allumés plein feux au début du spectacle. On nous distribue alors de petites lampes à faisceaux rouges, on se laisse alors guider par celui-qui sait, ou du moins fait mine, et obéissons aux consignes. “Tourner en rond”, “les filles à droite”, “les garçons à gauche” “Qui est enceinte?”, “qui est infirmier?”, “qui a de la nourriture?”. Nous voilà contraints de vider nos sacs et nos poches, tout est bon à prendre, bonbons, pommes croquées, bouteilles de bière.Mais le grand frisson n’est pas au rendez-vous, la catastrophe non plus. Rien ne nous fait vraiment peur dans cette grande salle de théâtre berlinoise aux murs décrépis. Certes il le plafond s’est vraiment effondré il y a deux ans, et oui, il est vrai que ce beau loft industriel était auparavant une centrale électrique de la RDA. Mais le scénario du pire reste flottant. On préfère alors s’amuser du temps faussement dramatique, des envolées poétiques, des déplacements des corps, des morts mimées au ralenti, des jeux de lumière astucieux. Obligation de finir sur la scène, forcés de quitter nos chaises suivant les consignes de sécurité. Là, tout se termine en chanson, en tapant dans les mains. La peur est bien loin...

Prochaines dates pour les non-Berlinois :
24.+25. Oktober 21.00 Uhr Kampnagel, Hamburg
26.+27. November 21.00 Uhr Theaterhaus Gessnerallee, Zürich
7.+8. Dezember 21.00 Uhr brut im Künstlerhaus, Wien
19.+20. Januar 19.30 Uhr Forum Freies Theater, Düsseldorf
5.+6.+7.+8. November 20.00 Uhr LOT-Theater, Braunschweig
10.+11.+12.+13. November 20.00 Uhr, Theaterhaus Hildesheim

No Limits Festival - Anne Tismer, Judith et Lomé

2009-10-19T02:02:00.000-07:00

Je revois encore cette actrice, menue, fragile au physique d'adolescente, qui vient sagement faire la queue pour un jus d'orange au bar de la Schaubühne après la représentation. Elle a un bleu à la tempe droite. Elle est encore livide-vide. Son regard n'accroche rien. Nora a fui par la petite porte, bafouée mais victorieuse. Anne Tismer a été grandiose pendant presque deux heures sur la scène de la Schaubühne. Une Maison de Poupée inoubliable, mise en scène par son compagnon Thomas Ostermeier. Deux ans après je la retrouve rayonnante, habillée de cette même simplicité au Ballhaus Ost, dans le cadre du No Limits festival. C'est ici qu'elle a trouvé refuge, du moins qu'elle a laissé derrière elle son habit d'actrice de l'année, sa réputation d'enfant terrible du théâtre allemand. Fini le théâtre pur, l'exposition médiatique. Au Ballhaus Ost, dans une petite rue délabrée de Prenzlauer Berg, au 4e étage d'un théâtre-loft, Anne Tismer laisse enfin éclater ses envies, sans diktat de metteur en scène, sans les codes et règles de l'Ensemble, ce théâtre de troupe à l'allemande qui lui fait horreur. "Les Théâtres d’état sont les héritiers du temps d’Hitler, le directeur de théâtre décide de tout, puis viennent les metteurs en scène les acteurs ne décident de rien, pas du tout libres, et puis tout en bas il y a les actrices. Dans mon premier théatre, on m’a virée très vite, parce que je refusais de faire ce qu’on me demandait". Elle est seule maître à bord, voyage, expérimente, écrit et joue toujours, à la limite, si belle et insaisissable. On la dit taciturne, renfermée, presque autiste. Je la découvre épanouie, souriante, disponible. Elle vient de présenter pour la première fois son projet Judith Lomeeiaahh! monté avec des artistes togolais au printemps et joué ici avec Marc Agbedjidji et Basile Yawanke.Elle y reprend l'histoire biblique de Judith, Nabuchodanosor et Holoferne, dans une fable moderne au milieu de cartons, d'objets de récupération, où Judith s'est transformée en homme noir. "Nous avons monté ce projet en mai dernier à Lomé avec 12 artistes africains. Pour Berlin, je n'ai pas pu faire venir tout le monde ça coûtait trop cher. Mais on a eu des problèmes de visa, Jean Frederic Batasse, un des trois artistes invités n'en a pas eu. Il a du rester à Lomé." Restent Marc et Basil, artistes togolais reconnus dans leur pays mais aussi en Afrique. "Ils ne connaissaient pas l'histoire de Judith. Alors je leur ai raconté l'histoire et on a imaginé comment on pouvait dire chaque scène en une ou deux phrases". Leur Judith Lomeeiaahh résonne aussi de la modernité et des douloureuses relations entre Europe et Afrique. On y entend des choses sur les barrières, le pillage, l'esclavage. Un voyage initiatique vers Babylone. Nous sommes là assis autour d'eux, il n'y a aucun effet de lumière, pas de costume, juste quelques traits peints à même le visage. Les mitraillettes sont en carton, les giclées de sang des pelotes de laine rouge. C'est d'une naïveté déconcertante et même temps il s'en dégage une énvergie vraie, sincère, une pulsion des corps touchante.En parallèle, Anne Tismer est Judith dans une production du Staatstheater de Stutgart. "Quand on m'a demandé d'y jouer, c'était la version de Hebbel. j'ai dit d'accord mais en y ajoutant mes propres textes. Je pensais qu'on pouvait encore travailler sur ce sujet et ajouter d'autres choses plus contemporaines."

Ce spectacle a été présenté dans le cadre du No Limits festival dont le slogan est "franchir les frontières esthétiques, thématiques, sociétales". Un rendez-vous où se croisent artistes professionnels et amateurs, valides et handicapés, donnant à voir un monde artistique de l'étrange, loin de toute normalité. J'ai été très impressionnée jeudi soir par les deux pièces présentées en ouverture du festival.
Le chorégraphe coréen Nam Jin Kin, danseur entre autres pour les Ballets C. de la B., Meg Stuart, Rui Horta et Sidi Larbi Cherkaoui, a présenté deux duos, le premier avec une jeune femme "Story of B". Une histoire de rencontre, de frustration, de solitude, un beau moment de danse violent et doux à la fois où les deux corps se cherchent sans jamais trouver l'issue. Dans le deuxième morceau "Brother" Namjin Kim danse avec son frère handicapé Sung Gook. C'est magnifique. Très vite la peur de l'exploitation émotionnelle s'éloigne, Sung Gook avec son corps dégingandé, ses pieds en dedans, ses mouvements saccadés, danse vraiment. Il joue, accompagne la chorégraphie de son frère, lui vole la vedette dans des transes explosives. Namjin Kin offre un moment d'intimité où il confesse la violence, l'agacement, la tristesse, les joies simples aussi. Son frère n'est jamais un faire-valoir artistique, mais un acteur véritable d'une pièce que l'on peut appeler duo. Les deux musiciennes qui accompagnent les danseurs sont sublimes également.
No limits festival continue encore jusqu'au 25 octobre, on suggère de ne pas rater entre autres la venue de Mat Fraser ce week-end.

Anne Tismer pour aller plus loin :
Anne Tismer jouera en France le 21 octobre, au centre culturel de Taverny (95) le spectacle mis en scène par Lars Noren "20 novembre". Et les 4 et 5 février 2010 à Valence, au Théâtre de la ville, avec "Négresse" de Franz Xaver Kroetz.
Un portrait dans la Libre Belgique en mars dernier
Une longue interview remontant à 2004 (en allemand) parue dans Die Zeit

Au Deutsches Theater Andreas Kriegenburg s'égare au Cœur des ténèbres

2009-10-13T13:47:00.000-07:00

Photo Arno Declair

Andreas Kriegenburg a choisi le chef d’œuvre de Joseph Conrad “Au coeur des ténèbres”, pour ouvrir la saison du Deutsches Theater. Un voyage en terre africaine, sombre et littéraire, qui malgré quelques images fortes, ne parvient pas à restituer l’intensité du texte. Dans une pièce aux murs nus, sales, un personnage de dos crayonne sur un mur et ânnone des bouts de phrases insensées. Noir, lumière. Un deuxième apparaît, son double, même costume noir, même graffitis, même charabia hâché. Noir, lumière. Et ainsi de suite jusqu’à ce que les six acteurs de Herz der Finsternis soient réunis sur la scène. Dès les premières minutes de la pièce, Andreas Kriegenburg semble saisir toute la folie et la désolation du roman de Joseph Conrad. Quand les corps se sont enfin tous rejoints au collés au mur du fond, l’un d’entre eux se détache. Le visage défait, l’actrice Natali Seelig plante alors ses yeux fiévreux dans ceux du public et raconte dans la peau du capitaine Marlow son voyage en enfer sur le fleuve Congo. Chargé de partir à la rencontre du mystérieux Kurtz, qui au fond de la jungle semble avoir bâti un monde hors de contrôle et s’être approprié le commerce de l’ivoire, Marlow va devoir affronter tous les démons, la solitude, la mort, la folie. Ce sentiment violent d’étrangeté, cet écoeurement du système colonialiste qu’il découvre, nous tombent littéralement dessus lorsque six marionnettes géantes descendent sur scène. Pantins noirs désarticulés, décharnés, squelettes faméliques ils nous regardent de leurs yeux cernés, remuant la tête lentement. Ces corps presque sans vie hanteront longtemps la scène, symboles d’une Afrique pillée, dévastée, ravagée par la guerre et la maladie. Comme pour son Procès de Kafka l’an dernier, Andreas Kriegenburg recourt au procédé du personnage principal joué par tous les acteurs. Démultiplié, et pourtant si seul, Marlow n’en apparaît que plus fragile. Si Natali Seelig porte seule une grande partie de la narration, de larges pans de la pièce sont récités par les six comédiens en même temps. Perchés sur des échelles qui séparent la scène du public, ils font entendre une voix unique comme autant de matelots perdus sur les flots hostiles qui se rassureraient dans un être ensemble désespéré. Malheureusement cette diction chorale n’a pas le souffle espéré, et les voix n’y trouvent pas la juste nuance, disent trop fort, de manière trop agressive, un texte introspectif et philosophique. En adaptant “Au cœur des Ténèbres” pour sa toute première pièce en tant que metteur en scène principal du Deutsches Theater, Andreas Kriegenburg se confronte à deux chefs d’œuvre. Le roman légendaire de Joseph Conrad, écrit en 1899, mais aussi le film coup de poing de Francis Ford Coppola “Apocalypse now”. Comment ne pas penser à Marlon Brando, à son cou démesuré, filmé de dos qui laisse planer le mystère jusqu’au bout, lorsque le personnage de Kurtz apparait boueux, presque nu sur scène? Malheureusement le comédien Markwart Müller-Elmau n’a pas l’épaisseur attendue. Le mystère s’éteint trop vite dans la version de Kriegenburg. Maculés de glaise les acteurs traversent péniblement les épreuves de ce voyage aux enfers. Comme Marlow ils semblent s’être perdus dans un espace trop grand pour eux.

Un autre Géant, venu d'Argentine

2009-10-07T08:57:00.000-07:00

Encore un, géant, moins grand celui-là, plus doux, plus vivant, quoique. C'était une des bonnes surprises de la sélection officielle de la Berlinale l'an dernier. Gigante, réalisé par Adrian Binez est sorti jeudi dernier sur les écrans. Le jour où le Royal envahissait Berlin. Ici la version est beaucoup moins spectaculaire. Ce film minimal, presque anecodtique donne l'air de rien un grand coup de pied à la société de consommation. Le géant c'est Jara (étonnant Horacio Camandule, récompensé d'un ours d'argent), chargé de la sécurité d'un supermarché. Un grand corps un peu mou qui traverse la vie en individu invisible, caché derrière des écrans, ceux de la surveillance du supermarché ou des jeux de la Playstation. Appuyer sur des manettes, être assis ou allongé, manger un peu, rêver, chanter fort sous la douche. Surtout chanter. Parce que Jara a une passion dans la vie, le hard rock. Jusqu'au jour où, par le truchement de son écran de surveillance, il découvre le sentiment amoureux. De là où il est il peut à l'envie zoomer et détailler le visage et le corps de cette femme de ménage aussi menue qu'il est imposant. Bien au chaud dans son monde virtuel, cette relation sans retour lui suffit. Le voilà amoureux d'une image. Il faudra la violence du monde du travail et une vague de licenciements pour que Jara sorte enfin de sa réserve, se réveille au monde et à lui-même. Tout est suggéré avec légèreté dans une succession de plans fixes que viennent égayer quelques clins d'œil burlesques. Un conte social presque muet, délicieux qui éveille en nous des sensations nouvelles. Peut-être Biniez croit-il un peu trop au pouvoir de suggestion du burlesque et du contre-champ décalé. Ce cinéma du second degré, de l'image suggérée, où tout est à deviner, pêche parfois par un manque de rythme. Mais c'est encore un joli conte moderne.

Die Riesen kommen (3) - Il était une fois une récupération commerciale...

2009-10-06T01:24:00.000-07:00

Photo (c) Hans Scherhaufer

C'était imperceptible, une sorte de malaise dès le début, un je ne sais quoi de dérangeant. Ces affiches (mais on en a déjà parlé), ce plan com', cette idée d'aller saluer Wowereit et Mitterrand. Dès le premier jour devant le Rothaus l'impression a été confirmée. Le peuple, en bas, la plèbe sur le trottoir pendant que les autorisés nous prennent en photo depuis le balcon de la mairie. Discours de Wowereit sans trop de longueur, c'est toujours ça. Dans la foule se glissent des hôtesses de Total, principal sponsor des Géants du Royal, et distribuent pubs et cadeaux. Total, c'est un peu dur à digérer pour le Royal non? Les géants instrumentalisés avancent entourés d'uniformes verts, on se croirait à une manif du premier mai, on les sent bloqués, brimés, récupérés. Mais le pic est atteint à la Porte de Brandebourg, c'est jour de fête nationale, on a vendu la Festmeile à Coca Cola, à la journée du don d'organes, à la saucisse et à la bière. Berlin, Wowereit, les Berliner Festspiele ont eu le mauvais goût d'offrir ça comme décor aux retrouvailles des deux géants. Faut choisir l'angle de la photo pour ne pas avoir les sponsors en fond. Devant cette armada d'enseignes, même le grand géant perd de sa superbe, tout est plus haut, plus grand que lui, la sono, la scène, les spots. Poésie contre marchandise. Et cette strasse der 17 Juni totalement fermée à Tiergarten force les géants à parader entre une currywurst et un vin chaud. Interdiction de stationner devant le Reichstag, interdiction de passer dans les rues de la ville les plus habitées, interdition de voler au-dessus de la Porte de Brandebourg, de passer en dessous, ah non finalement à force de bagarre Courcoult obtient le droit de faire voler sa géante. Mais on sent le temps des négociations, dans la foule, on attend, on attend, on est privés de Porte de Brandebourg côté Est, on se retrouve parqués d'un côté ou de l'autre, on se voit interdire l'accès à la Pariser Platz par des camions de flics. Le Royal déroule le tapis rouge aux huiles, Frédéric Mitterrand en tête, le conte de fée n'est plus qu'un prétexte à contentement politique, et encore les élections sont passées. La fête populaire prend des allures de défilé militaire. Le dernier jour, Porte de Brandebourg, on attend longtemps le réveil des géants, comme s'ils étaient fâchés de tout ça, qu'ils faisaient une sorte de grève, qu'ils opposaient à cette marchandisation une heure de silence forcé. Lundi un communiqué de presse annonçait qu'1,5 millions de personnes s'étaient déplacées, et que l'économie berlinoise avait récupéré en un week-end la moitié des 1,5 millions d'euros investis par Total, Mercedes, et la municipalité. Pour eux, que du bénef. Pour Royal de Luxe, une des plus belles récupérations de son histoire.

Die Riesen kommen (2)- Il était une fois des géants...

2009-10-05T14:57:00.000-07:00

Elle a ouvert la bouche. un peu comme ça, doucement, une fois, deux fois, elle a cligné des yeux. Elle était en retard un peu, elle a entendu les cris des enfants impatients, il pleuvait elle s'est douchée quand même, un geste de bras dans les cheveux, elle s'est faite belle, les chaussures, la robe, "Monsieur Fabien, préparez les toiles de jute", levez pied gauche, elle avait une robe verte, un peu printanière pour l'automne berlinois, elle a jeté un oeil au balcon où des hommes en costume jouaient les privilégiés, pivotement, elle nous regarde, elle est belle, mouvements de bras, et puis voilà jaune le ciré, le chapeau, treuillée sur un bateau, tour de mairie pour la galerie, elle recommence à pied, danse un peu au coin derrière, va vite, 2km heure, on la suit avec peine, en courant, pas de géants, jupe verte qui recouvre le capot rouge, le geyser jaillit toujours sur Unter der Linden, qui la suit? pas moi, trop froid, retrouvailles devant le mur de Berlin qu'elle sillonne du côté Est toujours, Checkpoint Charlie est derrière nous, le ciel lourd, gris, elle vogue vers Potdsamer Platz, mousse sur le pont, les moussaillons astiquent, dansent, forêts d'appareils photos, objectifs à la place des yeux, enfants sur les épaules, comment voir sinon, je cours encore à côté du bateau qui l'embarque, je la laisse au mémorial de l'holocauste, rejoindre le grand, l'oncle, le scaphandrier, l'homme, l'ouest, entre les balancelles de la roue, apercevoir un casque, il s'arrête, au milieu des petits hommes rouges esclaves de la machine, "descendez les écureuils", dévisser les boulons, enlever le casque, asseoir la carcasse, repos sur disque sillon géant, bruits des vagues jusqu'au soir, faut bien siester quand même, elle aussi dort sur Unter der Linden, foule des grands jours, trop, trop, où est-elle, seuls les enfants l'aperçoivent là-bas toujours au même endroit, on l'attend encore une heure, "elle bouge la tête" lance l'enfant, levée d'appareils photos au-dessus des têtes, pour voir là-haut, enfin elle passe trop vite, le pas se hâte d'avoir trop attendu, on s'engouffre dans son sillon, un camion de flics s'interpose entre nous et elle, elle, elle là-bas vers la porte de brandebourg, acrobaties, roublardises, doublage de barrière de militaires, de l'autre côté on respire à nouveau, Pariser Platz, elle se lève, elle attend, regarde là-bas à l'ouest l'autre qui arrive, il l'attend, elle s'élance, passe dessous à l'ouest, du côté de la scène Coca Cola et des speakers, à l'Est frustration, on ne passera pas, interdiction à la foule de franchir le mur, voilà le symbole, coincé là, à entendre, sans voir, la musique de Michael Jackson, la marche arrière du géant, moon walk murmure la foule aveugle, elle flotte là-bas de l'autre côté, danse?, puis rien, rien, rien, passera? dormira là?, j'entends qu'on est prêt à dormir là s'il le faut, et puis, et puis, les grues sont bien là pour quelque chose, au diable l'hystérie sécuritaire et les peurs faussement terroristes, elle s'accroche, il la lève, au-dessus de tout, de nous, du mur des chevaux, de l'ambassade américaine, des menaces d'attentat et des cordons de militaires, elle flotte là-haut, drapeau rouge, trois hommes microscopiques flottent avec elle, la porte de brandebourg en serait presque belle, la voilà ici maintenant, l'autre passe dessous, s'asseoit, la reçoit à genoux, silence dans la foule, seuls les écrans LCD parlent, dormir, bruit des vagues, même foule le lendemain de l'autre côté, même retard, une heure sans rien, scène coca-cola pour meubler, journée du don d'organes pour combler, envie d'échapper à ça, "c'est une production française c'est normal", retard encore, la bouche bouge mais rien d'autre, dans son ciré jaune elle dort toujours, lui au loin cerné de foule et de panneaux publicitaires, gong, pluie de lettres, mots confisqués, elle clignote, ouvre, s'en va, nous plante là immobiles, pris dans le tourbillon d'une foule indécise, fini?, Ah non, pas finir comme ça... raccourci par le Reichstag, bruits de canon, pluie de lettres et confettis, rires, sourires, rien n'est grave, ni la foule, ni le vent, ni le froid, soleil sur la chancellerie, elle joyeuse, avance vite, lui grave, mélancolique la suit, efforts surhumains pour soulever chaque pied, chaque pas, trente hommes pour faire avancer la machine merveilleuse, soulevée dans les airs, reposée, la crieuse contrôle, le chef à lunettes discute avec les uniformes, le scaphandrier frôle les immeubles, le ciel et les nuages, elle volette, cligne, cils à rallonge, pieds jolis, elle robe verte, lui encasqué, course vers la Spree, elle arrive en premier, se plante devant la foule, belle, lui monte plus haut, se pose doucement, l'attend, elle, dernière danse dans le ciel, dernière envolée, assise, sans fils, sans rien, sans hommes, deux corps sans mouvements, deux yeux qui voient l'adieu des Berlinois, deux carcasses glissant vers l'est, deux géants fatigués, cinquante mini-hommes restant à quai, cinquante hommes en rouge alignés, saluant, salués. Libérés, abandonnés.

Petit guide de l'agité culturel dans Berlin post-électoral

2009-09-30T23:48:00.000-07:00

Quelques affiches électorales trainent encore, la tête de Yusuf Bayrak ne fait même pas la gueule de n'avoir raflé qu'1,5% des voix à Neukölln, et Merkel affiche un sourire empreint de (fausse) modestie à Charlottenburg sûre désormais d'avoir le Kraft pour quelques années encore. Voilà, les élections c'est fait, rien de glorieux, mais on ne s'attendait pas vraiment à autre chose, non? Dimanche soir, le Deutsches Theater annonçait sobrement les scores sur un tableau de fortune sur les marches, pendant que je m'engouffrais dans la Kammerspiele. Herz der Finsternis au programme, adaptation du roman de Conrad, Au cœur des ténèbres, par le tout nouveau "Hauptregisseur" de la vénérable institution berlinoise Andreas Kriegenburg. C'est cette pièce qui a ouvert la saison du DT, c'est cette pièce qui devait marquer la nouvelle Hamburg touch, puisque Kriegenburg est venu sous la houlette de l'ancien directeur du Thalia Ulrich Khuon, aujourd'hui Intendant du Deutsches Theater. Autant dire que l'accueil berlinois a été froid. Le mien également. Après le mythologique récit de Conrad, après le colossal Apocalypse Now, il fallait tenir la route. Ce fut plutôt une dé-route. Comme celle du SPD. Mais Berlin se reprend, et étire son week-end pour cause de fête nationale le 3 octobre, ou plus exactement de fête de la réunification. Mon GPS à bons plans a repéré de quoi suroccuper les quatre jours à venir : une fête géante avec le Royal de Luxe, Shannon Wright au Magnet, la première du Woyzeck de Robert Wilson/Tom Waits/Kathleen Brennan mis en scène par la jeune Jorinde Dröse au Deutsches Theater, le décapant Dritte Generation pour grincer des dents à la Schaubühne, Le wall de Pink Floyd transformé en road-theater dans Berlin aux Sophiensaele, René Pollesch et sa Ruhr Trilogie à la Volksbühne, le Vent du nord qui souffle sur le Hebbel am Ufer, Prejlocaj qui revisite Blanche Neige au Deutsche Oper, l'ouverture avec Rachid Taha du Francophonic Festival à la Kesselhaus, l'expo Modell Bauhaus qui ferme ses portes dimanche, Pélléas et Mélisande de Debussy joué au Neuköllner Oper. N'en jetez plus, et pourtant.... Il y a tellement d'autres choses. Voilà ce que j'ai déjà vu les jours derniers, et que je conseille, ou non.. J'ai revu le Dritte Generation de Yael Ronen, metteure en scène israélienne, et je ne le regrette pas. Courez voir cette thérapie de groupe judéo-palestino-allemande, qui ne laisse pas le public de côté. Ca dérange, ça grince, ça soulage. Mais j'en avais déjà parlé là. C'est jusqu'au 4 octobre tous les soirs à 21h, à la Schaubühne.Hier soir, Angelin Prejlocaj m'a émerveillée avec son Blanche Neige (Schneewitchen en allemand) donné au deutsche Oper. Pourtant le premier quart d'heure m'a fait craindre le pire. Il a voulu se frotter au ballet classique, et malgré une introduction envelopée de sobre noirceur, les scènes de cour avec roi/princesse, courtisans et pirouettes semblait ramener à une époque révolue. Mais heureusement pour le conte, Blanche Neige quitte le chateau, et Prejlocaj les convenances.Les décors imaginés sont à couper le souffle, cette forêt sombre où filtrent quelques rais de lumière, ce tronc d'arbre dont les cavités autorisent à la plus époustouflante des scènes aériennes.Il travaille avec des danseurs classiques et respecte ça, tout en apportant sa touche, et en profitant des budgets faramineux pour nous éblouir à coups d'illusions, de décors magnifiques. Les costumes signés Jean-paul Gaultier sont à la hauteur à part cette pauvre Blanche Neige qui se retrouve drapée dans un string-pagne sans grâce. Prejlocaj respecte aussi à la lettre le conte des frères Grimm, c'est narratif, on se rend compte que finalement on connait l'histoire par coeur. Mais pour parler danse, les danseurs sortent de leur carcans, les pirouettes s'effrondrent par terre. Ce pas de deux avec une morte entre le prince et Blanche Neige est le point d'orgue de cette alliance entre la virtuosité des danseurs et l'identité forte de Prejlocaj. Il y a cependant cette musique souvent trop forte, mal équilibrée, dont on comprend mal pourquoi elle n'a pas été jouée en direct par un orchestre. Beatrice Knop qui danse la mârâtre set fabuleuse sculptée dans la robe sexy de Gaultier. C'est elle qui rompt magnifiquement le charme dans un dernier solo endiablé. A voir le 2 octobre au Deutsche Oper, 19h30.
J'en reviens à ma petite déception de la semaine : Herz der Finsternis. Andreas Kriegenburg fait le choix de laisser parler le texte, l'adaptation comporte très peu de dialogue, beaucoup de récitations, de préférence en chorale. Un dire-ensemble qui s'avère poussif, artificiel. On perd alors de vue la chair du roman, son incroyable noirceur, son aura mythologique. Il y a pourtant de très belles images façonnées là, comme ces six marionnettes géantes, squelettes noirs faméliques, symboles d'une Afrique pillée, ou ces trois murs blancs "psychiatriques" où la raison n'a plus cours. Mais la troupe des sept acteurs semble engluée dans le texte presque autant qu'elle est dans la glaise qui recouvre corps et visages. Le personnage de Kurtz n'a pas assez de charisme ni de mystère, Marlow demeure désespérément seul malgré les six voix qui le portent dans son voyage au bout de l'enfer. Au Deutsches Theater, c'est plutôt la première de Woyzeck demain soir qui retient mon attention. Le concept est de Robert Wilson, les chansons ont été écrites et composées par Tom Waits et sa compagne Kathleen Brennan et la pièce montée en 2000 au Berliner Ensemble. Aujourd'hui c'est la jeune Jorinde Dröse qui s'y frotte pour sa première pièce au Deutsches Theater. Le rock trouble de Tom Waits pour revoir la pièce inachevée de Büchner. Ca devrait valoir le coup. J'allais oublier, le DT ouvre ses portes, ses coulisses, ses salles de répétition aux visiteurs le 4 octobre à partir de 14h. On devrait pouvoir y croiser comédiens, metteurs en scène et techniciens. Woyzeck première le 2 octobre au DT, Herz der Finsternis, le 7, le 13 et le 17 octobre.
Découverte réjouissante la semaine dernière au Heimathafen de Neukölln, un tout jeune théâtre géré par une troupe qui a décidé de faire une scène locale, innovante et en même temps attachée à son quartier. Samedi soir la salle était encore pleine à craquer pour la pièce à succès de cette petite scène, Arabboy. Une adaptation du roman-docu de Güner Balci, travailleuse sociale de Neukölln. Dans ce scarface à la sauce berlinoise, un petit malfrat d'origine kurdo-palestinienne, y traine son désoeuvrement avant de basculer du côté sombre : proxénétisme, viol, vols, trafic, prison. La trame en elle-même n'a rien de très original, penche parfois même dans le cliché même si elle a le mérite de poser un regard froid et sans psychologie sur cette histoire personnelle dramatique. La metteure en scène Nicole Oder s'en tire avec intelligence, choisit d'accélérer toujours plus le rythme, sans jamais qu'on reprenne son souffle. Cela aurait été impossible sans la prestation époustouflante des acteurs. Un trio explosif : le héros joué par le tout jeune Hüseyin Ekici, 18 ans, tout en énergie et en puissance, et deux électrons sensationnels qui endossent pas moins de 17 rôles annexes. Inka Löwendorf et Sinan Al-Kuri font de cette pièce un moment exceptionnel, où jamais la tension ne retombe malgré un décor réduit au strict minimum et aucune sortie de scène. Inka Löwendorf joue les caméléons sans transition entre un petit malfrat qui vit dans l'ombre du copain grande gueule, une mère voilée dépassée par la violence de son fils, une juge pour mineurs à mille lieux des réalités du quartier, une jeune fille violée, une midinette fleur bleue, un vieux réparateur de chaises au parler berlinois. Dans ce jeu de métamorphose elle nous étourdit, gardant elle toujours le cap. Ce week-end pas de représentations d'Arabboy, le Heimat Hafen se consacre à un festival de slam, et Inka Löwendorf, entrée dans la troupe de la Volksbühne, joue dans Der Bauch, de Kurt Bartsch, une comédie familiale made in DDR que je n'ai pas encore vue mais qui semble faire le régal des critiques (et ça n'est pas si fréquent à la Volksbühne). Pour René Pollesch et sa Ruhr Trilogie, dont la Teil 2 est à voir en ce moment dans le théâtre de Castorf, on y reviendra plus tard, mais à conseiller aux passionnés de cabaret post-industriel.
Pour ce que je n'ai pas vu, mais que je conseille : la balade en bus sur les traces du mur et de Pink Floyd au nom interminable 400asa Sektion Nord Der Sumpf. Europa Stunde Null programmée jusqu'à samedi par la Sophiensaele, le Nordwind festival accueilli par le Hebbel am Ufer où théâtre, danse, installations, performances, concerts venus des pays du Nord se déclineront à la Hau 1, 2 et 3 jusqu'au 9 octobre. Rachid Taha vient ouvrir le Francophonic Festival avec un concert ce soir à la Kesselhaus. Jusqu'au 18 octobre on y verra aussi Peter Van Poehl, Oshen, Mansfield Tya, Sebastien Schuller ou Stuck in the Sound.
S'il reste du coeur et de l'énergie dimanche soir la sombre Shannon Wright sera au Magnet pour un concert intime. Je ne garde pas un souvenir indélébile de son passage à Bordeaux il y a deux ans, trop timide, trop effacée derrière sa grande frange mais la voix ferait frissonner n'importe qui. Pas non plus encore écouté son dernier album Honeybee girls qui vient de sortir, mais Flight safety et Let in the light sont des petits bijoux.

Die Riesen kommen (1) - Le Royal de Luxe arrive à pas de géants dans Berlin

2009-09-30T03:10:00.000-07:00

C'était au Havre, il y a trois ans. Sans savoir à quoi m'attendre j'étais là dans les rues, comme tout le monde, il faisait un peu froid, c'était en octobre je crois bien. J'attendais un éléphant, une petite fille partie aux Indes, une parade géante. Je me disais ce bain de foule vaut-il vraiment le coup? Que reste t-il de la poésie lorsqu'au milieu de dizaines de milliers de badauds on tente d'apercevoir quelque chose du haut de son mètre 60. Et puis, si, il a suffi d'un seul battement de cils de cette enfant géante de 7 mètres, d'une tête qui se penche tendrement, d'un envol de sa jupe au-dessus des barres de béton du Havre, pour que la magie opère. La petite fille se couchait dans son lit démesuré. Cérémonie intime transportée là, dehors, en plein vent, devant des milliers de gens. C'est pour ça que demain, j'y serai à la première heure, sur cette Schlossplatz encore joliment vide et que j'attendrai qu'ils arrivent, les géants. Il y pourtant quelques agacements devant cette arrivée si médiatisée, si marketisée. "Die Riesen kommen" annoncent depuis des semaines des affiches partout dans la ville. Et alors le Royal où sont vos beaux idéaux lorsque votre parcours vous mène devant la fenêtre des édiles - Klaus Wowereit n'a pas manqué d'inviter Frédéric Mitterrand à regarder la parade depuis le Rathaus-, lorsque vous renoncez aux quartiers populaires pour vous balader dans un Berlin touristique, historique, vide, commercial, où est votre joli grain de folie lorsque l'agence de communication de l'événement twitte, facebooke, tchatte juqu'à écoeurement, propose des séjours "package" train+hôtel, convoque un concours de photo, vend du voyage en bateau sur la Spree, rameute Total et Mercedes pour payer la note (1,6 millions d'euros, zu teuer pour la trop pauvre Berlin) et même un boulanger intéressé qui distribuera 1000 petits pains aux premiers badauds pour lequel l'agence sus-mentionnée convoquait la presse lundi à une séance photo. On n'est pas loin de la caravane du tour de France... Alors, oui, tout ça est gratuit, tout ça est magique, tout ça a de l'allure. On vous invite, vous compagnie française, pour que les Allemands se retrouvent autour de leur fête nationale, et des 20 ans de la chute du mur. Devant la porte de Brandebourg vous allez rejouer les retrouvailles Est-Ouest, devant la mairie vous allez redistribuer des lettres confisquées par la Stasi. De la grande histoire, des pleurs en perspective, de l'émotion à brader. Mais à cette conférence de presse hors normes dans les vieux hangars de Tempelhof Monsieur Courcoult vous n'aviez pas l'air si à l'aise. Vous vous cachiez derrière vos éclats de rire et vos lunettes orange trop grandes. Que les patrons de Total et Mercedes aient fait de beaux discours sur votre art si populaire, vous a même fait rire. Vous vous en fichez bien vous, parce que vous savez qu'à la fin, vous mettrez tout le monde d'accord, que finalement tout ce tintamarre n'aura fait que passer au-dessus de votre tête. Que tout le monde aura le regard qui brille en regardant ces marionnettes géantes si belles. Vous vous en fichez par ce que vous êtes le seul à savoir faire ça, à penser encore l'événement populaire avec de la poésie. Et moi la première j'y serai, les quatre jours, pour y assister encore une fois. Mais peut-être regretterai-je le décor du Havre, l'ambiance dans les bistrots débordant de bière et de chocolat chaud à la tombée de la nuit, toute une ville qui était venue là pour vous voir, sans avoir besoin d'y être convoquée par facebook.

Le royal de luxe joue "Le retour à Berlin" avec ses deux marionnettes géantes du 1er au 4 octobre, de l'Alexanderplatz à la porte de Brandebourg, de Gendarmenmarkt à la Siegesaüle. Plus d'infos sur le site du petit Journal Berlin.

La Wee dance company fête ses 10 ans au Tacheles

2009-09-21T02:00:00.000-07:00

Ils ont l'air sorti d'un autre temps ces danseurs avec leur chapeau melon, leur costume gris, leurs pas calés les uns sur les autres. Un peu poètes, un peu ringards, un peu modern jazz, un peu acrobates. Ils appartiennent tous à la Wee dance compagny qui fête ses 10 ans au Tacheles, le touristico-squat de Mitte. Jusqu'au 11 octobre ils y rejouent leurs pièces anciennes et présentent leur dernière création Schwarz, ohne Zucker. Elle jure cette compagnie dans le paysage contemporain berlinois. Loin des grandes fresques épurées de Sasha Waltz, des expérimentations du Dock 11, des hybridations des Sophiensaele, du grand spectacle à la Constanza Macras, la Wee dance company semble avoir gardé un esprit 80s modernjazz, où les mouvements s'exécutent encore ensemble, les solos sont des tour de force. Autant le dire tout de suite, ce There is Time vu mi-septembre au Tacheles ne m'a pas beaucoup touchée. L'ensemble - 6 danseurs sur scène - est bancal, les interprètes manquent de personnalité, les pas de deux ou de trois se répètent avec ennui. La Wee dance Cie a toujours revendiqué cette place "d'enfant terrible" selon le communiqué de presse - je dirais plutôt sage- , mais effectivement à contre-courant de ce qui se fait à Berlin. Comme son nom l'indique There is time, pièce créée en 2005, explore la notion du temps. Les horloges, les moments de la journée, le passé, le futur, enfin tout ça nous est asséné à grands coups d'allusions pas fines, et de vidéos naïves, pour ne pas dire un brin gnan-gnan. La compagnie se revendique "poétique", et il y en avait effectivement dans quelques images et la belle mise en lumière. Ce duo accroché au plafond, qui balance au-dessus de nos têtes, cette femme seule sous une douche de sable, ce duo qui joue avec un ballon baudruche. Les moments les plus forts sont ceux où enfin le danseur se dévoile, accepte enfin de donner chair à son personnage plutôt que réciter des pas appris et répétés en groupe. Dan Pelleg et Marko E.Weigert sont les deux chorégraphes. Ce soir-là ils sont aussi sur scène, pas plus émouvants que les autres. Cependant la salle était bien belle, au premier étage du Tacheles, avec ses murs bruts et ses plafonds si hauts. Manque de bol, le Zapata juste en dessous a commencé son concert avant la fin de la pièce. Mauvais rock comme bande de son sourde là où There is time tentait la délicatesse. C'est aussi ça, jouer dans des vieux squats.

La Wee dance company présentera Schmetterlingsdefekt du 25 au 27 septembre et Schwarz ohne Zucker du 1er au 11 octobre.

Vivienne Newport sous la nef de béton du Trésor

2009-09-17T01:50:00.000-07:00

Avec “Fragments of time still passing” la chorégraphe Vivienne Newport convoque les esprits du passé berlinois dans un lieu extraordinaire. Pour y arriver on contourne les locaux de Vatenfall, on arrive sur le parking du Trésor, temple techno berlinois. Mais au lieu de descendre, on reste au rez-de chaussée. Et nous voilà dans un hangar désaffecté, nu, brut. Ce théâtre est vertigineux. 22 000 m2 de béton sans fenêtre, cathédrale aveugle sur trois étages, à l’abandon depuis la construction du mur. C’est le décor qu’a choisi la chorégraphe d’origine anglaise Vivienne Newport, ex-danseuse solo de Pina Bausch, pour raconter un pan de l’histoire berlinoise et faire évoluer ses cinq danseurs. “Nous cherchons en nous ce qui peut surgir du passé” explique t-elle. Le passé, il suinte par tous les murs de ce lieu jamais terminé. A deux pas de la Spree, le hangar avait un destin industriel qui s’est arrêté net en 1961 avec la construction du mur de Berlin à quelques mètres de là. Aujourd’hui les vibrations du Trésor, club techno légendaire, résonnent dans la cave en-dessous.La pièce s’ouvre sur un dialogue suspendu. De chaque côté du hangar, une femme et un homme se font face sur deux balcons de béton. Il lui raconte son rituel matinal, elle lui répond “bêtises”. Au rez-de chaussée les autres danseurs s’éparpillent dans des flaques lumineuses. Fragments of a time stil passing se regarde debout autour de trois hommes et cinq femmes se heurtant à un décor gigantesque, indomptable. Sous l’énorme lune baudruche, les spectateurs s’avancent, circulent autour d’eux, se laissent guider par les lumières qui tronçonnent cette scène démesurée. Les regards embrassent l’espace, cherchent d’où viennent les voix, où bougent les corps. Pendant les deux heures de ce parcours industriel, Vivienne Newport ne cessera de composer et recomposer des tableaux basculant entre vies ordinaires et réminiscence de l’histoire. Dans leurs micros les danseurs lancent des bribes de conversation sur la maternité, les relations de couple, la jalousie, le travail. Puis par touches abstraites convoquent la grande histoire. Il y a cette scène bipolaire où les phrases résonnent sans conviction : “Je suis communiste parce que” lancent les uns, “Je suis capitaliste parce que”. Puis cette longue procession où chacun fredonne un refrain de l’année 1961. Tout à coup la transe techno qui résonne ici presque tous les soirs rattrape le passé. Le son explose et les danseurs abandonnent leurs corps sur les rythmes métalliques, défoulement sans contact, froideur et démence. Il se dégage de ce ballet étrange une incroyable énergie. Les danseurs - avec une mention spéciale au troublant Douglas Bateman - tous expérimentés, évoluent avec puissance dans ce décor inhumain. Vivienne Newport semble ne pas les diriger. En chef d’orchestre, elle trace des lignes, conduit les échanges, supervise les déplacements. Le reste appartient à chacun. Chaque danseur semble désespérément chercher sa place. Finalement, dans ce cube de béton aux dimensions si écrasantes, c’est dans leur confrontation aux autres et au milieu de la ronde du public qu’ils la trouvent.

At.Tension festival : théâtre de rue sur piste d'aéroport soviétique

2009-09-14T10:16:00.000-07:00

Le week-end dernier l'ancien aérodrome de Lärz, vers le lac de Müritz, à deux heures de Berlin, accueillait le At.Tension festival, troisième édition. Pour ceux qui connaissent le furieux Fusion festival, ça se passe au même endroit, en beaucoup plus calme. Quelques milliers de personnes, une quarantaine de compagnies venues du monde entier et un sacré site où les scènes se cachent sous des bunkers où les piste d'atterissages servent de décor extérieur. Plaisir d'une programmation pas trop chargée. Si on reste trois jours, tout est à peu près visible. Au gré des hangars, des bunkers et des spectacles en extérieur on a pu voir du drôle, du poétique, de la danse et du cirque, du rue et du plus intime. Mention spéciale à la Banda venue d'Espagne et l'absurde et hilarant spectacle Invisibles.
Est-ce l'heure tardive à laquelle on y a assisté (après quelques bières...) qui nous a fait tant rire? Va savoir, mais avec trois fois rien, les deux compères manient avec brio l'art du oneman show, du travestissement et du non-sens. Parce que cette histoire de personnages invisibles n'est qu'un prétexte à multiplier les scènes. La vidéo sert de décor. Le compère Xavi qui ne dit pas un mot, saute d'une tenue de tennisman à une moustache bollywood. C'est potache mais terriblement bien maitrisé.
Autre compagnie espagnole Senza Tempo. On les retrouve en extérieur avec pour décor une caravane, un bar et la nuit qui emporte les personnages dans un espace temps irréel. Les ailes de l'ange sur la caravane, l'actrice nostalgique en tutu, les errances nocturnes dans un espace clos, autant d'images qui nous ramènent aux ailes du Désir de Wenders. Les personnages sont outranciers, les chorégraphies chargées d'électricité sexuelle. Les images projetées sur la carlingue construisent des ambiances magiques qui constrastent avec l'ivresse pathétique de la nuit qui n'en finit pas. Du Tanztheater à la Pina, sans la virtuosité des danseurs. Mais il y a une énergie pétillante et une ambiance cinématographique très belle là-dedans.Dans un tout autre genre "Pandora Frequenz" joue la carte de l'abstraction et du conceptuel dans un solo magnifiquement porté par Antje Töpfer. Elle est grande blonde, avec des grandes épaules. Femme puissante et carrée, au visage obstiné. Elle déroule un spectacle de boites de pandorre en corps fragmenté. Son "körperkollage" prend tout son temps. La bande son lancée en direct est majestueuse. Choix audacieux du festival de présenter en théâtre de rue une œuvre aussi difficile et exigeante.
A peine sortis c'est d'ailleurs l'ambiance cirque forain qui nous accueille avec les français des Humains gauche. Caravane toujours mais nez de clowns et autodérision pour le spectacle "Il pleut dans l'omelette". L'actrice fait des efforts pour parler allemand et anglais (très mal), et moi ça me fait rire un peu plus. Il y est question d'un chef de troupe bête et méchant et de pieds nickelés pour acrobates, parmi eux Moumoute, la seule femme du spectacle, le bouc émissaire. L'humour troisième degré très politiquement incorrect (le gros méchant pointe les enfants du public avec son flingue en plastique, rabaisse sa femme à longueur de temps et la traine par les cheveux) ne semble pas correspondre à l'humour allemand. Un remix des Deschiens qui auraient croisé Kusturica, bien huilé, bien géré.
L'univers des Ton & Kirschen m'a touché aussi, de cette grâce un peu bricolée. Les membres de la troupe manipulent toutes les langues, recourent aux instruments et machineries un peu de bric et de broc, c'est d'une jolie poésie à l'ancienne. Déception par contre avec le théâtre de masque de la Cie toulousaine Ceux qui ne marchent pas sur les fourmis. Gageure de résumer la guerre d'Espagne en un peu plus d'une heure. Sur scène, l'histoire se déroule comme prévu, sans accroche, sans grandes idées fortes. On s'ennuie, on s'agace d'une bande son qui ne fait que renforcer le trait déjà gros. Les masques sont beaux, c'est déjà ça.

La vieille dame et les plages - Agnès Varda à Berlin

2009-09-04T08:32:00.000-07:00

Avec un peu de retard sur la France, sort la semaine prochaine sur les écrans allemands le docu-autobiographique de la cinéaste octogénaire. Agnès y raconte Varda. Loin de toute auto-célébration, la cinéaste signe avec “Les plages d’Agnès” un documentaire fantaisiste et touchant. 60 ans de vie artistique tracée dans le sillon de la Nouvelle vague, entre la mer du Nord, le port de Sète et la rue Daguerre. A l’occasion de la sortie du film, le cinéma Arsenal lui consacre une rétrospective exhaustive jusqu’à la fin du mois. Et accueille Agnès Varda ce soir, demain et dimanche à la fin des projections qui lui seront consacrées (Les plages d'Agnès ce soir, Pointe Rouge et Cléo de 5 à 7 demain, Documenteur et sans toit ni loi dimanche). Courez-y! “Peut-on reconstituer quelqu’un?” s’interroge Varda à l’aube de ses 80 balais. Oui, mais façon puzzle alors. Dans “Les plages d’Agnès” (“Die Strände von Agnès”), qui a reçu le César du meilleur documentaire, la cinéaste (Cléo de 5 à 7, Les glaneurs et la glaneuse, Sans toit ni loi...) se lance à sa propre poursuite, suivant les méandres d’une mémoire diffractée et vagabonde.Les plages servent de fil d’Ariane pour remonter la mémoire. Depuis celles de l’enfance, en Belgique, jusqu’aux plages de Noirmoutiers qu’elle a tant arpentées avec Demy, en passant par celles de Sète ou de la Californie période hippie. Son film débute ainsi, face à la mer et cheveux au vent mauvais du Nord. Sur le sable elle installe des dizaines de miroirs où son image se reflète, une fois, deux fois, dix fois, toujours changeante. Tel cette boule à facettes, son film dessine le parcours d’une femme de son siècle trop à l’étroit dans les cases, tour à tour féministe, photographe, cinéaste, documentariste, amoureuse des gens et de l’art. Née Arlette, dans une maison bourgeoise de Bruxelles, elle débarque dans le port de Sète, pendant la guerre, avec un bateau pour maison. A 18 ans, elle se rebaptise Agnès. Deuxième vie de voyageuse et photographe, d’étudiante en arts et de pêcheuse en mer, de cinéaste enfin. Agnès Varda sera de la Nouvelle vague et du cinéma d’auteur aux côtés de Godard, Truffaut, et Demy, le compagnon de toujours. Pour reconstituer le fil de sa mémoire qui ne flanche toujours pas, Varda déploie toute sa palette artistique. Collage, photographie, peinture, bricolent l’échafaudage d’une vie passée à explorer les genres et les formes, à côtoyer les petites gens et les artistes. Sur ces plages mémorielles on croise des marins et Jim Morrisson, les commerçants de la rue Daguerre et Godard, les veuves de Noirmoutiers et Gérard Philippe, ses enfants et ses chats. La balade se veut fantaisiste, tracée au gré des associations d’idées et des jeux de mots et nous jubilons à l’idée d’être embarqués dans la barque de cette vieille dame curieuse et fantasque qui n’a plus le cœur à se prendre au sérieux. Depuis le ventre d’une baleine géante reconstituée sur une plage de Sète, elle nous raconte ses rêves en technicolor. Tiens la voilà en bateau de pêche sur la Seine, devant la tour Eiffel. Puis au milieu de trapézistes plagistes. Ou à parler avec un Chris Marker transformé en chat de dessin animé. Pas encline à la nostalgie, elle évoque pourtant la douleur de vivre entourée de tant de morts. Demy, bien sûr, mais aussi, Jean Vilar, Truffaut, Noiret, Gérard Philippe. Varda verse une larme sur eux mais reprend vite le cours de ses facéties. La voilà qui encombre le 14e arrondissement de sable. Sur les pavés, la plage! Agnès s’amuse et nous réjouit. On sort de son film attendri et joyeux en se promettant d’aller arpenter son œuvre, comme on a si joliment feuilleté sa vie.
Jusqu'à la fin du mois 40 films, courts, longs, docus, vidéos.... Toute l'oeuvre de Varda à voir à l'Arsenal, au rez-de-chaussée du Musée du film, au Sony Center.

TANZ IM AUGUST Anne Teresa de Keersmaeker, too long Song

2009-08-30T11:00:00.000-07:00

Il y avait des airs de kermesse version Fame aux alentours de minuit au Palais de Podewill. Dans un concert-cabaret exhutoire, les huit danseurs de la Cie Rosas chantent enfin toute la musique muette de The Song, la pièce d'Anne Teresa de Keersmaeker, présentée trois soirs au festival. Elle est là d'ailleurs The chorégraphe belge au planning booké jusqu'en 2011. Saviez-vous qu'elle pouvait tirer trois sons d'une clarinette? Et improviser des "choré" sur des standards des Beatles? Qu'elle pouvait se tordre de rire face aux facéties de ses danseurs qui se lâchent enfin après trois jours de représentation? Nous aussi on rit, pris dans ce tourbillon potache débordant de vitalité. Au bout d'une heure de ce cabaret presque improvisé, on se rend à l'évidence : ces beaux mâles savent tout faire - chanter, jouer, danser - et surtout maitriser les ficelles du SPECTACLE, oserais-je du DIVERTISSEMENT. Ahhhhhh, l'affreux mot est lâché. Et pourtant si, si. Regardez, le public survolté en redemande. Le danseur-pianiste ne veut plus lâcher son numéro de Jerry Lee Lewis. Sur scène on s'avale bière sur bière dans une attitude très rock'n roll. Visiblement heureux. Oubliés les soupirs impatients, les portes qui claquent et les applaudissements timides à la fin de leur première "Song", celle qui a duré plus de deux heures sur la scène du Hebbel am Ufer. Berlin pas plus que Paris n'a goûté la nouvelle pièce d'Anne Teresa de Keersmaeker, du moins pas sur sa longueur. Trois fois on a cru à la fin de la pièce, trois fois les danseurs sont réapparus, relancés une fois de plus dans leur interminable ballet. On avait vu tant de fins possibles. Quand l'unique élément de décor, grand folio d'alu, tombe sur le sol dans un bruissement léger, quand les danseurs usent leur énergie sur un Helter Skelter hurlé dans les enceintes. Mais non, pas encore, pas tout de suite. Vous avez envie que cela cesse, vous croyez vraiment que j'ai déjà tout dit, alors je vais prendre un plaisir cruel à prolonger votre impatience, bande de spectateurs ignards qui ne comprenez rien à mon propos, semble nous dire la chorégraphe. Qu'on s'entende bien, ce n'est sûrement pas là son propos, mais c'est ce que cette fin à rebondissements laisse comme goût. Rallonger, énerver, prolonger un état qui n'avance plus depuis longtemps, est-ce cela de la radicalité? Elle n'avait pourtant pas besoin de nous convaincre de la beauté de sa danse Anne Teresa. On est tout acquis à la précision fluide, à la beauté des courbes des déplacements, à l'énergie de ce bel ensemble très mâle (l'unique danseuse femme, Eleanor Bauer est absente, blessée). Chaque danseur est incroyable, tous ensemble ils sont magnifiques. Comme à son habitude la chorégraphe parvient à faire ressortir huit individualités fortes tout en les rendant indispensables à l'harmonie du tout. Dans cette Chanson des corps, Anne Teresa de Keersmaeker a renoncé à la musique, si présente dans le reste de son œuvre, mais pas son univers si bien agencé. Ordre physicien, précision mathématique d'une mise en espace des corps comme autant d'électrons libres mais rattachés à leur noyau. Jamais rien de s'arrête, ou presque, la course comme respiration, le cercle comme figure, la cassure comme rythmique. Tour à tour ces mecs s'observent, s'interrompent, se bousculent, trouvent enfin leur place dans le miroir des autres. Une femme gravite autour d'eux. Céline Bernard, bruiteuse, qui double avec une chaussure, un frottement, un tissu, les impacts au sol. La danse est musique. A moins que cela ne soit l'inverse. ATK semble hypnothisée par son propre univers, à la recherche d'un mouvement perpétuel qui pourrait ne jamais s'arrêter... Et qui finit par tourner en rond. Anne Teresa de Keersmaeker a oublié de tisser une trame à son bel échafaudage. Sans dramaturgie, sans grande suprise - on ne peut pas dire que son langage chorégraphique se renouvelle -, sa pièce se disloque dans un flot de lumières blafardes, grises, froides dont on voudrait bien s'échapper. Sa chanson bégaie. Le disque Rosas est rayé.

TANZ IM AUGUST Le Cri sidéral de Nacera Belaza

2009-08-26T00:36:00.000-07:00

© Laurent Philippe/
Jusque là le festival m'avait donné à voir des œuvres apaisées, joyeuses, virtoses, même légères. Les soeurs Belaza m'ont envoyé dans une autre dimension avec leur Cri tendu et profond. Leur pièce rayonne de leur énergie rentrée, se propage, rebondit avec une incroyable force muette entêtée. Deux derviches non-tourneuses, icônes intemporelles en jogging qui bouleversent tout d'un balancement de bras."Le cri" s'ouvre dans la pénombre sur une scène vide. On distingue petit à petit les corps de Nacera et Dalila Belaza. Elles prennent leur temps, nous imprègnent d'un doux balancement pendulaire qui ne cessera jusqu'à la fin de la pièce. Elles prennent vraiment leur temps. La gestuelle renvoie à des rites anciens. Les corps des deux danseuses entrent en transe en même temps. Figures gémellaires et pourtant dissociées tant l'impulsion est intime. Un entre soi qui vire à la transe collective. Je ne peux plus les lâcher des yeux. Leurs bras m'hypnotisent, viennent puiser dans mon ventre un cri qui voudrait sortir. Et quelle rage quand enfin leurs pieds s'emballent! Mon esprit a décroché depuis longtemps, leur danse a fait le vide. Merde, c'est par les yeux que ça sort. Rien de triste, rien d'émotionnel. Juste une sensation d'être là, maintenant, en accord avec tout ce que je vois et j'entends : les vibrations de leurs bras, leur colère rentrée, les effluves de soul et d'opéra, de chant arabe et de jazz magistralement mixées dans un double écho. Et je me fous de votre religion, et je me fous de vos inspirations artistiques. Le contexte n'a que faire de ce cri-là. Simplement je l'entends. Il résonne en dedans, porté par l'envol de vos mains, l'inclinaison de vos cous, la luminosité presque douloureuse de vos visages. Le cri n'est une pièce ni épurée, ni ascétique comme cela a été écrit. Nacera Belaza semble juste avoir gommé le superflu, conservé l'essence, le profond. L'écriture chorégraphique a beau être résumée à ce simple balancement, le Cri en appelle à tous les autres arts pour créer un spectacle parfaitement équilibré. Rien n'a été laissé au hasard, ni les silences, ni les noirs. Merveilleux habillage de lumière qui joue des douches comme des rayons qui tombent d'un dôme oriental. Pour nous quitter, les deux soeurs nous laissent avec leurs images projetées sur grand écran. Comme pour couper le lien trop fort par lequel nous étions entrés en communion. Certains diront qu'il ne s'est pas passé grand chose pendant ces 50 minutes C'est vrai. Deux pieds ancrés au sol, deux corps grossièrement masqués par des tenues-uniformes. Et des bras qui balancent. Mais cette simplicité est allée au fond des choses. Et ça n'est pas si fréquent sur une scène.
Il est 21h, le hasard du calendrier du festival m'emmène dix minutes plus tard de l'autre côté du canalpour la pièce de Nicole Beutler. © Anja Beutler
Renversement de propos, opposition des styles. Adieu la sourde tension intérieure. Le sillon creusé dans mon ventre par les soeurs Belaza a du mal à digérer l'univers baroque et foutraque de Nicole Beutler et de sa chorégraphie-opéra. Cela avait pourtant bien commencé par une ouverture dans l'obscurité où s'élève un chant magnifique. Les feux rallumés, la douce introduction est mise à mal par la samba délirante des cinq danseurs. Les fous sont lâchés, étriqués dans leurs habits rococos, mi-cour de Versailles, mi-terrain de football. Entre poses sculpturales, transe rock et délires sexuels, Nicole Beutler nous parle de vie, de mort et de vitalité. Il y a de beaux moment dans ce "Lost is my quiet forever". Dans ce grand déballage d'absurde et de folie, Nicole Beutler joue parfaitement des forces et corps de ses danseurs : Pedro Inés fait preuve d'une générosité sans pareil, Nils Kuiters joue à merveille de son corps si long et si maigre, Carola Bärschtiger offre un magnifique numéro de pleureuse. Dommage que le parti pris baroque emmène Beutler sur des pentes parfois ringardes, dont le numéro solo du ténor Maurits Musch est un must.

TANZ IM AUGUST Daniel Linehan : derviche tchatcheur

2009-08-24T00:54:00.000-07:00

Dans un Podewill labyrinthique, les surprises émergent à tous les étages. Coeur du festival, le vieux Palais délaissé des alentours de l'Alex tombe les cartes des propositions les plus étranges/iconoclastes. Hier soir le bruit s'était propagé : "il faut aller voir ce jeune Daniel Linehan, il parait que c'est génial". Cédant à la rumeur, j'ai ajouté la performance pas prévue à mon programme. 35 minutes de tournis. Il a l'air d'un adolescent dans son jean/T-shirt blanc so new-yorkais (impossible de trouver son âge même en fouillant). La salle est pleine à craquer, je fais partie de ceux qui entourent la scène où le performer tourne tel un derviche. Mais là où les tourneurs cherchent la transe et l'abandon, Linehan reste dans le contrôle total. Tout démarre dans le silence. Il tourne très lentement sur lui-même, prend le temps de prendre possession de l'espace, du public. Son regard n'évite personne. Sa voix se lance en même temps qu'une bande enregistrée. Doublage résonnant. Il parle presque tout le temps. Dans un slam répétitif il nous explique "that is not about everything". Ceci n'est pas une thérapie, ceci n'est pas de l'endurance, ceci n'a rien à voir avec l'Irak, ceci n'a rien à voir avec l'Afghanistan, ceci n'a rien à voir avec moi.... Lente énumération négative, fourre-tout interrogatif qui s'auto-questionne sur le sens de la performance et du mouvement. D'une étonnante lucidité, drôle aussi parfois, ce tournis construit un espace circulaire et hypnotique. Les pieds de Daniel Linehan sont le centre du trou noir qui nous happe de sa force centrifuge. Ses mots montent s'échappent, son corps dessine des mouvements subtils. Et nous sommes bien obligés d'adhérer. L'énumération slamée, un peu facile, frôle la vacuité. (tout énumérer en négatif c'est tout dire et donc ne rien choisir). Daniel Linehan feint la posture du doute. "Je tourne pour éviter le regard des spectateurs" explique en substance le danseur. Mais il se dégage trop d'assurance créative de ce visage adolescent pour qu'on y croit. Nous sentons qu'il sait qu'il séduit. Fausse modestie pardonnée tant la vitalité est belle. Le derviche speaker s'arrête net à la fin du spectacle, sans avoir l'air phsyiquement affecté par son propre mouvement un peu fou. Nous par contre en avons encore le tournis. Il nous faut son signe de la main pour nous indiquer que c'est fini. Touché. Ceci est de la danse.
23h, Podewill n'a pas encore lâché tous ses trésors. Gérald Kurdian prend le micro pour un show intergalactique "1999", en franglais incredibly hilarant. Devant son piano bidouillé, il nous joue la partition d'une BO de film d'horreur de série b filmé en direct. The Menace des extraterrestres plane sur la terre. Leur cible : the house of the hero and his wife. The military base of the devil prépare the fight. A chaque scène Kurdian nous bidouille une chanson en homme orchestre multimédiatisé. Ratages assumés, cheap side of the rock. Un petit bijou de spectacle, arty mais pas chiant, bidouillé mais savant. Ses morceaux au piano tirent vers Lou Reed ou Bowie. Conteur gaffeur, improvisateur, le monsieur sort en plus un putain de chant juste, d'une voix qu'il module comme il le veut. Je ne peux que conseiller d'aller consulter ses dates de concert ici. Son disque c'est "this is the hello monster". Quant à moi, je vais peut-être récidiver ce soir mon errance podewillienne.

TANZ IM AUGUST 40 ans après, la géniale parade d'Anna Halprin

2009-08-22T10:18:00.000-07:00

Tanz im August aime à célébrer les chorégraphes américains new yorkais. Trisha Brown, 73 ans, était présente l'an dernier pour une admirable rétrospective de son œuvre. Cette année le festival recule encore d'une génération. Anna Halprin a 88 ans. Trisha Brown a été son élève, comme Simone Forti ou Yvonne Rainer (invitée de l'édition 2007 du festival). Née en 1920, Anna Halprin vit toujours et continue de créer, d'enseigner. Elle occupe une place à part dans la vague de chorégraphes new-yorckais. D'abord parce qu'elle a été pionnière. D'autre part parce qu'elle s'est rapidement mise en retrait des mouvements, écoles, chapelles et a fui New-York pour la Californie. Radicale, humaniste, elle est entrée dans la légende de la danse contemporaine. Sa pièce Parade and Changes, créée en 1965, fait partie du mythe. Interdite sur les scènes américaines pendant 25 ans, elle avait dynamité les codes de la danse et de la théatralité. De très jeunes danseurs s'y mettaient à nus, non dans une attitude provocante, mais dans un mouvement ancré dans les gestes du quotidien : marcher, s'habiller, se déshabiller, courir, se regarder. Parade libératrice tout autant que célébration collective, Parades and changes prenait pour ancrage chorégraphique les fameux Scores de la chorégraphe, autrement dit des partitions où l'idée du mouvement est lancé, mais pas son interprétation. Ainsi, chaque représentation devenait moment unique. Dans ce re-make, plus de quarante ans plus tard, la chorégraphe Anne Collod a respecté ces codes et scores, retravaillé sous la direction d'Anna Halprin, et avec le compositeur de la pièce d'origine Morton Subotnick. A la différence que les danseurs choisis n'ont plus l'insolence de leur 20 ans mais l'assurance et la sérénité d'artistes reconnus. Alain Buffard, Anne Collod et Boaz Barkan, avaient déjà travaillé avec la chorégraphe, les trois autres DD Dorvillier, chorégraphe et danseuse américaine, Vera Mantero, performeuse portugaise et Nino Bizarro danseur et chorégraphe portugais, sont des habitués des scènes. Toutes lumières dehors, la pièce commence par des "je me souviens" à la Pérec, à nos côtés, éparpillés dans la salle. Costume noir strict, veste blanche, l'habit est androgyne exprès. Déshabillage et rhabillage se font lentement, les yeux dans les yeux, avec le sourire. Comme s'ils désamorçaient toute gêne. Collod respecte l'héritage Halprin. Le quotidien nu, le corps en mouvement sans artifice, mais avec ce je ne sais quoi qui nous rappelle que nous sommes sur une scène. Un grand tissu blanc, flotte derrière telle une voile. Les danseurs le contournent, s'y cachent, réapparaissent. Parades joyeuses, énergiques, mouvement sur et hors la scène dont on entend les pas même lorsqu'ils ont disparu de notre champ de vision. La circulation n'oublie aucun recoin de la Hau 2. Même le décor nous arrive au-dessus de la tête. Le tissu blanc tombe tout à coup, la scène aussi se déhsabille. Les corps nus sont livrés là dans un espace tout noir. La lumière se fait jaune et voilà les danseurs recouverts de papier qu'ils déchirent. On ne distingue plus que des membres , des bras qui attrapent, des dents qui mordent, des mains qui pincent. Beauté saisissante d'un groupe en cohérence. La toute dernière parade sera celle ritualisée du déguisement. De tulle et de tubes, Vera Mantero se fait sorcière moderne. La tête de renard entre les seins lourds de DD Dorvilliers, une fourrure noire enserrant ses hanches, c'est une vision chamanique. Au jeu de cette cérémonie de travestissement, Alain Buffard porte le plus loin la tendance caméléon. Vertgineuse démarche sur escarpins rouges, pour finir en extraterrestre orange boiteux. Plus la scène s'étire, plus on se prend au jeu. Délice d'un rituel partagé, entre les danseurs et avec nous, spectateurs. Quand enfin les danseurs se défont de cette masse de vêtements devenue pesante c'est pour se grimer à même la peau. Retour au bleu, au vert, au rouge. Aux éléments primaires, à la sauvagerie de l'homme. Mais sur les ventres c'est parfois des sous-vêtements qu'on dessine... On ne sait dire ce qui provient de la partition première de la pièce, ce qui est re-visité. L'esprit des 60s est là, à travers la musique sucrée comme une madeleine des jours heureux des Beach Boys, l'absence de peur ou d'angoisse. Le visage de DD Dorvillier résume tout ça à lui seul. Un mélange de naïveté, d'épanouissement, de malice et de confiance. Le dialogue est ouvert, toujours, les danseurs n'assènent rien, ils se regardent, nous regardent, régénérant nos batteries, nous gonflant à l'optimisme. Anna Halprin appelait cette pièce "La cérémonie de confiance". Anne Collod est parvenue à retrouver cet esprit dans une époque qui s'y prête moins. Par quel miracle? Charme de l'original, génie de l'intemporel, beauté des images ou intelligence des interprètes? A bien y réfléchir "Parades and changes" nous vient bien d'une époque, celle des années 60 et du temps des possibles. Et il s'agit bien d'un miracle qu'en 2009 nous arrivent intacts ces corps nus, cette mise en scène du quotidien, exploités depuis lors jusqu'à écoeurement par la scène contemporaine. Rien de dénonciateur, rien de rabaché. Simplement une énergie collective, mêlée au plaisir et à l'innocence. Moi qui n'avait jamais rien vu d'Anna Halprin, j'ai également découvert le très beau documentaire de Andy Abrahams Wilson, consacré à la chorégraphe et ses performances en milieu naturel. A 80 ans, Hanna Alprin semble toujours en quête. Chrysalide prise dans le flot des vagues, momie blanche face au vent et au ciel, animal masqué lové dans le racines d'un arbre centenaire, elle multiplie les performances artistiques à la recherche d'une communion avec les éléments. Cette quête frappée de mysticisme ne tombe jamais dans le ridicule. Parce qu'elle est trop sincère et parce que ce corps octogénaire semble effectivement trouver sa place là entre terre et mer. Parfois ressurgissent les petits ronchonnements d'une vieille dame de plus de 80 ans. Le réalisateur a choisi de les laisser, parce qu'ils rendent compte d'un être enfantin, et vieux à la fois. Le DVD est en vente sur le site Books on the move d'Agnès Benoit-Nader, libraire-danseuse ambulante berlinoise.
Lire également la très belle critique et les photos de Jérôme Delatour parues l'an dernier sur le blog Images de danse.

TANZ IM AUGUST La belle humeur d'Eleanor Bauer

2009-08-21T08:47:00.000-07:00

Etre loin de Berlin, longtemps. Poser ses valises vite fait. Courir voir la danse. Ceci est un retour express, sans transit pour Tanz Im August 2009. Tant pis pour la première semaine, j'aurais pourtant aimé voir la Cie Salia Ni Seydou, Faustin Lunyekula... Ce soir impasse volontaire sur Chaignault/Bengoléa. Leurs Pâquerettes et sylphides, avec ou sans anus, m'ennuient déjà. Reste alors, quoi?
Eleanor Bauer à la Hau 3 dans un huis clos étouffant. Berlin caniculaire oppresse le public au 4e étage. "On stage" Femke Gyselinck et Manon Santkin suent à grosses gouttes sous leurs combinaisons intégrales dorées. Elle est belle leur énergie. Pas de blabla, pas de vidéo, de la danse et du geste. At large se joue avec le sourire, le leur, le nôtre. Avec en prime un petit livre joli qui nous attend sur le fauteuil et qu'on délaisse vite parce que trop long. Eliminés les mots, laissés sur le banc. Le sol noir ne recevra que les pieds de ces dames qui inventent devant nous le scratching. Petite leçon en vidéo ici. Manon Santkin a un visage lumineux, accrocheur. Premier pas les yeux dans le public, sourire aux lèvres. Cette vision grand large de la danse traverse les âges, réinvente le musichall, revisite les chassés et entrechats, esquisse un hip hop scratché. Avec ce pas qui impose aux pieds de ne jamais quitter le sol, les deux danseuses improvisent joyeusement. On croule sous les références et les clins d'oeil ce qui fait ricaner grassement dans les gradins. Eleanor Bauer a travaillé avec De Keersmaeker, Zambrano pour les plus connus mais aussi la jeune Mette Ingvartsen que l'on avait découvert l'an dernier dans ce même festivalet dont on retrouve ici le goût de la simplicité et de la générosité. Malheureusement ce "At large" use et abuse du 3e degré, ce qui nous laisse en dehors de la complexité de la quête (pour cette pièce la chorégraphe a utilisé internet, youtube, l'interview, l'écrit, a cherché l'interactivité). La fin s'étire, on souffre, on souffle. Peut-être est-ce du à l'absence de la troisième danseuse, Eleanor Bauer herself, absente du festival pour cause de blessure. Le duo est à la peine. Lorsque le rideau doré se retrouve à terre, il ne s'ouvre sur aucune surprise. Seulement du divertissement surchauffé (et sans éventail). Reste le sourire.

Un été culturel à Berlin

2009-07-05T02:23:00.000-07:00

J'ai toujours aimé les grandes villes l'été, quand le rythme ralentit, les jours rallongent et la culture prend le plein air. D'accord Berlin n'a pas vraiment besoin d'être "ralentie". C'est peut-être pour ça que les programmes culturels y sont moins suspendus qu'en France. Ici les théâtres rendent les clés mi-juillet et reprennent fin août. Rien à voir avec les tunnels estivaux français de 4 mois de long. Voici ce qui s'annonce dans les jours et semaines à venir à Berlin.
Encore un peu de théâtre
Les grandes insitutions prennent les vacances dans quelques jours. A la Schaubühne, reprise de Songe d'une nuit d'été (Sommernachttraüm) fruit d'une collaboration entre Ostermeier et l'explosive Constanza Macras qui d'ailleurs présentera sa nouvelle création sur cette même scène en janvier prochain "Megalopolis". A la Volksbühne grand marathon antique du 10 au 13 juillet dans l'amphithéatre construit devant le théâtre en rénovation. Prométhée par Gotscheff, Die Vögel ohne Grenzen par Savary, Médée par Castorf, Antigone et Elektra par Schroeter. Le Deutsches Theater annonce un "finale" en rejouant tous ses succès de la saison avant la fermeture estivale le 11 juillet. Comme d'habitude, la plupart des pièces affichent complet mais on peut toujours tenter sa chance le soir même pour aller voir "Qui a peur de Virginia Woolf" et "Oncle Vania" mis en scène par Jurgen Gösch, ou "Wildente - Les canards sauvages"et "Emilia Galotti" par Talheimer. Du théâtre il y en aura aussi tout l'été et en plein air dans les ruines de la Kloster abbaye, en plein Mitte. En alternance les Fourberies de Scapin et La Mouette. C'est gratuit. Le Theater forum Kreuzberg reste aussi ouvert tout l'été avec entre autres La résistible ascencion d'Arturo Ui de Brecht. On signalera aussi le F40 - English Theater aussi à Kreuzberg.
Musique non stop
C'est un peu faux, le rythme se ralentit pour les concerts dans les salles classiques mais foule de festivals, événements. 2e édition du Wassermusik Festival à la HKW, en bord de Spree. Cette année grand écart entre l'accordéon et la musique carribéenne. Omar Sosa, Lee Perry et Adrian Scherwood seront entre autres de la partie. Et surtout c'est pas cher (10 euros la journée+soirée). Le grand raout de Tempelhof jouera dans une autre catégorie. Le Berlin festival 2009 envahit l'ancien aéroport berlinois (une autre forme de squat) avec du gros : Doherty, Peaches, Digitalism, José Gonzales, Saint Etienne, the Rifles. Pas vraiment de l'alternatif. Ni du bon marché. 32 euros la soirée, 49 euros les deux jours, en prévente. Sur place, bien plus cher.
Moins rock, plus variété, la Citadelle de Spandau fait défiler tout l'été du grand show à très cher. Le 7 juillet Goran Bregovic et Shantel (40 euros), le lendemain Calexico et Lambchop (35 euros), Marianne Faithfull le 25 juillet.
La danse contemporaine
C'est peut-être là qu'on se repose le moins. La programmation continue un peu partout. Je vais la semaine prochaine voir "Les possédés" par la Cie Limnaois, à la Halle, Prenzlauer Berg. Dock 11 continue, notamment hors les murs avec une création de Nir de Wolff/Total Brutal "Action" à la nouvelle synagogue de Berlin du 11 au 18 juillet.En août il y aura le grand rendez-vous de Tanz im August (15 au 30 août) dont on reparlera dans ce blog.

Je n'aurai jamais vu danser Pina Bausch

2009-06-30T23:30:00.000-07:00

Pina Bausch s'est éteinte à l'âge de 68 ans. Sûrement la plus grande chorégraphe allemande. Ce matin Sasha Waltz lui écrit une lettre :
"Liebe Pina,
du warst die wichtigste Bezugsperson für so viele Tänzer, Choreographen, Regisseure, Bildende Künstler. Dein großes Herz und deine Neugier, deine tiefe Humanität, deine Offenheit hat Ausdruck gefunden in deiner Arbeit, deinen vielen unbeschreiblichen Stücken aber auch in den letzten Jahren in deinem „Fest mit Pina“, wo du uns alle an deinen Tisch geladen hast, mit dir das Leben und den Tanz in all seinen Schattierungen zu feiern.
Ich versuche meinen Kindern zu erklären, wer du bist und kann nur sagen: Sie ist die Mutter des modernen Tanzes in Deutschland.
Sasha"
"J'essaie d'expliquer à mes enfants qui tu es et je peux juste leur dire : elle est la mère de la danse moderne en Allemagne".

France culture publie un très bon dossier sur son site.

Je joins également un article de Vincent Dieutre, paru en 2008 dans les Lettres françaises et repris ce matin par l'Humanité. Il dit bien ce que représentait la danse de Pina Bausch et ce qu'elle était devenue aujourd'hui.

"Voilà, je l’ai reçu ! Le programme de la prochaine saison du Théâtre de la Ville et le formulaire d’abonnement sont arrivés, signalant doucement dans la boîte à lettres la fin du printemps. Comme chaque année depuis bientôt dix ans, je vais l’éplucher patiemment. Comme chaque année, je vais tout de même me dépêcher ; on ne sait jamais, d’autres pourraient me doubler et rafler la place tant attendue, celle pour laquelle on se donne tout ce mal, celle pour laquelle on ne préfère pas miser sur des complicités au bureau de presse, celle pour laquelle, finalement, on a commencé de s’abonner : la place pour le prochain spectacle de Pina Bausch qui immanquablement viendra couronner la saison, début juin et que, pour rien au monde, on ne raterait…
Mais cette année, un doute me saisit alors que je coche dans un geste quasi machinal, sans même avoir regardé ce que je choisirais parmi les dizaines d’autres spectacles proposés, la case Pina B. Oui, je ne sais finalement pas pourquoi j’y mets cette urgence fébrile, pourquoi je n’y regarde pas à deux fois. Une pensée me vient que je vous soumets comme elle arrive, en forme de méditation de rentrée…
Je ne m’étendrais pas sur le travail de Pina Bausch : on a déjà tant écrit dessus, ni ne tenterais un énième panégyrique d’une oeuvre « incontournable » (comme on disait au XXe siècle) ; non, ce qui me turlupine, c’est essayer de comprendre ce qui, quasiment trente ans après le cataclysme inaugural que fut pour moi la rencontre avec Nelken dans la cour d’Honneur du palais des Papes d’Avignon, résiste encore non seulement à l’oubli, l’érosion, l’affadissement, mais aussi et surtout à l’irruption d’autres figures, plus tranchantes, dans le champ de mes expériences esthétiques. Et ne croyez pas qu’il s’agisse là d’une préoccupation singulière ou d’une fidélité égoïste aux engouements d’un autre temps ; cette année encore, j’ai pu le constater en laissant vaquer mon regard sur les spectateurs présents lors de la dernière migration parisienne de printemps du gang de Wuppertal : tous sont comme moi, tous attendent le miracle imperturbablement, tous savent pourtant qu’ils n’en recueilleront plus que les échos fanés, tous pourtant seront encore là l’an prochain, et tous n’en retireront qu’une amère certitude : ça n’est plus ça… Mais…
Oui, je les regarde qui applaudissent mollement ou, comme moi, pas du tout. Chaque année, il s’en trouve bien quelques-uns (des nouveaux sûrement, ou des trop jeunes pour savoir…) qui se lèvent et hurlent d’enthousiasme, mais les printemps passant, ils se font plus rares, plus isolés et nous, les blessés, les observons avec envie. Comme à chaque fois Elle va venir saluer, sans conviction dorénavant : Elle aussi Elle sait… on dirait qu’Elle n’y croit plus et qu’Elle s’étonne de notre acharnement à être là, Elle qui y est si peu. Mais Elle le fait pour ces incroyables danseurs qu’Elle a amenés encore une fois à donner tout ce qu’ils ont d’énergie désespérée, malgré tout.
Quelquefois, on y a cru à nouveau : c’était reparti comme en soixante-quatorze. Mais une réalité s’impose : du mythique Tanztheater de Wuppertal des années 1975-1985 ne reste plus que ce grand déballage annuel en forme de revue éparse, dont, certes, quelques numéros continuent de déchirer l’âme et le ciel de la routine culturelle, mais dont chacun de nous devine qu’il n’est plus que l’ombre de lui-même. Il y a eu l’année où Elle a dansé pour la dernière fois (Danzon) et où je vis une salle entière en larmes, puis ce fut tout le noyau d’origine qui se retira progressivement, puis cette sorte de perfection formelle aphone et insistante, qui continue de se déliter somptueusement printemps après printemps, de résidences de travail (Palerme, Sao Paulo, Istanbul, etc.) en irruption anecdotique de nouvelles têtes (corps ?) surdouées.
Pina paie-t-elle le crime d’avoir touché trop profond le nerf de son temps, en une décade de surchauffe artistique où le Tanztheater aurait représenté par trop foncièrement le malaise d’un moment de l’Europe pour que l’intensité inouïe des expériences menées puisse s’installer dans le long terme de l’institution ? Déjà, alors qu’elle tournait Un jour, Pina m’a demandé en 1982, Chantal Akerman affirme avoir été quelque peu effrayée par l’incroyable puissance démiurgique du « système Pina » alors à son paroxysme, par sa terrible et évidente urgence… Je la comprends mieux aujourd’hui quand je constate que les simples bribes de cette urgence, traînant encore çà et là au détour des déceptions annuelles programmées, arrivent encore à nous secouer comme les répliques d’un séisme perdu. Faut-il y voir un « cas Pina Bausch » comme Nietzsche décrivait un Cas Wagner ? N’observe-t-on pas cette dimension déceptive chez tous les « grands » de la modernité (et, côté cinéma, chez le Godard d’après Passion) ? Faut-il savoir se départir un jour d’une oeuvre d’art total fondatrice et irrémédiable comme seul sait en générer l’art allemand ? D’où vient notre acharnement à la vouloir réanimer alors qu’elle gît là, sur la scène, sous perfusion, à peine agitée de spasmes déjà nostalgiques… Le pire étant que je ne suis pas très « danse »…
Vient-on payer une dette ? Non, c’est autre chose… Depuis longtemps, d’autres sont venus, Keersmaeker, Lauwers, Vandekeybus, renouveler le contingent des admirations folles. Mais ce que je dois à Pina, c’est bien plus que de m’avoir, à vingt ans, révélé le monde et la beauté des choses… C’est aussi et surtout, dans l’étourdissant succession des révélations de saison qui nous enivre tous, de revenir chaque année à l’orée de l’été faire état modestement de la douceur du retrait, d’en exposer sans reniement aucun l’ingrate subtilité. Peut-être se trouve-t-il là le secret de notre fidélité fiévreuse : nous tous, tapis dans le noir, n’attendons rien de cette création annuelle qu’on sait déjà moins forte que la précédente, avec l’inéluctable pertinence d’une marée basse. Mais si nous sommes là, sans acrimonie, à ne rien vouloir perdre de cet effacement, c’est que, cette année encore, Pina et les siens nous inviteront à maintenir le cap du « pourquoi ? » quand les « pourquoi pas ? » nous rongent, à nous remettre au diapason d’une certaine exigence pérenne souvent mise à mal par l’inflation des radicalités.
À l’année prochaine, si tout va bien : je viendrais encore prendre des nouvelles, pas toujours bonnes, de la défaite des corps et des villes traversées ; tendrement, j’en profiterai pour réapprendre de Pina et de sa lassitude entêtée à quelle hauteur je dois placer la barre. Il en va de ma vie.
Vincent Dieutre".

Three Spells - Damien Jalet anecdotique

2009-06-22T02:06:00.000-07:00

Damien Jalet c'est ce corps puissant, félin, ce mouvement explosif que j'avais remarqué dans "D'avant". Il est venu cette semaine présenter son triptyque "Three Spells". Bon j'avoue, c'est aussi le nom de Cherkaoui, en bas de l'afffiche qui m'a interpellé. "En collaboration avec" disaient-ils... J'y ai couru. La publicité n'était pas mensongère, juste un peu disproportionnée. Jalet n'a pas plus "zusammen arbeiter" avec Cherkaoui - qui a co-signé la chorégraphie du dernier duo -, qu'avec Alexandra Gilbert ou le metteur en sons Christian Fennesz. On n'a qu'à pas être aussi prompts au message marketing. Mea culpa...
Three Spells se danse donc à un, puis un, puis deux. D'un côté Alexandra Sanchez étonnante d'élasticité, femme poupée aux dimensions liliputiennes. De l'autre Damien Jalet, qui se fait danseur et chorégraphe. On y explore l'animalité des êtres, le fantastique, le mythe, la naissance et la mort. Et puis on s'y ennuie aussi. Le premier solo avait pourtant fixé une atmosphère tendue, une gestuelle étrange. Empêtrée dans une fourrure blanche (magnifique - le créateur Jun Takahashi est un magicien), une créature magique - Venus in fur - fait sa mue. La peau frémissante s'agite de mouvements grâcieux. La femme là-dessous aspire à la renaissance. Comme Athena sortie de la cuisse de Jupiter, la peau se déchire pour laisser apparaitre deux jambes nues écartées sur le monde. Enfantement spasmodique, déchirure magnifique. La femme est là fragile, voilée de noir. Sur des airs orientaux elle se relève, nue et voilée à la fois.
Tout aussi animal, le deuxième solo sent le mâle et la puissance. Mi-homme, mi-cerf, Jalet joue des cornes, s'ébroue dans des mouvements lourds et sauvages. Le danseur a trouvé incarnation à sa taille. Mais la mise en scène est affaiblie par son manque de précision Les jeux d'ombre chinoises sont beaucoup moins clairs que dans le premier tableau, les mouvements trop répétitifs, l'espace un peu vide, l'exploration veine. L'habillage sonore omniprésent souligne beaucoup trop cet état de nature. Autant le dire, la musique était insupportable, aussi prétentieuse que formatée. Le duo final achève cette impression de banalité. "Aleko" est un beau morceau dramatique, un mélange de civilisation poussée (celle du Japon, celle de la Russie de Pouchkine) et de sauvagerie. Alexandra Sanchez joue avec des faux cheveux démesurés. L'artifice est bien trouvé, mais ne nous parle de rien d'autre. Elle s'y emmêle, s'y perd, s'y pend. Jalet en rajoute dans la torture. Cette chevelure en devient agaçante, maniérée, dégoûtante... L'ultime tourbillon de Jalet autour de la belle morte semble ne jamais finir. Et pourtant Three Spells n'aura duré que 55 minutes.

In Transit 09 - Temps fort colombien avec Mapa Teatro

2009-06-21T10:00:00.000-07:00

C'est la curiosité qui nous pousse à se rendre les yeux (presque) fermés à la Haus der Kulturen der Welt. Cette fois-ci c'est pour Transit 09 - festival de "Performing Arts" autant dire festival de tout ce qui est contemporain, atypique, entre danse, théâtre et performance, une carrefour des genres où tout peut nous surprendre. C'est Monnier/La Ribot dans Gustavia qui nous a alerté du festival. D'accord pas des grandes découvertes, mais derrière ces grands noms de la danse contemporaine, le reste de la programmation ne nous dit rien, ce qui est plutôt bon signe en termes de nouveaux horizons.

Le théâtre performance de Mapa Teatro, compagnie colombienne aux racines suisses. Deux créations aux antipodes, l'une glacée et douloureuse, l'autre bouillonnante et kistsch."Ansio los Alpes; asi nacen les Lagos" réunit les adaptations de deux textes de Händl Klaus. Une femme se meurt, elle étouffe, rêves de glace et de bruits de montagne, rêve de froid et d'air des Alpes. Sur scène derrière un rideau blanc, une femme nous parle par le truchement de la caméra. Un lapin blanc avance de tronc en tronc, rêve blanc de la femme en noire. La voix nous parvient, travaillée, haletante. La pièce est en espagnole, sous titrée en allemand. Je me laisse porter par le souffle et la vision blanche sur scène. Tout à coup ce décor étriqué coincé entre un rideau et deux télés se déploie. Le mur tombe, c'est magique. Les voici enfin les Alpes, la neige, la montagne, le froid. La scénographie est splendide duvet blanc et cabane de bric et de broc. Un pied en Suisse, un autre en Amérique du Sud. Et pourtant cette sensation d'étouggement et d'oppression ne nous quitte pas. Rolf Abderhalden construit des images calmes et violentes à la fois. Derrière les barbelés un homme-chasseur nous menace. Sentiment d'insécurité dans un monde perdu. Je suis venue avec Oscar, un ami artiste et colombien. A la fin de la pièce il peut à peine parler, pris dans cette atmosphère inquiétante qui lui rappelle trop son pays, Bogota.
Dans "Opereta Marciana", Mapa teatro se saisit d'autres codes, moins celui de la violence que de l'apparence, du clinquant, et du déviant aussi. Cela se passe au bar de la HKW dans un format cabaret. C'est gratuit, ouvert à tous. D'un film de science fiction mexicain ringard des années 60 - rien que le nom vous donne des frissons "Le démon bleu contre l'invasion des femmes"-, ils ont construit un cabaret où les personnages de femmes sont doublées par quatre travestis colombiens et les dialogues remplacées par des chansons. Miracle de play-back, déhanchements incroyables, gestuelles cabaret. Démesuré et touchant.

Il y avait évidemment beaucoup d'autres uchoses à voir et écouter pendant ce In transit 09, beaucoup de performances, dont celle d'une autre Colombienne Maria José Arjona coincée entre deux murs blancs ouverts au passage sur lesquels elle a fait éclater des bulles rouges avant de mieux les effacer à la craie blanche. Passage du temps, patience, apparition, disparition, couches et ravalements de façades. Cette belle œuvre acharnée s'est conclue par du Edith Piaf jusqu'à extinction de voix.
J'ai bien aimé également l'installation de Melati Suryodarmo venue d'Indonésie. Elle a passé des heures dans une boite vitrée. Longs cheveux bruns sur robe rouge satinée. Posée sur l'herbe verte entourée de lapins blancs (vivants...) elle garde la pose comme pour un tableau vivant. Seule l'anime la musique de Bach qui s'élève par la voix d'une chanteuse et d'un violon. L'image est belle, la musique envoûtante. J'aurais pu rester longtemps là, à la regarder. Le soir tard, je l'ai vue sortir de sa cage. Je me suis demandée s'ils sentaient mauvais, les lapins.
La danse d'Aitana Cordero me laisse un goût plus mitigé. Sa pièce "The Duet" pose un postulat: elle abandonne son corps à trois autres danseurs qui tour à tour construisent des duos avec ce corps-poupée, dont ils peuvent faire ce qu'ils veulent, ou presque. On est là autour d'eux, très proches de ce carré blanc qui délimite l'espace de jeu. Au début ils sont quatre, forcément le rythme est élevé, le corps se soulève facilement, l'énergie ne faiblit jamais. Puis ne reste qu'un danseur, un homme, qui choisit la force, une charge vraiment sexuelle où le corps de l'autre est pris dans une parade. Les portés sont physiques, le danseur prend peu de pauses. Les deux autres seront plus dans la douceur, dans la faiblesse, on ressentira la lourdeur de ce corps qu'il faut retourner, emmener. L'exercice de style est assez intense, pas ennuyeux. Mais il reste pour moi un prémice à la création, un exercice somme toute classique en danse contemporaine (se laisser aller au mouvement des autres), qui ne prouve rien, n'apporte rien si ce n'est cette charge sexuelle et narcissique aussi. Ce duo est inégal, et c'est finalement le danseur qui bouge qui perd la partie. Elle, est la reine qu'on séduit, qu'on déplace, qu'on caresse, qu'on maltraite aussi. Elle devient centre, objet unique d'attention. La posture finit par m'agacer. Pourtant il y avait vraiment une belle intensité sur le plateau.
Ca s'inflige aussi des sévices dans Gustavia, le duo de La Ribot et Mathilde Monnier qui fait le plein dans le (trop) grand auditorium. Rideau noir devant, derrière, par terre. Les deux chorégraphes convoquent le théâtre et le cinéma, le mime et le punk. Deux paires de jambes infinies tanguent sur talons hauts. A l'autre bout du noir encore, et deux têtes blondes, grimaçantes, implorantes. Qui sera la meilleure pleureuse? De bout en bout les deux dames, plus si jeunes, surjouent le burlesque, le crépage de chignon, le comique de répétition dans ce grand cirque funéraire. Ah cette planche de bois qui dix fois, vingt fois, trente fois, fait vaciller Monnier. Et ces apparitions-disparitions dans les plis du rideau noir. Il y a du chien dans cette création là, Gustavia. Il y a du savoir faire, du plaisir. Un peu trop facile peut-être. Au premier applaudissement, on sursaute, quoi déjà? On imaginait que ça irait plus loin.

La beauté froide d'Hedda Gabler par Ostermeier

2009-04-05T10:41:00.000-07:00

Thomas Ostermeier a fait d'Henrik Ibsen son auteur phare. Dans un portrait récent de Brigitte Salino pour le Monde il déclairait "Que nous reste-t-il ? Le refuge de la famille et de la carrière, qui sont les valeurs bourgeoises du XIXe siècle. On revient au temps d'Ibsen, qui convient mieux à notre génération que Tchekhov. Il n'est pas sentimental. Il montre des gens pris dans le carcan de la société, qui livrent un combat personnel, pour trouver une issue." Pendant que son "John Gabriel Bookman" tourne en France, la Schaubühne reprend son Hedda Gabler ce soir à Berlin. La maison bourgeoise imaginée par Ibsen en 1891 à Munich a laissé place chez Ostermeier à un loft sèchement contemporain. Dans ce décor froid et superbe, où l'eau ruisselle sur une paroi-écran, Hedda Gabler s'ennuie. En tenue d'intérieur la jeune femme fait la moue, indifférente aux fleurs fraiches, au canapé neuf, à la terrasse avec vue. A peine revenue de son voyage de noces, elle contemple avec dédain ce que sera désormais sa vie. Comme dans Nora, Henrik Ibsen dresse le portrait d'une jeune femme prise au piège de ses désirs de réussite sociale dans un milieu bourgeois étouffant. Même trio mari-femme-ami du mari (ici il est avocat, et non plus médecin). Même prison dorée aux murs de laquelle les jeunes femmes se heurtent jusqu'à l'irréparable. Avec un supplément de machiavélisme et de cynisme pour Hedda Gabler.

Elle pourrait être Emma Bovary cette jeune femme qui rêvait de luxe, d'argent, de passion. Au final Hedda n'a pour compagnon qu'un universitaire terne et sans charisme, endetté pour tenter de répondre aux rêves de sa jeune femme capricieuse. Réapparait alors le premier amour de la jeune femme, un intellectuel fantasque, fêtard, peu fiable, en passe de briser la carrière universitaire de son mari. Prise au piège de ses contradictions et de sa condition, Hedda complique les situations, joue des êtres et des sentiments, y compris les siens, comme pour mettre du piment dans sa vie.
Thomas Ostermeier a construit un huis clos où les êtres s'agitent peu. Cette paroi transparente est-elle le mur de faux semblant des discussions de salon. Est-elle cet ennui qui suinte par tous les pores de la peau des personnages? Pas de tumulte ici. Le ton est aseptisé, la musique douce, les teintes verdâtres, froides. A peine les acteurs profitent-ils de l'espace du plateau tournant. Autour du canapé se jouent froidement les dernières heures d'Hedda Gabbler. Une pièce au goût métallique.
"Hedda Gabler" avec Annedore Bauer, Lars Eidinger, Jörg Harmann, Katharina Schutller.CE soir, 18h, Schaubühne, 8-38 euros.

Sasha Waltz se fait ensorcelleuse au Neues Museum

2009-03-31T11:08:00.000-07:00

Tout s'est tu. Bien après les derniers essoufflements, longtemps après les dernières notes, je prolonge l'errance dans les couloirs du musée vide. Réaction épidermique. Attraction de la pierre. Je touche ces marbres, ces mosaïques, ces peintures craquelées. La danse de Sasha Waltz est un ensorcellement. Un musée vide, abandonné pendant 60 ans, ravagé par la guerre, a soudain repris vie sous les pieds, les doigts, les voix des 70 artistes - danseurs, musiciens, chanteurs. Trois heures d'une cérémonie initiatique grandiose et intime, qui imprime la rétine, parcourt l'échine, arrive au cœur. La chorégraphe berlinoise n'a pas seulement orchestré un spectacle magistral, elle a aussi (re)trouvé - inventé - l'esprit d'un lieu. Sasha Waltz a disposé les corps dans tous les espaces, interstices, porosités du Neues Museum. Dans ce musée qui n'ouvrira officiellement ses portes qu'en octobre, elle a voulu une exposition dansée plus qu'un spectacle. Au visiteur d'aller se perdre à l'instinct dans ce dédale néo-classique et contemporain, si magnifiquement restauré par David Chipperfield. Sur mon chemin je croise des lions fatigués, des reines égyptiennes emmêlées, des corps pâles effrayés, je m'arrête devant des statues suspendues, une femme-araignée, une derviche tourneuse, des muses galopantes. Le rire hystérique d'une mondaine en crinoline résonne dans la salle des Niobides, la voix aigue d'un quatuor à cordes contemporain guide jusqu'à l'étonnante plateforme égyptienne, le chant d'une chorale féminine habite la salle moyenâgeuse. Le spectacle a été pensé en deux parties, pour nous laisser le temps de tout explorer. La première heure occupe les deux cours profondes, grecques et égyptiennes. Les danseurs-statues apparaissent et s'évanouissent sans qu'on les remarque. C'est à la fois orchestré, esthétique et subtil. Le grand escalier central, coeur du musée, sert de point d'orgue, où Sasha Waltz bat les moments de ralliement. Entre les deux actes les musiciens s'y installent et la troupe de danseurs se retrouve sur les marches, arpente les murs, invente une langue des mains. Communion grand format avant de s'éparpiller à nouveau. La chorégraphe avait déjà montré son aptitude à construire des tableaux grandioses, notamment dans son Médée (déjà inspiré par le Pergamom Museum). Ici elle va plus loin et fait tomber les barrières. Puisqu'il n'y a plus d'espace scénique, je peux aller me frotter à cette danseuse, la regarder dans les yeux, je la gêne, elle me contourne. Jeux. Les danseurs doivent gagner leur espace parmi la foule qui se presse. Sans directive aucune, chacun trouve sa place, celle avec du recul, ou celle qui touche, approche, frôle. On envie le lien charnel que les danseurs établissent entre leur corps et l'ossature du lieu. Ce n'est qu'à travers leurs peaux, que nous goûtons le froid des marbres, la douceurs des pierres polies, la couleur des murs passés. Quand enfin tout s'apaise, les danseurs se glissent sans bruit le long des couloirs, redescendent les escaliers. Au cœur joue un quatuor à cordes délicat. C'est du Bruckner. Un à un les corps épuisés viennent s'échouer sur leurs pieds. Harmonie des sons et des corps, dialogue charnel. Bien après que les dernières notes se sont tues, la foule garde le silence. Arrêter le temps. Retenir l'instant.

La compagnie Sasha Waltz, le Vocalconsort Berlin et l'ensemble Kaleidoskop ont donné 10 représentations au Neues Museum, du 18 au 30 mars. Dialoge 09 - Neues Museum a réuni 14000 spectateurs.
Interview de Sasha Waltz sur le site du TIP : ici
Sasha Waltz présente l'une de ses premières pièces : Travelogue I - Twenty to eight au Radial System, à Berlin, du 2 au 5 avril.

D'un spectacle à l'autre

2009-03-29T08:07:00.000-07:00

Journée grand écart. Sur Alexander Platz un clown fait des bulles entre les autonomes et les flics. La manif anti-crise berlinoise se finit en mini-émeute sous la pluie. Presque un rituel. Capuches noires contre rambos verts. Les flics sont en tenue de guerre. Ce sont eux qui chargent, qui cherchent, qui trouvent. Quelques heures plus tard, à quelque pas de là, le monde se fait beau. Sasha Waltz joue les magiciennes au Neue Museum. Intense moment de beauté. Drôle de journée.

Le meilleur du cinéma turc à Berlin

2009-03-27T01:27:00.000-07:00

La 7e semaine du cinéma turc s'est ouverte hier à Berlin. Je ne saurais trop conseiller d'aller y découvrir le meilleur du cinéma indépendant turc tant Berlin, malgré ses 200000 turco-berlinois semble indifférente à la production culturelle de ce pays. Mention spéciale pour trois œuvres fortes : Hayat Var, Üç Mayum et Gitmek - My Marlon and Brando, déjà découverts lors de festivals.

Gitmek- My Marlon and Brando

"Tu es mon Diego Rivera... tu mon Marlon et mon Brando... tu es la dernière lettre de Garcia Marquez..." Attention vraie histoire d'amour romantique avec lettres, promesses, séparation et tout et tout. La Juliette c'est Ayça Damgaci, jeune actrice stanbouliote rondelette et très fleur bleue. Son Roméo s'appelle Hama Ali Khan, star kurde irakienne vieillissante, mais toujours séducteur. Gitmek raconte leur histoire, ou plutôt leur séparation, en pleine guerre d'Irak. Le film s'appuie sur la véritable histoire de ce couple atypique, où les acteurs jouent leur propre rôle. Ils se sont rencontrés lors d'un tournage de film à Dyarbakir, la capitale kurde de Turquie, ont promis de se retrouver. Seulement la guerre s'en mêle. La frontière irako-turque se referme. Ayça se lance alors dans un drôle de voyage sur les routes turques, et iraniennes à la poursuite de son amour prisonnier dans son pays. Ce road-movie réjouissant repose beaucoup sur la personnalité d'une jeune femme passionnée, romantique, entêtée, presque d'un autre temps. Le film joue les équilibristes entre comédie, road-movie et tragédie. En général il choisit plutôt d'en rire. Plus la guerre se rapproche, plus le ton des lettres-vidéos envoyées par Hama recourent au burlesque (mémorable séquence où Hama devient superman). Comme autant d'antidotes à la laideur ambiante. Hüseyin Karabey, le réalisateur, a le chic pour explorer habilement les chemins du choc culturel.

Hayat Var de Reha Erdem Le réalisateur turc nous dévoile la beauté d'Istanbul depuis une barque, tache minuscule se glissant le long des carcasses géantes des cargos. Au fil du Bosphore, de la Corne d'Or, sous les ponts ou dans des ports minuscules, se révèle un paysage bucolique, hors du temps, que rattrape une réalité sociale dure, très dure. Hayat, quatorze ans, vit seule au milieu des hommes, dans une cabane de bois branlante, collée à l'eau. Sa mère a préféré tourner le dos à la misère et refaire sa vie avec un flic. Papa, officiellement pêcheur, ramène du poisson à frire tous les soirs. Il trafiquote surtout, de l'alcool, des femmes, livrées sur les cargos et tankers. "Ton père est stanbouliote, je suis stanbouliote, mon père était stanbouliote" scande le papi entre deux respirations rauques. Fierté suprême d'être d'ici, de connaître les recoins de la ville, ses côtés sombres, ses habitudes et sa misère. Gloire de savoir y survivre. Avec le Bosphore pour décor, "Hayat Var" s'accroche aux longs cheveux d'une fillette qui devient femme. L'eau l'accompagne partout, se reflète dans les cheveux, se faufile dans les pièces minuscules, s'accroche aux vêtements. Hayat est une figure solitaire, solaire, sauvage, hors du temps. De toutes ses forces elle tente de rappeler le temps de l'enfance, des pouces dans la bouche, des dindons qu'on course dans les herbes hautes, des bonbons qu'on cache sous le lit. Mais la réalité la rattrape violemment à l'image de cette mère qui tient les ciseaux et coupe de force la belle chevelure rebelle. Il se passe peu et beaucoup à la fois dans ce film faussement immobile. Dans une magnifique scène finale, ce rouge à lèvre barbouillé sur la figure d'Hayat, c'est son trophée, sa part d'innocence préservée. Cheveux aux vents, elle sourit enfin au Bosphore.

Üç Mayum - Trois Singes de Nuri Bilge Ceylan.
Le réalisateur turc n'est plus à présenter. En quelques films il a imposé son cinéma lent, contemplatif et sa photograpie manipulée. Après Uzak et Climats, voici Üç Mayum - Trois Singes, un film magistral, ténébreux, plombé par des ciels d'orage trop lourds. Avec Istanbul comme décor, et une photographie métallisée, triturée, artificielle Nuri Bilge Ceylan plonge dans les noirceurs de l'âme et construit une tragédie des temps modernes. Deux meurtres, des mensonges, et des infidélités : une famille sauve maladroitement sa peau malgré les silences, les bassesses et les humiliations. Nuri Bilge Ceylan ne s'attache pas aux actes. Le premier meurtre est évacué rapidement, l'infidélité à peine évoquée. Toute l'intensité réside dans "l'après", dans les conséquences des actes. La beauté formelle du film, lumineux et sombre à la fois, agit comme un révélateur des compromissions de l'âme. Les hommes ont renoncé à porter haut leurs valeurs. Seuls, ils se battent contre l'orage, la pluie et les ciels sombres que Ceylan abat sur leurs têtes.

Internationales Autoren festival (3) - TODO

2009-03-26T00:23:00.000-07:00

Gymnastique linguistique. Hier soir la pièce Todo, de l'argentin Rafael Spregelburd était en espagnol, sous-titrée en allemand, SAUF la voix off, très importante qui pour cette version à la Schaubühne a été traduite en... allemand. Mon cerveau doit choisir, se concentrer sur l'espagnol enfoui sous les couches de germain et d'english, hésiter à lire les mots qui défilent en allemand, remettre ses neurones en ordre pour renoncer à la fonction espagnol et revenir au mode "compréhension orale" de l'allemand. Bref un gros micmac qui ne m'a pas facilité la tâche pour recevoir cette pièce. Et POURTANT, je me suis laissée aller au ton absurde, burlesque, poétique, méchant, de Todo. Dans un entrelacs de discussions en apparence anecdotiques, Rafael Spregelburd, auteur argentin, également metteur en scène et acteur, perce à nu le non-sens d'une société argentine traumatisée par son expérience de l'ultra-libéralisme et de la dictature. Sprekgelburd pose trois questions en ouverture de chacune des scènes : Pourquoi un Etat crée une bureaucratie? Pourquoi tout art devient commerce? Pourquoi toute religion devient supersitition? Un peu large comme programme, et effectivement la dernière scène, au ton beaucoup plus lourd et dramatique, peine à se rattacher à l'ensemble. On dirait un post-scriptum, une pièce jointe. On retiendra surtout la première scène où trois collègues de bureau occupent leur temps et nourrissent leur ennui à coups de bavardages sans intérêt. Leur travail n'a aucun sens, mais dehors le chômage fait rage et l'inflation galope. La leçon d'économie via l'achat du manteau de Lidia est absolument délicieuse. Finalement seules la poésie et l'absurde peuvent nous détourner de cette quête de sens dans une société qui semble ne plus tourner rond. Voilà qu'ils se mettent à brûler des billets. Une folie s'exclame l'une des employées. Une libération aussi. Dans ce décor étriqué on se croirait chez Jérôme Deschamps. Avec trois fois rien de décor et un écran vidéo pour seul échappatoire, les cinq acteurs construisent une fable moderne et intelligente. Les voilà qu'ils quittent l'ambiance collègues de bureaux pour se retrouver autour d'un sapin de Noel. L'une des employées est là, coincée entre son ex-mari écrivain, philosophe attirée par des jeunes filles nubiles, et son frère artiste contemporain conceptuel arrogant et vénal. Autour d'eux gravitent deux personnages un peu hors course, quasi muets mais inoubliables dans leur gesticulations insensées. Omar le bureaucrate en shorts et Ai Shi la vraie-fausse coréenne évaporée laissent les deux coqs jouer au plus fin, au plus macho, au plus goujat. Comment s'y retrouver dans ce monde insensé? Comment avancer? Comment imaginer la suite? La réponse poétique ne tient plus. Dans une ultime scène très sombre, un jeune femme désespérée ne parvient pas à donner un nom à son enfant de 3 mois. La peur a gagné.

Internationales Autorenfestival (2) - OVER THERE osculte la réunification avec des gros sabots et du ketchup

2009-03-25T03:36:00.000-07:00

Over There est une double production du Royal Court Theatre et de la Schaubühne. Marc Ravenhill, auteur de théâtre anglais très joué à Berlin (Der Schnitt, Der Stadt, Shoppen & Ficken), y décrit le destin de deux frères jumeaux, l'un élevé par une mère ayant fui à l'Ouest, l'autre par son père, fidèle à la République démocratique. Over there est l'histoire de leurs retrouvailles, avant et après la chute du mur. Au delà d'une symbolique déjà lourde - deux jumeaux comme allégorie des deux Allemagnes divisées et semblables - , Marc Ravenhill s'embourbe dans un ramassis de clichés sur l'Est et l'Ouest, lui qui pensait jouer les justiciers en faveur d'une RDA bafouée et vaincue. A Londres, la pièce jouée en début de mois avait laissé la critique divisée, à Berlin elle s'est fait descendre. Hier soir le public de la Schaubühne n'a applaudi que du bout du doigt. Moi aussi. Que Ravenhill se risque en cette année anniversaire (cette pièce est une commande dans le cadre des 20 ans de la chute du mur) à parler d'un sujet sensible, était en soi assez courageux. Mais présenter au public berlinois sa propre histoire à coups de traits grossiers, c'est presque de l'indécence. "On se demande si l'auteur de cette pièce est jamais venu ici, et si c'est le cas, ça a du être une visite éclair au milieu des années 90", s'agace Anne Peter sur le site de Nacht Kritik.

"Si on coupe les gens de leur propre histoire, la nostalgie émergera, encore plus sentimentale et crue qu'elle ne l'aurait été autrement. Pour le salut de nous tous, pour notre santé mentale et sociale, nous devrions vraiment laisser faire une période de deuil pour la mort de l'utopie communiste, même si la réalité était loin d'être idéale". Voici ce que Ravenhill explique de ses intentions, plutôt intéressantes. Mais son duo fraternel n'est pas à la hauteur. Franz, le Wessi, parle anglais, a pour religion les règles de management, se nourrit en abondance et porte en bannière le capitalisme. Karl, le Ossi, parle russe, consomme à tout va à la chute du mur avant de vomir ce monde trop coloré et regretter sa RDA "en noir et blanc". Puisque Karl n'arrive pas à se plier aux nouvelles règles, il faudra donc le convaincre ou le faire disparaitre. La réunification n'a pas été un mariage, plutôt du cannibalisme. L'ouest a fait disparaitre le monde de l'Est, disparues les idéologies, balayée l'histoire d'un peuple. Karl trouve un dernier refuge dans une forêt berlinoise, se réinventant un campement de Pionniers et balançant des slogans communistes. Sur scène la gémellité des deux acteurs se révèle intéressante, presque fascinante. Mais les pauvres ne pouvaient pas faire grand chose sur ce plateau blanc lumineux sans issue où rien ne vient alimenter l'histoire si ce n'est quelques rasades de ketchup et de nutella sur leurs corps nus. Ramin Gray, voulait ainsi faire "plus berlinois", moins anglais coincé. Tout cela tourne à vide. Sur ce thème préférer lire l'excellent ouvrage de Régine Robin "Berlin en chantiers", paru chez Stock en 2001.
© Heiko Schäfer

Internationales Autorenfestival (1) DRITTE GENERATION sans langue de bois

2009-03-24T03:58:00.000-07:00

"Creuser bien profond et se salir" disait le "motto" du festival. Pas de doute Yael Ronen y a mis les deux mains et les tripes, remuant la terre encore fraiche de l'histoire germano-israélo-palestinienne. EXPLOSIF. "Dritte Generation" (la troisième génération) sonne comme une thérapie de groupe abrasive, une logorrhée violemment réjouissante. Puisque cette histoire est si délicate, sensible, violente, ne restons surtout pas muets semble s'être dit la jeune metteur en scène israélienne. Déversons nos flots de préjugés, de ressentiments, convoquons les morts, les victimes et les bourreaux, n'érigeons aucun tabou, dérangeons le public. Pour cela elle travaille depuis un an avec dix acteurs trentenaires Allemands, Israéliens, Palestiniens. Leurs histoires personnelles ont servi de terreau à l'exhumation de la grande histoire. Ils sont la troisième génération, leurs grands-parents sont les référents, ceux qui ont vécu l'Allemagne nazie, la Shoah ou la Naqba. Comment vivent-ils aujourd'hui un passé lourd et toujours présent, comment se définit-on par rapport à l'histoire de son pays, à quel point est-elle subie, digérée, instrumentalisée, comment peut-on dès lors regarder l'autre à travers ce prisme imposé?

Avant que la pièce ne commence, Niels apparait seul en scène, s'adresse directement au public (allemand). Et s'excuse, s'excuse, s'excuse. "Au nom du peuple allemand" pour l'Holocauste et tout le reste. Y a t-il des juifs dans la salle? Oui. "Je voulais particulièrement leur souhaiter la bienvenue ce soir". Y a t-il des Turcs dans la salle. Oui, "je voulais m'excuser pour les conditions d'accueil des Gastarbeiter". Des Roms? Des homosexuels? La dernière volée sera pour les "citoyens de l'Est". "Ne soyez pas effrayés si la majorité de la pièce est en anglais. Nous avons mis des surtitres pour vous. J'espère seulement qu'ils ne défileront pas trop vite..." Eclats de rire. Private joke entre Ossis et Wessis.
Dès lors le détournement de politiquement correct sera le moteur de la pièce. On y entendra tout et son contraire. Et autant énoncer clairement toutes les idées reçues et clichés, les pensées racistes les plus grossières mais aussi les plus refoulées. Ces acteurs ne sont pas là pour dire LA vérité mais crier les ressentis de chacun, les visions forcément différentes, souvent opposées. Les premières générations se sont trop tues, hurlent ces trentenaires. Ou alors ont parlé à coups de propagande. Voilà enfin l'occasion de se dire en face les pires horreurs. Sur scène les dix chaises en arc de cercle semblent forcer à s'écouter et se regarder. Quand les propos se font trop violents, certains tournent le dos. La confrontation comme unique issue. En s'entre-choquant les mots semblent s'effriter, perdre leur pouvoir de propagande, redevenir expression. Mais il n'en sortira ni vérité, ni empathie. Comme si l'on pouvait encore discuter des jours et des jours de la souffrance des uns, la culpabilité des autres, sans jamais parvenir à se comprendre totalement . Mais cela est-il souhaitable finalement? Ne fait-on pas trop souvent semblant de comprendre? Dans un long monologue Orit, une des actrices israéliennes, tente d'articuler tous les arguments en un seul discours. Tout s'effrite, rien ne tient et pourtant tout ce qu'elle énonce est vrai. Désespérant? Non, parce que Dritte Generation est avant tout du théâtre. Yael Ronen ne laisse jamais les arguments s'éterniser. Une pirouette, un trait d'humour, une grimace finissent toujours par nous libérer de la violence des mots. Exemple.
"Les juifs orthodoxes détestent les juifs sionistes; les juifs sionistes détestent les Arabes. Les Arabes détestent tous les Juifs. Les arabes musulmans détestent les arabes chrétiens. Les Européens détestent les musulmans - et les juifs! - et le monde entier déteste les Allemands, MAIS vous devez vous rappeler que même les Allemands sont des êtres humains... exactement comme les Belges...."
Niels Brosman est absolument hilarant en bouc émissaire allemand, Ayelet Robinson parfaite en adolescente israélienne en visite dans les camps de concentration en Pologne : "Auschwitz c'est vraiment le mieux, Treblinka il n'y a plus rien à voir". Et je ne vous parle même pas des chansons-boyscout-coin-du feu à la gloire de l'armée israélienne...
La pièce avait fait scandale à Tel Aviv. A Berlin, un représentant de la communauté juive vient de demander à la Schaubühne d'annuler les représentations. En tant que survivant de l'Holocauste Isaak Behar se sent - sans avoir vu la pièce - insulté, estimant que la création artistique doit aussi avoir des limites. "Ne peuvent-ils pas attendre encore quelques années que les derniers survivants aient disparu"? Apparemment non. Dritte Generation ne parle pas d'autre chose que de ce silence trop longtemps forcé. Cette troupe a fait le choix de ne plus se taire, ni d'accepter le chantage historique des aînés. "La grande force de ce travail c'est qu'il convertit en mots tout type de position" clame Thomas Ostermeier, patron de la Schaubühne. La parole qui en émerge est libre, et forcément violente. Mais blessante, non. Le public n'est pas non plus en reste. On lui hurle du "nazis" à la face, on lui demande ce qu'il vient chercher là, en regardant cette troupe si joliment estampillée "interculturelle"? Eux-même ne jouent-ils pas dans cette pièce pour leur carrière et l'argent alors que la guerre a toujours lieu là-bas, en ce moment? Malaise.
Je me souviens de cette pièce d'Akram Khan, Bahok qui explorait aussi le thème de l'autre, de l'exil, de la confrontation des histoires, et nous emmenait dans les chemins très policés du "multikulti" comme ils disent ici. Akram Kahn avait opté pour une version sans saveur, proprette du choc des cultures. Ici nous sommes à l'opposé. Il n'y a finalement pas de solution, ni de happy end. Juste un déversement de discours de tous bords qu'on affronte pour une fois en une unité de lieu. Thérapie de groupe? Récemment je me suis retrouvé dans un vieux bar de quartier Kreuzberg où, pour une fois à Berlin, toutes les communautés se côtoient autour d'une bière et d'un baby foot. Palestiniens, Libanais, Turcs, Allemands, Africains, Français. Les uns et les autres se bousculant dans un espace minuscule. Ils se connaissent tous. Et se détestent ouvertement. Un Palestinien me sort "ich hasse Nigger" en voyant passer un noir à côté de nous et en me montrant sa longue cicatrice qui lui court sur l'avant-bras. Un Libanais athée (c'est lui qui précise) vient me mettre en garde après que j'ai parlé à une vieux théatreux berlinois et dont je n'ai pas tout de suite noté la croix de David autour du cou. "Ne lui parle pas, il n'est pas réglo" me glisse t-il. Ainsi va le monde me suis-je dit. Ces gens se détestent, le disent tout haut, et échouent quand même tous les samedis soirs dans le même rade pour boire la même bière. C'est déjà un début.

"Dritte Generation"
de Yael Ronen & the Company
Avec : Knut Berger, Niels Brosman, Karsten Dahlem, Ishay Golan, George Iskandar, Orit Nahmias, Rawda, Ayelet Robinson, Judith Strößenreuter, Yousef Sweid.
La pièce est encore jouée ce soir à 21h. Autres représentations les 3, 4 et 5 avril, 20h, 6-28 euros.
Photo © Heiko Schäfer

Parcours Pictoplasma dans Mitte

2009-03-22T05:23:00.000-07:00

Depuis 1999, l’agence berlinoise Pictoplasma collecte, compile et classe des personnages graphiques sans paroles de la culture électronique. C’est le « Character Design ». Inspirées de la culture japonaise et proches de la BD, Pictoplasma est devenu expo itinérante, colloque mais aussi éditeur et catalogue. Bref un gros machin epxlorant tout ce qui se fait dans le domaine du graphisme, du dessin, de la BD, de l'animation 3D, et qui ouvert sa dernière expo à Berlin depuis la semaine dernière. Oscar, un ami colombien étudiant aux Beaux-Arts, m'a proposé une balade dans les galeries particpant à l'événement. Sur la vingtaine d'expos, on en a vu cinq, ce qui est déjà beaucoup... trop. Autant j'aime parler des pièces, des films, des spectacles. Autant l'art me laisse assez muette. Je ne sais jamais vraiment comment me situer par rapport à ce que je vois, disons que je n'ai jamais de grand coup de coeur mais si ce que je vois m'amuse, m'indiffère ou surprend. Par contre je conseille le parcours pour découvrir des lieux sympas. Moi, j'ai commencé à Bon Goût, galerie que j'aime bien, créée l'an dernier à Berlin par un couple franco-suédois, et j'ai terminé à Neurotitan, galerie-librairie dans le même esprit que Bon Goût, entre sérigraphie, BD, design et librairie. Voici les images vues, entendues et regardées pendant ce parcours de deux heures.

1. Bon Goût, Torstrasse 110.

Comment Superman est devenu un beauf alcoolo, pourquoi la canette de bière déprime? Qui est vraiment Space Man? Bon Goût nous raconte des histoires d'anti-héros ou de héros déchus à travers le travail de Kottie Paloma et Laurent Imudeglia. La première propose des albums cartonnés fait mains, accompagnés de CD, où elle s'amuse de la déchéance des héros de bande dessinée américains. Ludique, amusant, sadique, moi j'ai beaucoup aimé.

Un peu moins les toiles de Laurent Imudeglia qui place dans de grandes scènes urbaines des Rambo et des supermen à contre-emploi.

2. PanatomTM Gallery, Torstrasse 100.

Holy green jelly from Gangpol & Mit on Vimeo.
Duo bordelais, Gangpol & Mit associe esthétique de jeu vidéo et musique dans des films drôles ou psychédéliques. Ils font également des performances live. A la galerie Panatom, trois télés oldschool passent trois de leurs films, dont ce très tripant Green Jelly.

Sur l'autre mur les peintures de Albert Bertolin, artiste espagnol basé à Berlin. Rat on Strychnine.

3. Johanssen Gallery, Gormannstr. 23

Ici un seul artiste, Chritian Montenegro, illustrateur argentin dont c'est la première expo en Allemagne. Première série sur bois, sur les 7 péchés capitaux. Belles couleurs, belles symétries. L'autre partie de son travail me convainc moins.

4. Circle Culture Galery, Gipstr. 11

L'expo est juste associée à Pictoplasma. On ne voit effectivement pas trop le rapport avec les toiles de Charlie Isoe, peintre et sculpteur australien venu de l'art de la rue. Des cannettes de Sternburg sur toiles de jute, des traces de sang sur des bouts de tissu. Je suis bien sceptique. Seules les grandes toiles possèdent quelque chose de frappant, violent.
5. Neurotitan, Rosenthaler Str. 39, au 1er étage de la Haus Schwarzenberg
L'un des hauts lieux de la culture comics, graphisme, dessins de Berlin.Dans le grand loft, deux expos totalement différentes. La première du collectif I am 8 Bit a investi les murs pour une grand jeu géométrique et coloré à coups de post-its. Au fond c'est le collectif W+K TOKYO LAB qui présente une suite de travaux graphiques, montages photo, illustrations, en lien avec Tokyo.

La Haus der Kulturen der Welt accueille une grande expo également jusqu'à début mai. Tous les renseignements sur ce parcours Pictoplasma ici.

La Schaubühne déterre l'histoire

2009-03-20T07:42:00.001-07:00

Digging deep and getting dirty - Creuser profond et se salir-. Mais déterrer quoi? L'histoire, le passé, les flux migratoires, les guerres, les mille et uns métissages qui ont construit notre identité actuelle. Pour son Internationales Autorenfestival zu Identität und Geshichte (Festival international des auteurs sur l'identité et l'histoire), le théâtre de Thomas Ostermeier invite six auteurs de théâtre contemporains venus d'Israel, d'Argentine, d'Allemagne, de Pologne et d'Angleterre pour créer autour de cette idée. Ca a commencé jeudi dernier et ça dure jusqu'au 29 mars.
Il y aura l'auteur maison, Marius von Mayenburg à qui la Schaubühne confie adaptations (le récent Hamlet), mises en scènes et écriture (Feurgesicht) de nombreuses pièces de son répertoire, avec Der Stein, présentée également dans le long cycle du théâtre "Deutschland 60 Jahre". Der Stein osculte les souvenirs et les non-dits d'une famille allemande de Dresde, entre 1935 et 1993. La mise en scène est signée Ingo Berk, jeune metteur en scène allemand ayant déjà monté plusieurs pièces de Mayenburg. A noter que ce soir, la pièce est sur-titrée en anglais. Mayenburg monte également Die Rauben - Les pigeons - de l'auteur allemand David Gieselmann, une comédie grinçante sur les conséquences d'une disparition.
Autre chouchou de la Schaubühne, l'Anglais Marc Ravenhill, dont Ostermeier a récemment mis en scène La coupure ou Le produit. Pour le festival des auteurs, le dramaturge anglais présente une histoire allemande Over there, celle de deux frères élevés de chaque côté du mur dans une Allemagne divise et de leurs retrouvailles.
Malgré un nom qui sonne allemand, Rafael Spregelburd vient d'Argentine. Acteur, auteur, metteur en scène, il a déjà de nombreuses fois collaboré avec la Schaubühne et tourne régulièrement en Europe, surtout en Allemagne, Espagne et Angleterre. Cette année, il vient avec deux pièces. Buenos Aires, une sorte de thriller entre occupants du même immeuble de la capitale argentine, et Todo un huis clos post-crash argentin, au début des années 2000.
La célèbre dramaturge israélienne Yael Ronen présente la suite de son work-in-progress commencé en 2008 Dritte Generation. Elle y réunit des acteurs allemands, israéliens et palestiniens pour raconter l'exil, l'idée de nation, les racines, la quête d'identité.
We get on well with each other - Miedzy nami dobrze jest en polonais - de la très jeune auteure Dorota Mastowska, réunit encore une fois dans un immeuble de Varsovie, trois générations qui confrontent leurs rêves, leurs histoires, leurs espoirs. Mise en scène de Grzegorz Jarzyna, qui partage son travail en l'Allemagne et la Pologne.
Enfin le collectif Turbo Pascal conviera le public, autour de grandes tables, à tenter de répondre à la question "qu'aurions-nous pu être", plongeant dans le thème de la démocratie, l'idéentité nationale. "Wir werden wieder wer gewesen sein" - We will have been someone once again -, une performance portée par la musique minimaliste de Friedrich Greiling.
Le festival dure jusqu'au 30 mars mais Dritte Generation et Der Stein seront rejoués au répertoire de la Schaubühne.
Comme nous sommes en Allemagne, il reste encore des places pour à peu près toutes les pièces (sauf Buenos Aires). Tout le programme ici

Blurt au Live@Dot

2009-03-19T10:37:00.000-07:00

Il y a encore deux jours, je ne connaissais pas leur existence. Quoi? Tu connais pas BLURT ???? J'ai bien compris en regardant le public de la salle que ce concert était spécial, genre fan club chic, réunion d'ex-punks devenus néo-branchés qui venaient se donner encore des frissons avec un mec de 60 ans toujours pas revenu de sa coupe iroquois. Bref Blurt fait partie de la légende rock, enfin surtout sa figure, son poète, son éructeur, son aboyeur : Ted Milton. Le garçon a une classe toute anglaise, cheveux rasés, crête discrète, costume, saxophone. Moi c'est l'affiche qui m'a fait venir. Croisée par hasard sur les murs de la ville. Beau graphisme, pogo jazz noir écrit en petit. The last last tour, deuxième version. Ca c'est de l'ironie de vieux briscards annonçant depuis trop longtemps (ça fait 28 ans que ça tourne) leur ultime tournée.

Et me voilà au milieu de fans absolus qui ont déjà du voir le trio 20 fois en concert dans toute l'Europe, ou peut-être à Berlin en 81. Blurt y avait enregistré son deuxième album. Un live "In berlin", devenu mythique. L'onde monte dès les premiers roulements de tambour. La Batterie se joue comme une machine, presque une transe. La guitare enchérit là dessus. Milton a la base pour lancer ses phrasées de free sax et ses grondements de poète. On pense à The Ex, en plus direct, plus rock, plus populaire presque. Je m'attendais à un truc plus expérimental. Là leur musique puise à des sources populaires qui rendent leur musique immédiatement accessible : funk, jazz, hip hop, afrobeat, blues. La musique noire colle aux baskets du grand white English. C'est bon très bon même. Je jette un oeil autour. Ca sourit de plaisir. Parait qu'en plus le sir Milton était de bonne humeur ce soir là.
Tout ça se passait au Live@Dot, nouvelle salle berlinoise installée en lieu et place du Club 103 aux pieds du Oberbaumbrücke, à Kreuzberg. Bonne taille de salle, bonne prog. A suivre...

Out of grey...

2009-03-13T00:35:00.000-07:00

Gris, pluie, gris, pluie. Luttons contre le monocolore et l'ennui. Evitons l'extérieur, frayons nous des chemins pop et roses, chic et tumultueux dans les cours et dédales berlinois. Plan d'action pour un week-end out of GREY à Berlin.Mettez du rose, direction le Wirrwarr (photo), pas moyen de trouver sans connaitre l'adresse. Au fond de la seconde cour, un bar esprit loft aménagé par deux françaises, branchées féminisme, art contemporain et gay community. On en avait déjà parlé lors du PornFilmFestival. Ce soir Céline Robinet alias Kakosonia y organise la première rencontre internationale de slam de Kreuzkölln, 2e session. 20h, prix d'entrée à tirer aux dés. Rose aussi la robe de la chanteuse queer dans "Jenseits : Bist du schwul oder Türke?" une pièce présentée au théâtre Ballhaus Naunynstrasse. Chaudement recommandé, on y était hier soir et on en reparlera sur ce blog. Acteurs formidables et texte percutant. Autre remède à l'ennui gris, le Hamlet revu par Ostermeier joue dimanche et lundi, à voir rien que pour ses 20 premières minutes extatiques.
Turque et pop, également au Suppamolly samedi soir avec le mix de DJ Ipek et son Eklektik Berlinistan.
Info, intox? Ce serait la dernière soirée du Karmanoia, le bar-squat de la Mainzerstrasse. Depûis que j'habite là j'ai du entendre au moins 20 fois la rumeur. Samedi soir donc vraie-fausse soirée de clôture, à coup sûr on y jouera des coudes. Les Haferflocken Swingers, groupe presque résident, y joueront. Ils seront aussi la veille au FrühPerle, nouveau bar de la Boddinstrasse, à la déco comics et aux patrons perchés. On y a passé quelques soirées sympa, manque juste un peu de monde pour remplir l'espace immense.
Rouge le concert des Pony Hoax au Röter Salon de la Volksbühne. Dernière soirée avant réfection. La Volksbühne se prépare à six mois de transhumance entre Prenzlauer berg et Mitte pour grands travaux.
Demain après-midi s'ouvrent également les dépôts du BuchstabenMuseum, sur la Leipzigerstrasse. Pour les amoureux de la lettre, de la typo et du graphisme.
Si vraiment ça ne suffit pas, les bains de Neukölln. ont rouvert depuis la semaine dernière. Impeccable pour s'oublier dans la vapeur et les mosaiques arts déco.

Au fond des cours, derrière les ruines le Antje Øklesund

2009-03-11T01:16:00.000-07:00

Si mon appareil photo avait assuré, vous auriez pu voir ici un homme jouant de la batterie dans un mini-boite pas assez haute pour se tenir debout où l'on y jette un coup d'œil par des minces interstices, un peu voyeurs, son compagnon perché sur le toit de la même boite bidouillant des sons électro-acoustiques. Et aussi un bar "peep show" où on a juste laissé trois fentes : une pour payer, une pour parler, une pour prendre sa bière. Bref tout ça aurait été beaucoup plus facile à expliquer images à l'appui. Hier soir, le Antje Oeklesund (normalement le O est barré à la suédoise) vernissait sa nouvelle installation "Connected" au fond d'une cour introuvable de Friedrichshain.
Pas d'enseigne, trop ringard, pas d'indication. Un lieu aussi destroy et "underground" que tous nos fantasmes berlinois réunis. Ouvertures seulement le mardi et vendredi, "Nur für Mitglieder" sur la porte, et un petit droit d'entrée pour la cause. C'est Marco, musicien italien exilé (Hotel Ambiente, The Somnanbulist) qui nous a parlé du lieu. Il y travaille, il a aussi participé à l'installation "box" de ce cycle Connected. A l'intérieur le public est étonnament branchouille. Peut-être la faute à Kid Ikarus qui nous refait son set (déjà vu à la HBC Kollective, sur AlexanderPlatz) électro-popeux-troisième degré. Mauvais et ennuyeux. Peut-être est-ce un peu drôle, plutôt le sentiment que ça ricane. Je suis beaucoup plus convaincue par le duo Swing from Circuits de Andre Wakko and Carsten. Batterie minimale enfermé dans la boite, distorsions rythmées par Wakko avec toutes sortes de bidouilleries électro. L'expo Connected dure jusqu'à nouvel ordre. Pour trouver l'endroit sans trop galérer : Rigaer Straße 71 – 73 auf einem Gewerbehof, gegenüber vom LIDL.

Fallait pas arriver si tôt... (tard?)

2009-03-09T11:25:00.000-07:00

Berliner Kindl Braeurei, dimanche, 5h30. Une queue de taxis stationne devant le 50 Wehrberlinerstrasse. Bien avant l'entrée de la tour de briques, on sent une agitation inhabituelle pour le quartier. Ca sort un peu, ça arrive surtout. Titubants mais excités, on a bien pris soin de ne pas se pointer trop tôt, sillonnant Kreuzkölln à coups de bière gratuites (au Mama qui fêtait son premier anniversaire) et à 1 euro (Bei Schlavinchen, grosse découverte du week-end). Nous voilà au pied de la tour de la brasserie la plus célèbre de Berlin.
Là dedans se tient la grosse teuf du mois à Neukölln : 30 DJs, 10 groupes live, et un bâtiment industriel démentiel. On a déjà raté la séance de la veille (si quelqu'un peut me dire si ça a fermé entre les deux... selon des infos de première main tous les groupes prévus vendredi soir n'avaient pas encore joué à 7h du mat). C'est sans compter sur l'endurance du public technoïde berlinois. Après une demi heure dans la queue devant des mecs de la sécu trop tendus on n'a pas fait 2 mètres. Ca casse quelques bouteilles de verre. Il fait froid. Qui sait combien de temps on va encore devoir attendre. L'excitation s'éteint. On laisse tomber. Les teufs berlinoises en milieu industriel désaffecté ont perdu le charme de la spontanéité. 10 euros l'entrée, sécu et taxis. J'apprends finalement qu'il y a une expo d'un collectif d'artistes de Neukölln jusqu'à la fin mars, Kunst in Turm. Au moins je pourrais entrer dans cet endroit. Pour les renseignements aller voir le journal du Flughafen Kiez. Ouverture de l'expo après 18h, les 14, 21 et 28 mars ou sur demande au 0163 - 733 5110. Au fait la Berlinerl Kindl Brauerei, c'est au Wehrbellinstraße 50, métro Boddinstrasse ou Rathaus Neukölln.
Autre quartier, autre échec... Lange schlange devant le Neues Museum qui ouvrait ses portes pour trois jours, avant de l'inauguration officielle en octobre. Ils ont été 35000 ce week-end à se précipiter dans les salles vides du musée fermé depuis 60 ans, en travaux depuis 10. Le boulot de l'architecte anglais David Chipperfield a l'air superbe malgré les critiques. La rénovation a laissé les traces du passé. Ca ne brille pas assez pour certains. Enfin moi, j'ai raté ça, et je m'en veux un peu. Y'aurait bien la séance de rattrapage fin mars, avec chorégraphie de Sasha Waltz, mais tout est déjà complet. Comme elle l'avait fait avec le Judisches Museum et sa pièce Körper, la chorégraphe berlinoise investit du 18 au 26 mars les pièces vides du Neues museum avec 70 danseurs. Je lance un appel à qui revendrait des places.

Radio Muezzin à la Hau2

2009-03-05T05:44:00.000-08:00

Lui c'est Mohammed Ali, recordman de lecture du Coran, champion de gonflette à ses heures perdues, muezzin dans la plus grande mosquée du Caire. Depuis une semaine il est aussi l'un des quatre personnages principaux de la nouvelle pièce de Stefan Kaegi Radio Muezzin. La Hau 2 est pleine à craquer, en ce lendemain de première. Me voilà assise par terre sur des coussins à quelques centimètres des tapis de mosquée qui délimitent l'espace scénique. Le noir se fait, quatre voix surgissent à différents endroits de la salle. L'appel à la prière. Pour sa nouvelle pièce le metteur en scène de Rimini Protokoll ne change pas le principe de son théâtre-documentaire unique. Après les journalistes, les collectionneurs de train miniatures, les télé-opérateurs indiens, Kaegi donne la parole aux muezzin des mosquées du Caire. Ils sont quatre sur le tapis, racontant avec le souci du détail leur vie quotidienne, leur métier, leur salaire. L'un est aveugle, fait deux heures de trajet chaque matin pour se rendre à la mosquée où il apprend le coran aux enfants. L'autre était électricien et ne joue les muezzins que pour passer le temps, sans être rémunéré. Le troisième doit travailler de nuit dans une boulangerie pour faire vivre sa famille. Le metteur en scène suisse (mais basé à Berlin, au Hebbel am Ufer Theater) a passé trois mois dans la capitale égyptienne pour le casting, les recherches, le tournage (la vidéo est essentielle). Il y a 30 000 mosquées au Caire. Autant de voix différentes qui appellent cinq fois par jour à la prière (le azan), en se faisant écho. Mais le ministère de la religion, qui emploie ces muezzins, a décidé de se passer de leurs services et de n'en garder que 30 pour se relayer derrière un micro et une radio qui diffusera la voix dans toute la ville. J'avais beaucoup aimé Breaking news qui laissaient la parole à des journalistes. Radio Muezzin m'a moins convaincue, m'a même mise mal à l'aise. Heureusement la vidéo vient rééquilibrer les moments flottants de cette pièce. On imagine que Kaegi a voulu avec Radio Muezzin nous offrir une vision de l'Islam au plus proche de la réalité de ceux qui la vivent. Mais là, sous les yeux d'un public allemand, l'exercice prend un côté trop pédagogue, observateur, sans grand regard artistique. Les quatre muezzins récitent parfois avec beaucoup d'hésitation leur texte. Ils jouent leur vie devant nous, œil occidental posé sur leur société, leur religion. En somme ils nous informent de leur condition. Cela suffit-il à faire sens au théâtre? Jouent-ils, prennent-ils du plaisir à cette mise en abyme? Pas évident en les regardant baisser les yeux au moment du salut, un peu encombrés d'être applaudis pour avoir récité leur vie.

On n'est pas bien là...

2009-03-02T09:56:00.000-08:00

Paisibles... à la fraîche, décontractés du gland. Et on bandera quand on aura envie de bander..." Gérard Depardieu, les Valseuses, Bertrand Blier, 1974. Le premier grand rôle de Depardieu, un film culte, provoc', mi loubard, mi burlesque. La France pompidolienne en prend pour son grade. La légende Depardieu commence. Pas étonnant qu'il ait été choisi pour ouvrir la rétrospective Depardieu hier soir à l'Arsenal, à l'occasion des 60 ans de l'acteur. Et alors, que retient-on d'une filmographie de 170 films d'un acteur devenu monument national ? Pioche t-on dans le cinéma d'auteur des Truffaut, Godard, Duras, Pialat? Dans le cinéma populaire des Obélix et Cyrano?. L'Arsenal n'a pas tranché, et préférer balayer le spectre, large, très large, des rôles de Depardieu, en penchant tout de même vers les premiers films. Trois Pialat, "Loulou", "Sous le Soleil de Satan" qui rafla la Palme d'Or en 1987, et le Garçu, dernier film du réalisateur, deux Blier, "Les Valseuse"s et "Buffet Froid", deux Truffaut, "la Femme d'à Côté" et "Le dernier Métro", un Téchiné "Les temps qui changent' qui marque les retrouvailles du couple Deneuve-Depardieu, deux Duras, "Le camion" et "Nathalie Granger," un Resnais "Mon oncle d'Amérique". "Cyrano de Bergerac" de Rappeneau pour le film historique - genre très prisé par Depardieu dans les années 90-2000- ,"Obélix : mission Cléopâtre" de Chabat pour la grosse comédie populaire, "Quand j'étais chanteur" de Xavier Giannoli, pour le jeune cinéma français. Bon résumé auquel il manque tout de même les duos avec Pierre Richard, les Pagnol et Trop belle pour toi. A l'écran on peut le voir en ce moment en France dans "Bellamy", de Claude Chabrol. Il ne sera pas montré à l'Arsenal, mais les Berlinois ont eu droit à la première mondiale à la Berlinale où Chabrol est venu fêter ses 50 ans de cinéma. Très bizarrement ces deux-là n'avaient encore jamais travaillé ensemble. Dans Bellamy la rencontre fonctionne à merveille. La carrure a beau s'élargir - 140 kilos ça pose son homme - Depardieu déplace avec grâce sa carcasse, habille de sensualité ce commissaire en vacances. "J'ai fait le film en pensant à lui, confiait Chabrol à Berlin. D'habitude je n'écris jamais pour des acteurs, mais là je voulais aussi montrer un peu de Gérard". A lire, l'interview accordée à Télérama et le portrait d'Arte qui lui a consacré le week-end dernier un portrait-entretien "Gérard Depardieu, ma vie".

Rétrospective Gérard Depardieu à l'Arsenal, mars 2009.
"Les Valseuses " de Bertrand Blier, 1974, le 13 mars.
"Nathalie Granger" de Marguerite Duras, 1972, les 6 et 8 mars."
"Le Camion" de Marguerite Duras, 1977, les 3 et 13 mars.
"Buffet froid" de Bertrand Blier, 1979, les 4 et 9 mars.
"Loulou" de Maurice Pialat, 1979, les 7 et 18 mars.
"Le dernier métro" de François Truffaut, 1980, les 7 et 19 mars.
"Danton" d'Andrezj Wajdas, 1982, les 10 et 30 mars.
"La femme d'à côté" de François Truffaut, 1981, les 11 et 14 mars.
"Sous le soleil de Satan" de Maurice Pialat, 1987, les 14 et 28 mars.
"Cyrano de Bergerac" de Jean-Paul Rappeneau, 1989, les 17 et 29 mars.
"Quand j'étais chanteur", de Xavier Giannoli, 2007, les 20 et 22 mars.
"Le Garçu", de Maurice Pialat, 1995, les 20 et 22 mars.
"Mon oncle d'Amérique" d'Alain Resnais, 1980, les 21 et 27 mars.
"Les temps qui changent" d'André Téchiné, 2004n les 21 et 25 mars.
"Obélix : mission Cléopâtre" d'Alain Chabat, 2002, le 31 mars.

Regards turcs et vietnamiens sur le Mauerfall

2009-02-27T09:56:00.000-08:00

Entrailles de la HKW par un vendredi soir pluvieux et sombre. Ca sonne tout vide là-dedans. C'est ça que j'aime bien aussi avec la Haus der Kulturen der Welt. On a toujours l'impression de ne pas être assez nombreux. Quoi qu'il s'y passe c'est trop grand. Même venir est un effort. Dans la salle de cinéma, on est trente au maximum à se sécher les os en attendant le début des deux documentaires. "Wir bleiben hier" et "Duvarlar-Mauern-Walls" projetés dans le cadre du cycle "1989 Globale Geschichten" qui se termine demain. Et oui, les 20 ans du mur, commémoration, remuage de mémoire, rabachage d'images. Mais là il s'est passé autre chose. La HKW pose une autre question, presque inaudible dans le chant des célébrations : Qu'est-ce que la réunification a changé dans la vie des immigrés et de leurs enfants, à l'ouest et à l'est? Tournés en 1991, de chaque côté d'un mur en disparition, les documentaires éclairent un chapitre négligé de la chute du mur. "Wir bleiben hier" de Dirk Otto, suit une famille vietnamienne dans les mois qui suivent la chute du mur. On les voit assis devant leur télé le jour de la réunification officielle des deux Allemagnes. "Nous nous réjouissons pour les Allemands. Mais on n'a pas le coeur à aller fêter ça. On préfère rester dans l'appartement". De l'autre côté du mur, dans le documentaire de Can Candan, étudiant turc aux Etats-Unis, les immigrés turcs ne disent pas autre chose dans "Durvarlar-Mauern-Walls". "On se rejouit de la chute du mur. On a voulu aller fêter ça mais les Allemands nous ont lancé des regards qui laissaient entendre, vous n'avez rien à faire là, cette fête ne vous regarde pas". D'un côté les 80000 Vietnamiens, venus avec des contrats de cinq ans en RDA. La chute du mur, signifie la fin des contrats. LA moitié d'entre eux seront poussés vers la sortie avec 3000 DM et un aller simple gratuit. D'autres, comme cette famille que nous suivons clament leur droit à rester. A lOuest l'histoire n'est pas tout à fait la même pour les 140000 Turcs berlinois de l'époque. La plupart vivent à Kreuzberg, Schöneberg, à deux pas du mur. Les premiers d'entre eux sont arrivés 30 ans auparavant, en 1961. Estampillés gastarbeiter, sans droit civique, sans possibilité de nationalité allemande pour leurs enfants, ils ont commencé à se battre pour une reconnaissance et un droit à l'intégration. La chute du mur viendra balayer leurs efforts. L'Allemagne a autre chose à faire que de se préoccuper de ses immigrés. A l'Est, les usines ferment les unes après les autres, les travailleurs vietnamiens n'ont plus de travail. Les Berlinois de l'Est affluent à l'Ouest sur le marché du travail. Moins cher que la main d'oeuvre turque. Le chômage commence à grimper dans les rangs des travailleurs de Turquie. Au chômage s'ajoute la vague de violence raciste qui s'abat à l'est comme à l'ouest. Dans le documentaire de Can Candan, les Turcs mettent ça sur le dos des Ossis. 'Ils n'avaient jamais vus d'étrangers là-bas, maintenant dès qu'on les croise, on a peur de se faire taper". A l'Est, le couple vietnamien constate aussi une flambée de violence, depuis la chute du mur. Les actes racistes se muliplient, des immigrés meurent brûlés vifs dans les Länder de l'Est comme de l'Ouest. "Que devons-nous dire à la communauté turque? Rentrez ou restez? Les Juifs dans les années 30 n'ont pas tous compris qu'il fallait quitter Berlin. Aujorud'hui on nous dit que le temps du nazisme est finie, je n'en suis pas si sûre". Ces paroles proviennent d'une élue d'origine turque au parlement berlinois. C'est dire le climat qui régnait à Berlin dans les mois qui ont suivi la réunification. La plupart des Turcs qui tépoignent dans le documentaire, qu'ils soient vendeurs de souvenirs à Chekpoint Charlie, marchant de quatre saisons sur le marché de Kreuzberg, sociologue ou jeune étudiant, tous disent la peur, la violence, le rejet soudain. Face à un Turc lui aussi émigré, mais totalement étranger à l'Allemagne, les discours semblent se libérer. En posant la question de l'identité, de la culture, de l'intégration à un moment crucial de l'histoire allemande Can Candan saisit au vol une parole lourde de sens, qui fait encore écho aujourd'hui.

Hamlet, de fureur et de boue

2009-02-25T00:35:00.000-08:00

On pourrait se contenter de cette scène là. 20 minutes d'une ouverture époustouflante, burlesque, tragique, où se côtoient le sexe et la mort. Devant, la terre sombre recouvre toute chose. Au loin, très loin, la table de banquet célèbre des noces. Ostermeier s'évite les détours, débute son Hamlet par le remariage de la reine et un enterrement sous la pluie qui restera dans les mémoires du théâtre contemporain. Le muet l'emporte, à part ce "To be or not to be" lâché en prélude, comme pour se débarrasser au plus vite du mythe et revenir au trivial. Le jeu se réduit à cinq acteurs qui se partagent les rôles comme autant de nouvelles clés pour observer la plus célèbre des tragédies shakespeariennes. Dans un jeu de double, le roi est aussi Claudius l'usurpateur, Gertrud est Ophélie. Seul Hamlet campe Hamlet. Et cela lui suffit bien à ce fils largué,inconsoloable enfant confronté au machiavélisme, en proie à la folie, au chagrin. Le héros romantique est ici un dérangé clownesque, un inadapté maladif, qui préfère regarer le monde à travers l'objectif d'une caméra. Lars Eidinger éclate de talent en Hamlet replet et blasé. Avignon a vu son lot de grincheux : pas assez préparé, pas assez abouti. Depuis Ostermeier a eu le temps de retravailler. Avouez tout de même que des Hamlet comme ça vous n'en aviez jamais mangé! Des acteurs qui n'ont pas peur de faire les clowns en mangeant la terre, de se filmer en déclamant des vers, de vous regarder en face, les pieds ancrés dans la boue, le corps arc-boûté. Shakespeare n'a pas échappé à une petite séance d'époussetage. Les tournures revues par Mayenburg virent au crû, et les scènes ont été allègrement tronçonnées. Loin des décors sobres et bourgeois habituels, le scénographe Jan Pappelbaum a choisi la terre pour célébrer cette mascarade de sexe et de mort. Cet humus qui recouvre les trois quarts de la scène semble nous rappeler l'essence d'un théâtre de matière, qui se suffit des mots, et du jeu. Le goût ferrugineux de la boue arrive jusque dans nos bouches. On se demande juste si l'idée (excellente) n'a pas été piquée au chorégraphe irlandais Michael Keegan-Dolan. Sa pièce The Bull créée en 2007 et montrée pour la première fois à Berlin cet hiver, recourt de manière assez troublante aux mêmes procédés. La terre partout (en bien plus grande quantité), les enterrements et les procédés burlesques pour l'agrémenter : tuyau d'arrosage pour simuler la pluie, entre autres.Autre parallèle, la violence des échanges. Dans le Hamlet d'Ostermeier, comme dans Bull on crie on s'insulte, on fornique dans la boue, on crache, on boit ,on baffre, on se travestit. Le directeur de la Schaubühne a choisi le burlesque, le grossier, la matière. C'est parfois racoleur, souvent formidable.
La pièce se joue ce soir, à la Schaubühne, en allemand et avec discussion après le spectacle. Demain, c'est la version surtitrée en français qui est proposée. A 20h.

Pêché d'hibernation

2009-02-24T12:26:00.000-08:00

Oups. 19 novembre 2008, dernier signe de vie. Trois mois pour voyager, festoyerdefindannee, travailler. Pendant ce temps Berlin n'attend pas. La Berlinale vient tout juste de rendre les clés (mais moi j'ai pas chômé, chroniques à retrouver sur www.lepetitjournal.com/berlin.html et sur le blog http://berlinaleoff.blogs.courrierinternational.com), Hamlet a ravagé la terre de la Schaubühne, Sasha Waltz s'apprête à investir le tout rénové Neues Museum, le Tacheles agonise, et le Mauerfall fête ses 20 ans un peu partout dans la ville. Le blanc a quitté les trottoirs de Berlin, nous abandonnant au gris. La glace cède, Berlin sur Scènes sort de sa torpeur.

Père Ubu sur sa baudruche

2008-11-19T02:32:00.000-08:00

Farcesque, clownesque et léger, comme ces dizaines de ballons multicolores qui jonchent la scène et s'élèvent dans les airs de la Volksbühne, l'Ubu roi de Dimiter Gotscheff penche plus vers le comique que le goût de la provocation, dans une version très librement adaptée. Demain soir à la Volksbühne On a bien entendu le retentissant et célèbre "Scheiße" ("merde" et non pas "merdre" comme chez Jarry) dès le début. Mais qui de ces deux hommes nus sur la scène est le père Ubu? Dimiter Gotscheff semble vouloir nous rejouer Adam et Eve dans une forêt de ballons multicolores. On craint l'effet Volksbühne des grandes heures. Encore du nu, encore du trash, un peu gratuit. Et puis non, tout ça s'avère finalement très poétique, léger et drôle. Petit pincement de sein à la Michelangelo, grimaces de clown, un moment de grâce presque sans parole. Petit à petit l'homme-pas-encore-femme, cache son sexe entre des jambes croisées, cambre la ligne du dos, cligne des paupières. Il saisit le sexe de l'autre qui n'est autre que son cœur. Il devient femme, il est Mère Ubu.
Couple miroir
Dorénavant ils seront couple grotesque et fantasque, duo inséparable et à peine dissemblable. Même costume noir masculin et strict, mêmes talons hauts rouges et vernis. Le numéro de duettiste est tout à fait enthousiasmant. Samuel Finzi et Wolfram Koch explorent avec une jouissance palpable le registre clownesque, dadaïste et surréaliste. Que ce couple miroir échange à mi-parcours les rôles de père et mère Ubu ne constitue qu'une pirouette de plus. Les mots se dégustent en version amplifiée ou non. Le temps d’un menu à rallonge, mère Ubu passe au français. Ridicules et assoiffés de pouvoir grotesques et grandioses, grossiers et criminels, le couple ne nous est jamais antipathique. Gotscheff les traite avec sympathie, comme des monstres gentils, auxquels on sait gré d’avoir su se foutre du bon goût et des bienséances.
La scénographe Katrin Brack n’a rien laissé sur scène à l'exception de ces ballons de toutes tailles, qui se font tour à tour accessoires, armes meurtrières, jouets, décor, ou personnages. Comme des bulles de bande dessinée, ils flottent parfois au-dessus des têtes, montent et descendent par on ne sait quelle opération. La pièce se déguste comme autant de ces bonbons légers et multicolores. Le goût de la provocation et du scandale qui habitaient l’Ubu de Jarry n’apparaissent plus que très flou en arrière-fond. Gotscheff a choisi la farce plutôt que le brûlot. La poésie plutôt que la violence.
Un peu de Shakespeare et de Müller
Le réalisateur d'origine bulgare, tant salué par la critique l'an dernier pour son Ivanov, prend également de très grandes libertés avec le texte initial de Jarry, sans négliger tout de même pas de distribuer des « Scheiße » à tour de bras. Exit les actes où Père Ubu part au combat, la pièce est un condensé d'où plusieurs scènes manquent avec aussi quelques rajouts : un zeste de Shakespeare et des extraits de McBeth) et un soupçon de Heiner Müller, pour l'ouverture et la clôture. Nous étions prévenus, cet Ubukönig était monté d'après Jarry, réécrit par Maurici Farré et monté à "la manière de la Volksbühne". Autant dire un roi de troisième main, mais dont l'esprit n'est pas trahi. Cette pièce, jouée pour la première fois à Paris en 1896 non sans provoquer un grand scandale, ne pouvait-elle être lue comme une parodie de Shakespeare, et une sorte de manifeste surréaliste. Cette ligne est toujours d'actualité dans la mise en scène de Gotscheff. Tout en laissant place à l'imagination et la modernité.

Meg Stuart : Douloureux duo à la Volksbühne

2008-11-11T05:07:00.000-08:00

Les chorégraphes Meg Stuart et Philippe Gehmacher élaborent un pas de deux nostalgique sur les planches de la Volksbühne (Meg Stuart est artiste associée du théâtre de Castorf). Quand deux êtres se cherchent et ne se trouvent plus, il reste les ébauches. « Maybe forever » trace les contours d'un poème intime, et désillusionné sur des airs de guitare éthérés.
Patience, attente, suspension. La danse du duo Meg Stuart/ Phillipp Gehmacher demande une attention toute particulière. Artifice zéro, esbrouffe nulle sur la scène de la Volksbühne habitée à plus d’effervescence. Pour leur première chorégraphie en commun, la chorégraphe américaine et le jeune artiste autrichien construisent une rencontre au-delà de toute agitation dans une communication maladroite, douloureuse et tendue, à l'image de cette première scène obscure. Est-ce l'aube ou la tombée de la nuit? Pénombre enveloppante où se distinguent à peine les êtres. Les corps, presque à l'état larvaire, insectes lentement déployés, semblent opérer une mue. Un couple se re-connait, se réveille d’une histoire commune. Une bande son terrienne et minérale accompagne leurs étreintes rampantes. Après de longues minutes la lumière apparaît enfin, la guitare électrique résonne, en live. L'éclairage se fait crû sur le couple désormais debout et sur son histoire.

Est-ce le constat d'une impossible communication amoureuse, du gouffre qui règne entre ces êtres fourmillant et s'agitant à la lumière du jour pour mieux s'ignorer ? La déstructuration règne sur une scène dépouillée où les micros et d'épais rideaux noirs délimitent l’arène sociale. L'émotion, fugace, se loge dans un mouvement cassé, une étreinte ratée, une mélodie de guitare atmosphérique. Explosive, Meg Ryan laisse ses membres lui échapper, roule vers lui, y croit encore. Mais non, il est trop tard. "I take it back" scande t-elle au micro dans un long poème amer qui regrette tous ces moments amoureux où l'on laisse des bouts de soi et des ses sentiments pour rien, pour des rencontres ratées, avortées.
Elle souffre, s'interroge dans des mouvements saccadés, énergiques, inutiles. Lui tente de communiquer, échoue dans une gestuelle minimale et déséquilibrée. Quand il marche il tangue un peu, jamais vraiment assuré. Parfois les corps s'atteignent dans une étreinte déjà terminée, trop furtive. Comme cette photo géante de pissenlits éphémères qui passe du noir et blanc à la couleur éclatante, pour se faner à nouveau, leur histoire n'en finit pas de se finir dans des soubresauts d’espoir. Ils y croient encore le temps d'une chanson, et des accords de guitare délicats du songwriter belge Niko Hafkenscheid qui égrène nonchalamment ses chansons folk. La musique accompagne les danseurs, les habille, les rend moins solitaires.
Même teintée de tristesse et de regret, la rencontre a lieu. Avec le public aussi. Dans la fragilité des mouvements, les deux chorégraphes disent douloureusement la difficulté de se re-trouver. La romance n'est plus. Sauf dans les refrains un peu menteurs des guitares.

« Maybe forever » de Meg Stuart et Philipp Gemacher. Ce soir et dimanche, 19h30, Volksbühne.

Photo © Chris Van der Burgth.

Wadji Mouawad entre au répertoire de la Schaubühne

2008-11-07T10:06:00.000-08:00

"C'était bien avant les invasions,
Avant la bassesse des chefs,
Avant les enlèvements
Avant les énigmes,
Avant les héros,
Les sacrifices,
Le sang.

Un homme ouvre les yeux au miieu de la nuit,
Tiré de son sommeil par un tourment indicible.
Quelque chose est là.
Quelque chose l'observe.
Quelque chose le scrute.
Il se redresse mais ne voit rien.
Se tourne mais ne perçoit rien.
"Qui est là?"
Le grand silence de la profondeur.
Une ombre cachée dans l'ombre le fixe.
Il ne la voit pas mais sent sa présence.
Quelque chose d'immense le regarde sans se montrer.
Il y a Il y a."

Il y a le soleil et la mort. Il y a Chadmos, Laïos et Oedipe, par delà les époques, les mythes et les dramaturges grecs. Il y a les malédictions, les oracles et le sang. Il y a la Phénicie et Thèbes. Il y a le Liban Bordeaux et le Québec. Il y a Wadji Mouawad et Dominique Pitoiset. "Der Sonne und dem Tod kann nicht ins Auge sehen" (en français Ni le soleil ni la mort ne peuvent se regarder en face) est entré la semaine dernière au répertoire de la Schaubühne, à Berlin.
Une pièce écrite par le dramaturge en vogue (et prochain artiste associé d'Avignon) Wadji Mouawad, qui a pour particularité d'avoir été commandée, désirée, espérée par Dominique Pitoiset, metteur en scène et directeur du TnBa de Bordeaux. Ce dernier avait depuis longtemps en tête une épopée antique, puisant aux sources de l'Europe et du Moyen-Orient, de la culture qui nous relie, des mythes et des tragédies. Il pensait à un texte qui prendrait Œdipe comme point de départ et explorerait la voie de ses descendants. L'auteur libano-québécois a préféré accoucher d’un texte revenant aux origines de Thèbe, piochant parmi les ancêtres de la mythologie, ceux d'avant d’Œdipe : Cadmos, l’arrière-arrière grand-père, frère d'Europe, fondateur de Thèbes et Laios, le père, détruit par son désir pour les jeunes enfants. Enfin Œdipe lui-même. Tous portent en eux une malédiction. Tous affrontent la violence, la guerre, le désir et le sang. Tous se posent la question de l’identité.
Au commencement est une nuit, et un homme qui sent que « quelque chose d’immense le regarde sans se montrer ». Au commencement est la fuite de Cadmos loin des rivages ravagés de sa Phénicie natale (le sud du Liban actuel) sur les traces de sa soeur Europe, enlevée par Zeus. Avec Thèbes pour horizon, pour Utopie. Le même exil que connut Wadji Mouawad à dix ans, poussé hors du Liban par une guerre dont les soubresauts agitent encore le petit pays. De l’autre côté de la mer, non pas Thèbes, mais le Québec.
Pour la version française, montée pour la première fois en mai à Bordeaux, Dominique Pitoiset avait choisi de confier la trentaine de personnages à trois comédiens et d'utiliser vidéo, marionnettes, et dessin animé pour habiller une mise en scène sèche. A Berlin, où le metteur en scène est venu travailler en octobre dans les locaux de la Schaubühne, il a fait appel à six comédiens allemands et oublié le théâtre d'objet. Rien ne vient plus distraire le spectateur du texte et du jeu. Dans une distribution qui laisse aussi place aux jeunes acteurs, Bettina et Ulrich Hoppe brillent d'une intensité plus forte que les autres. Peut-être l'expérience... Un peu cruel, Dominique Pitoiset semble avoir laissé cette pièce livrée à elle -même ou plutôt au talent et à la force des acteurs qui l'animent de bout en bout, chacun avec leur moyens. Mais cela ne suffit pas à animer un plateau baigné dans une lumière froide où seuls un vieux sofa et une table de cuisine font décor. Au souffle lyrique du texte du Libanais, Pitoiset oppose une forme très contemporaine, volontairement terre à terre, presque terne. Tous les acteurs portent sweats à capuche et vêtements passe-partout. Pas de maquillage, pas de fard, peu de mouvements. Quelques clins d'œil comme cet Œdipe s'allongeant sur le divan, ou la Sphinge sobrement mimée. Il y a dans cette mise en scène sans beauté, désincarnée, un effacement presque révérencieux devant les mots, certes magnifiques, de Wadji Mouawad. Comme si le texte seul devait frapper les esprits...
« Je vous vois
Moi mort
Vous soleil.
Face à face
Impossible.
Le soleil ni la mort
Ne peuvent se regarder en face
Visage à visage
Sans brûler l’un
Eteindre l’autre ».

C'est le cas. Mais il n'est pas demandé à un metteur en scène d'abandonner ses acteurs et de les laisser seuls face au mot. Encore moins les spectateurs.

« Der Sonne und dem Tod kann man nicht ins Auge sehen » de Wadji Mouawad, mise en scène Dominique Pitoiset, en allemand, représentations les 9, 12, 15, 17, 18 et 25 novembre, 20h30, Studio, Schaubühne, 8-13 euros. www.schaubuehne.de

Le Royal de Luxe squatte les vitrines du Kadewe

2008-11-06T02:54:00.000-08:00

Pour la première fois de son histoire le Royal de Luxe a trouvé un abri. Et pas le moins chic. Les vitrines du Kadewe. Depuis lundi, la célèbre troupe de théâtre de rue française qui sillonne le monde depuis 30 ans avec ses parades, a installé d'étranges mannequins dans le plus sélect des magasins berlinois. La troupe est invitée par le festival de théâtre Spielzeit'europa

Comme toujours avec Royal de luxe, l'événement commence avec une légende. Celle d'un Hollandais, producteur en série de mannequins anatomiques en 1900, qui devient fou après avoir vu des larmes couler sur le visage de ses créatures. D'où la rumeur : on a vu des mannequins, la nuit, traverser des vitrines et se promener de boutique en boutique. Dès lors, ils furent colonisés et exploités par les grands magasins. Mais l'heure de la révolte a sonné... Elle va durer dix jours. Une révolte silencieuse qui agite les vitrines aux heures les plus noires. Le jour, les mannequins sont figés dans une pose et une expression... Leurs visages ont été modelés sur ceux des vrais acteurs de la troupe. Là une femme en mini-jupe, bouche ouverte, yeux écarquillés qui s'exclame devant son test de grossesse positif. Ici un homme qui dort à même le sol dans la rue. Un chien bardé de cartouches accompagne son maître-chasseur. Une petite fille arrose les fleurs d'un cimetière devant une tombe qui fume étrangement. Au coin du magasin, dans la vitrine "Liquidation totale" un sniper a d'ores et déjà éliminé l'un des mannequins. La vitre en témoigne, percée précisément par une balle. Sur la Tauentzienstraße, on se presse pour aller vérifier si cet impact de balle est bien réel.
Le lendemain les mannequins ont bougé, la femme enceinte a désormais un ventre arrondi, le chien a échangé ses cartouches contre de la... charcuterie, le SDF s'est réveillé et prépare son café sur un réchaud de fortune. Un paysan en guenilles plante une tige verte dans un cul blanc qui émerge de la paille au sol.... Pour connaître la suite de cette histoire muette, délicieusement absurde, il faudra donc revenir tous les jours devant le magasin.
Moins spectaculaire que ses parades, cette révolte adopte un esprit poétique dans un "temple de la société consumériste", incitant à une lenteur bien à contre-courant des mouvements de foule de passants. Le Royal de Luxe se serait-il embourgeoisé? "Notre théâtre s'est toujours déplacé là où se trouve le public. Les lieux de consommation en font partie", assume le chef du Royal de Luxe, Jean-Luc Courcoult. Ce spectacle avait déjà été présenté dans les vitrines des commerces de Nantes en janvier dernier. La révolte s'était terminée par une grande échappée dans les rues et sur les toits. Il y a de grande chances pour que les mannequins tentent ici aussi de quitter leur prison dorée

Im Ausnahmezustand à la Schaubühne

2008-10-24T03:55:00.000-07:00

Dans une maison ultra-sécurisée d'un quartier réservé aux plus riches, une famille vit derrière des murs qui la protègent des réalités du monde. Mais on étouffe très vite dans cette prison dorée. La paranoïa gagne. Auteur et metteur en scène de "Im Ausnahmenzustand", Falk Richter érige un huis clos angoissant, entre science-fiction et polar, servi par un duo d’acteurs époustouflant. Dans ce monde en "Etat d'urgence" tout est gris et froid, comme le décor imaginé par Jan Pappelbaum. Canapé, habits, murs, visages, regards. Rien ne renvoie plus de lumière. Le peu de chaleur qui aurait pu arriver de la cheminée n'est que factice, les flammes se règlent à la télécommande. Bienvenue dans la forteresse de la réussite. Lascive sur un long canapé une femme bombarde son mari de questions. "Es-tu sûr que tout va bien ? (…) Comment vas-tu (…) Tout est ok (…) tu es bizarre (…) qu'est-ce qu'il y a?". Derrière ces questions anodines, pointe déjà l'état de panique. La femme s'inquiète. Pour son mari, pour ce bruit de vagues qu'elle confond avec des coups de feu, pour la porte qui serait restée ouverte la nuit. Lui, absorbé par son ordinateur, ne répond que par onomatopées ennuyées. Peu importe la réponse. De toute façon plus rien ne la rassure, ni les barbelés, ni les caméras, ni les gardiens armés de cette « Gated community » de privilégiés qu'ils ont réussi à rejoindre au prix de longs efforts. A force de vivre cloîtrée, elle s'imagine que le danger peut aussi venir de l'intérieur. Son angoisse permanente vampirise son entourage.
Sous nos yeux, l'actrice Bibiana Beglau se transforme en système sécuritaire hystérique dont l'esprit rongé par la peur ne connait plus de limite : surveiller les emails de son fils, se cacher sous son lit pour l'observer la nuit, espionner son mari, comptabiliser le nombre de blagues qu'il fait dans la journée, le nombres de minutes qu'il passe à regarder par la fenêtre. Ici le hors-norme n'a pas lieu d'être. Pour vivre à l’intérieur, il faut se plier aux codes et standards. Travailler beaucoup mais aussi être joyeux, enthousiaste, bronzé, en bonne santé, sociable, drôle, sportif. Ce que le mari, joué par Bruno Cathomas, semble de moins en moins disposé à être. Elle est le doigt pointé sur ses manquements, il est le personnage victimaire, ployant sous la pression déraisonnée d'une société en proie à la peur de l’autre et de l’étrange. "Tu es folle!" lui lance-t-il effrayé. Entre deux avalanches de questionnement, le trio homme-femme-enfant cherche à se raccrocher à une normalité perdue. "Asseyons-nous tous ensemble, nous sommes une famille non?". Mais il est depuis longtemps trop tard. Les corps rechignent à se toucher. La famille est entrée dans un jeu de haine triangulaire. L'adolescent ne s'approche plus d'eux que pour réclamer son argent de poche. Et s'enfuir.
Falk Richter a écrit cette pièce pour ses deux de ses acteurs préférés et cela se sent. Dans une mise en scène sobre et un savant ballet des corps, le duo Cathomas/Beglau joue une partition tendue sans jamais tomber dans l'agitation. Elle, cheveux relevés et visage calme, contient brillamment sa folie qui s’échappe lors de longs monologues effrayants. Lui absorbe physiquement l'angoisse et nous la restitue en tremblements, transpiration et souffles lourds. Emouvant en victime résignée et souffrante.
« Mais où tout ça va t-il nous mener exactement?" demande-t-il. Il connait la réponse. Dans le mur. Celui qui les protège et qui les enterre. Otages consentants d'un monde sclérosé auquel il manque une chose essentielle, la vie.

« Im Ausnahmezustand » de Falk Richter avec Bibiana Beglau, Bruno Cathomas, Vincent Redetzki. à la Schaubühne am Lehiner Platz.Les 25 et 26 octobre, 14 et 29 novembre. www.schaubuehne.de

Festival Spielzeit'europa, une saison en hiver

2008-10-23T00:46:00.000-07:00

Spielzeit'europa déroule dès ce soir et jusqu'à la fin janvier des grands noms du théâtre et de la danse européenne : Sidi Larbi Cherkaoui, Luc Bondy ou le Royal de Luxe. Un festival de prestige au long cours qui a attiré l’an dernier 27 000 spectateurs.
Serait-ce pour se mettre en accord avec le rythme nonchalant d'une capitale européenne estampillée "anti-stress" que la programmation du festival Spielzeit'europa prend son temps en quatre mois et "seulement" neuf spectacles? Plus qu'un festival, ce temps fort décline presque une mini-saison théâtrale (« Spielzeit » signifie saison) à la très institutionnelle Haus der Berliner Festspiele, dont la salle peut accueillir 1000 spectateurs. Loin du rythme marathon d'un Avignon, le festival égrène les spectacles les uns après les autres, ne craignant pas les longs temps morts. "Le festival n'a pas de période creuse" rétorque Brigitte Fürle à la tête du festival depuis 2006. "A partir du 7 octobre et jusqu'au 2 février, on produit, on répète et on joue dans le théâtre de façon continue. Ce sont des conditions de travail qui n'existent dans aucun autre festival, c'est un luxe unique en Europe. (…) Nous sommes à l'opposé d'un supermarché de théâtre de tournée.".
L'édition 2008 se lèvera le 23 octobre sur la toute nouvelle création du metteur en scène bulgare Dimiter Gotscheff, arrivé en Allemagne de l'Est dès les années 60, qui aura auparavant répété trois semaines sur place. Il fera de "Das Pulverfass" (la Poudrière) de l'auteur macédonien Dejan Dubovski, une sorte de Balkan blues en onze tableaux, emmené par l'orchestre de Sandy Lopicic. Pouvait-on faire plus européen?
A défaut d'imprimer un rythme intensif, Spielzeit'europa soigne son affiche, regardant plutôt vers le Nord et l’est de l’Europe. Et assume un choix d'artistes établis de la danse et du théâtre, syndrome plutôt rare dans un Berlin obsédé par l'avant-garde. Spielzeit'europa est le plus subventionné des festivals de théâtre berlinois (à hauteur d'1 million d’euros) et cela se voit. Le Royal de Luxe, Sidi Larbi Cherkaoui, Luc Bondy, William Forsythe cette année. Sylvie Guillem, Frédéric Fisbach, le ballet Preljokaj, Alvis Hermanis l'an dernier. Pour Brigitte Fürle, il n'y a de toute façon ""pas d'autres institutions à Berlin capables de programmer ces artistes". Sous–entendu en terme de capacité d'accueil et de budget. Berlin a beau afficher un dynamisme théâtral qui fait souvent envie outre-Rhin, ses théâtres fonctionnent encore comme des troupes, qui jouent de manière stakhanoviste leurs répertoires, laissant peu de place aux productions venues d'ailleurs.

Calé confortablement dans cette case « institutionnel », Spielzeit’europa se laisse parfois parcourir du frisson de la nouveauté. Cette année il devrait venir d’Irlande avec la danse radicale de Michael Keegan-Dolan. Un peu plus âgé que Sidi Larbi Cherkaoui, le chorégraphe irlandais ne connaît pas la même côte d’amour auprès des programmateurs de festivals européens. En France, à peine l’a t-on vu signer l’an dernier à Lyon la chorégraphie de l’opéra « The Rake’s progress » de Robert Lepage. Le succès de Michel Keegan-Dolan et de sa compagnie Fabulous Beast serait-il cantonné aux terres anglo-saxonnes ? Le chorégraphe s’est pourtant imposé comme la figure de la danse irlandaise des cinquante dernières années. Sa reprise du ballet classique Giselle dans une interprétation très trash lui a valu la reconnaissance anglaise. « The Bull », présenté à Berlin est sa dernière production. Le conte épique irlandais dont il s’inspire ne résiste pas longtemps au filtre de son regard grinçant. Avec une énergie cruelle et provocante, il le façonne en comédie humaine grotesque où les imbéciles rivalisent de bassesse et de ridicule. Sans pitié pour ses pairs. Plus poétique et familiale, l'escapade hors les murs du Royal de Luxe et sa "Révolte des mannequins" dans les vitrines du très chic Kadewe. Il y aura encore des fidèles, comme le compositeur et touche à tout Heiner Goebbels, ou le chorégraphe américain installé en Allemagne, William Forsythe. Et pour les grands classiques, la metteur en scène Andrea Breth s’emparera en cinq heures du monumental « Crimes et Châtiments » et Luc Bondy donnera le roi Lear dans une nouvelle traduction.
Comment un festival qui affiche cinq années au compteur peut-il figurer dans les rendez-vous les plus attendus de l’année à Berlin ? C’est qu’il a pris le relais des Festwochen, qui elles-mêmes avaient investi la Freie Volksbühne d’Erwin Piscator, construite en 1963 pour combler un vide dans un Berlin Ouest privé de ses plus grands théâtres. En 2000 Joachim Sartorius avait repris les clés de cette maison laissée à l’abandon depuis la réunification. A Berlin l’histoire procède ainsi par couche et par cycle dans un mouvement de renaissance perpétuel. Comme le mot d’ordre de ces cinquièmes Spielzeit’europa, « Une fin - le début ».

(Article paru dans TGV Magazine d'octobre 2008)

Spielzeit’europa du 23 octobre au 1er février, Berlin, Haus der Berliner Festspiele.
Réservations et programme www.spielzeiteuropa.de ou au 0049 (0)30 254 89 100
Programme :
« Das Pulverfass » - Dimiter Gotscheff du 23 au 31 octobre
« La révolte des mannequins » - Royal de Luxe, du 3 au 10 novembre
« I went to the house but did not enter » - Heiner Goebbels/The Hilliard Ensemble, du 13 au 16 novembre
« The Bull » - Michael Keegan-Dolan/Fabulous Beats Dance Theatre, du 27 au 30 novembre
« Sutra » Sidi Larbi Cherkaoui, du 3 au 6 décembre
« Verbrechen und Strafe » (Crimes et châtiment) – Andrea Breth, du 11 au 14 décembre
The Forsythe Compagny, du 20 au 22 janvier
« Der Lauf zum Meer ein Idyll » - Thorsten Lensing/Jan Hein, du 25 au 27 janvier « König Lear » (Le roi Lear) – Luc Bondy du 29 janvier au 1er février.

Slam, porno and queer

2008-10-22T08:09:00.000-07:00

Attention gros mot. Pornfilmfestival. 3e du nom. Ca démarre ce soir au Movimiento, à deux pas de chez moi, à la frontière entre Neukölln et Kreuzberg. Quatre jours de projections regardant l'autre facette due la culture porno, celle des féministes, des lesbiennes, gays et trans, des fétichistes et des SM, des intellos et des rigolos. Ce qui reste sur la pellicule une fois débarassée du cul à la papa, des clichés du désir masculin, de l'éroticocentrisme hétéro, de l'idée d'une femme soumise ou pute." On en a marre d'avoir toujours la même esthétique, les mêmes figures imposées. Il faut modifier les codes traditionnels en hybridant par exemple les genres filmiques (...) On souhaite montrer que la vocation du porno n'est pas seulement la branlette" commentait Maxime Cervulle, l'organisateur du festival du même nom début octobre à Paris. " Il faut lever les idéees reçues, lever le moule, éclater les limites du genre", renchérit Céline Robinet, qui organise la première soirée du festival porno berlinois. Je rencontre Céline dans une vieille cafet italienne de Neukölln où la tenancière hésite à mettre le chauffage en route rapport au prix du gaz qui augmente beaucoup trop vite. Devant un café (pour moi) et une pizza (pour elle), on devise courtoisement cul, gode, vision hétéronormée et poésie. A quelques centimètres une grande vierge veille sur nous. Céline Robinet, alias Kakosonia (son nom de slameuse) est connue ici du monde francophone pour tenir une chronique dans la Gazette (le journal français de Berlin). Elle slame aussi, elle écrit, elle milite, elle court dix projets à la minute. Prochain en route un livre sur le fétichisme des pieds et de la chaussure avec le photographe KLTbloc et un autre sur "20 bonnes raison de ne pas être hétéro". Car oui, Céline est lesbienne. Cheveux rasés d'un côté mais décolleté avantageux. "Je suis de celles qui ne rejettent pas la féminité. Je peux aussi me la jouer très masculine, ça dépend." Ce soir donc, elle organise avec pour complice Wendy Delorme, actrice dans le premier film porno lesbien français, performeuse queer, égérie post-féministe et auteure du roman "Quatrième Génération" (Grasset), une soirée "Sex can save the world" à coup de lecture (en français et en allemand), de slam érotique, et de performances (Océan, dragking berlinois). Partant du constat que la sexualité lesbienne est un genre sous-représenté y compris dans le porno, Céline appelle au prêche! "Parlons-en, montrons-la avec des mots et des images". Une profession de foi qui appelle à contourner la représentation masculine de la lesbienne et la conception répandue de "les lesbiennes, c'est doux, ce sont des caresses : c'est pas vraiment du sexe". Dans le porno classique, la lesbienne, présente, finit toujours pas s'offrir à l'homme. C'est lui qui la "termine" en sorte. A bas donc "la réification de la lesbienne au service de l'homme". Oui, certes, mais le porno est-il nécessaire? "Oui, dans le sens où il véhicule des images. Il est important que les lesbiennes prennent ça aussi en main, qu'il existe un porno fait par les femmes et pour les femmes". Et pour prouver que le genre lesbien est loin d'être un truc gentillet entre goudous frustrées, et que la pénétration n'est pas l'apanage de la masculinité, Céline a convié à sa soirée Gur, aussi appellé "Jerusalem Drag Kingz", qui viendra vendre des gode-ceintures et harnais en chambre à air de vélo (spécial végan pour ceux qui supportent pas la matière animale). Et sa copine Wendy animera un workshop sur les techniques et usages du fisting pour femmes et trans. Dans la cafét italienne, la vierge nous écoute toujours mains jointes, yeux baissés. On se dit peut-être à demain. Ca se passera au Wirrwarr, bar galerie tout récent tenu par deux Françaises, à 20h pour 3 à 5 euros (selon l'envie et les moyens). Pour ceux que ça tente le festival s'ouvre ce soir au Movimiento (Kotbusser Dam) avec "Bad luck Betties" de Winkytiki.

Demain "Sex can save the world", 20h, avec Wendy Delorme, Kakosonia, David le Guillermic, Ocean, et les sex toys vegane (si, si c'est pas de la blague, en chambre à air de vélo....) de Gur. Wirrwarr bar, Dieffenbachstrasse 36, Kreuzberg, Berlin. .

Des plaisirs d'Avant

2008-10-03T08:26:00.000-07:00

Revoir. C'est un luxe qu'on devrait s'octroyer plus souvent au théâtre. On le fait bien pour le cinéma, accédant à chaque nouvelle vision d'un film, à un autre niveau de compréhension. Oui, il revient plus cher de revenir au théâtre que de se louer un DVD. Mais le spectacle vivant porte dans son essence même la possibilité de multi-visions, ancré qu'il est dans une représentation de chair, forcément unique et précieuse. A fortiori quand il s'est écoulé six ans entre la création d'un spectacle et le moment où il se rejoue. La pièce porte alors en elle un supplément d'histoire qui est celle de ses interprètes, de son public et de leur rencontre. Sidi Larbi Cherkaoui, Damien Galet, Juan Cruz Diaz de Garaio Esnaola, Luc Dunberry en étaient au début de leur parcours chorégraphique lorsqu'ils ont créé "D'avant", une pièce écrite à huit mains, même si le chorégraphe et musicien basque y a laissé, plus que les autres encore, son empreinte artistique. Depuis, ils sont devenus des incontournables de la scène contemporaine européenne, avec une longueur d'avance pour Cherkaoui qui avant même ses 30 ans avait atteint le statut de star. Autant dire qu'ils ont changé depuis 2002. Moi aussi. J'avais vu ce spectacle en 2003 à Bordeaux, un an après sa création, lors des Grandes Traversées de Sasha Waltz. J'avais aimé ce mélange de virtuosité et de désinvolture, d'élégance et d'engagement physique, de religiosité et d'irrévérence. C'était un de mes "premiers spectacles" de danse contemporaine. Il m'avait marqué. De mes souvenirs émergeaient surtout les scènes du début, celles où Cherkaoui, dans une attitude christique butée, passe de main en main, objet de toutes les convoitises, agacements, jalousies. Et celle de la fin, quand le décor se démonte (un peu comme dans le Gezeiten de Waltz), où les gestes se calment et où les voix s'élèvent. J'avais en tête la musicalité particulière de ces danseurs chantant et bougeant, dans une polyphonie vocale entre chants moyen-âgeux et imprécations catholico-musulmano-judéo-etc.... Bref j'avais retenu le spirituel, la danse et le chant, l'émotion qui s'en dégage
Exit de ma mémoire la facétie et le jeu. Pourtant, cinq ans plus tard c'est ce qui me frappe le plus dans la pièce. Les quatre danseurs semblent devant mes yeux retrouver une partie de la jeunesse quand ils crient, se jettent avec délectation des objets à la figure, se battent méchamment jusqu'à mordre la poussière, s'étourdissent dans une parodie de chanson disco, se déguisent et s'échangent les vêtements comme des enfants qui auraient échappé au regard de leurs parents. La pièce surgit alors comme une œuvre de jeunesse. Une chorégraphie "d'avant", où le seul contact des quatre corps pouvait suffire à faire sens et jeu. Une rencontre entre deux écoles, celle de la troupe de Waltz à Berlin (Diaz de Garaio Esnaola et Dunberry) et des Ballets C. de la B. de Platel à Bruxelles (Cherkaoui et Jalet), mais aussi entre quatre corps aux formes disparates. Sidi Larbi Cherkaoui, c'est l'élégance d'un corps étiré, l'élasticité, la grâce venue d'en haut. Damien Jalet rayonne de l'énergie brute, mine clownesque et corps puissant. De Juan Cruz Diaz de Garaio Esnaola, on retient le grondement sourd, rentré, planté sur un corps trapu où se cache une âme sombre (je frissonne encore à la vue de son visage tendu, inondé de sueur et pâle au moment des saluts). Luc Dunberry c'est l'équilibre, la pulsion contenue, l'élégance sage d'un chorégraphe et danseur qu'on sent pétri de l'expérience. On prend un plaisir fou à les regarder ainsi se confronter et s'assembler tant D'Avant joue du contact. Presque toute la chorégraphie est suspendue à la rencontre des corps, se construit à l'articulation du mouvement quand deux, trois, quatre corps y participent. D'Avant semble surtout annonciateur de la suite, de l'obsession de Cherkaoui pour la religion et la spiritualité, et surtout de l'ascétisme sévère des créations de Garaio Esnaola. Hier soir c'était peut-être le danseur le moins connecté au groupe, comme s'il ne parvenait plus à retrouver l'énergie du plaisir, comme s'il était parti plus loin que les autres dans une danse devenue sérieuse dont on trouve la résonnance dans sa dernière création Ars Melancholiae. Dans cette pièce sombre il décortique les affres de la mélancholie jusqu'à l'absurde et l'ennui. On y chante encore beaucoup, on s'y meut dans un décor blanc et noir, on y construit des tableaux morbides. On n'y danse plus. Plus comme d'Avant....

D'Avant, les 3 et 4 octobre, 20h, Radial System, 14-18 euros.
Ars Melancholiae sera programmé également au Radial System du au novembre, 20h, 14-18 euros.
Sidi Libi Cherkaoui sera sur la scène de la Haus der Berliner Festspiele du 3 au 6 décembre (dans le cadre de Spielzeit'europa) avec les moines Shaolin pour Sutra.